Arte in Molise

Il Castello di Capua e Gambatesa. Mito, Storia e Paesaggio

2012-02-27T02:08:00.000-08:00

Il giorno 1 marzo alle ore 18 presso la biblioteca Albino di Campobasso verrà presentato il volume Il Castello di Capua e Gambatesa. Mito, Storia e Paesaggio con gli interventi di Anna Bisceglia e Gabriella di Rocco. Il testo, curato dal Soprintendente Daniele Ferrara, segna un avanzamento degli studi sul castello e sull'importante ciclo di affreschi contenuto all'interno.

Indice del volume:

Introduzione

Gambatesa e i di Capua: i pastori e i signori. Mario Ziccardi

Donato, pittore tra mistero ed esuberanza. Liana Pasquale

Donato e Giorgio Vasari. Un rapporto speciale tra Napoli e Roma. Dora Catalano

Divinità, natura e uomini: un percorso nel castello di Capua. Michelangelo Carozza, Liana Pasquale, Daniele Ferrara

Donato, i fiamminghi e un'idea di Roma nel ciclo pittorico del castello di Gambatesa. Tommaso Evangelista

Dalle colline al mare. Donato e la committenza artistica dei di Capua in Molise. Dora Catalano, Daniele Ferrara

San Valentino con l'arte a Gambatesa e Venafro

2012-02-07T03:30:00.000-08:00

Per la giornata di San Valentino Martedì 14 Febbraio 2012 alle ore 18.00 a Gambatesa (CB) presso il Castello Di Capua verrà presentato il libro di Enzo Ragone, “Poesia dell’Amore Migratore”, con introduzione di Achille Bonita Oliva e disegni di Enzo Cucchi. Interverranno Daniele Ferrara (Soprintendente BSAE del Molise), Lorenzo Canova (Docente di Storia dell’Arte Contemporanea-Università degli Studi del Molise) Gilberto Marconi (Docente di Letteratura Antica-Università degli Studi del Molise). Sarà presente l’Autore. Si comunica inoltre che sabato 25 Febbraio 2012 il Castello resterà aperto anche il pomeriggio, dalle ore 14.30 alle ore 18.00. E' prevista anche l’apertura straordinaria del Castello Pandone di Venafro (IS) per il giorno 11 febbraio 2012 dalle ore 15,00 alle ore 18,30.

A causa del protrarsi dell’eccezionale ondata di maltempo, la Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici comunica che l’evento culturale “Festa di San Valentino – Innamorati dell’Arte” in programma per martedì 14 febbraio al Castello di Capua di Gambatesa con la presentazione del libro “Poesie dell’Amore Migratore” di Enzo Ragone,con introduzione di Achille Bonita Oliva e disegni di Enzo Cucchi

è rinviato nella giornata di mercoledì 29 febbraio 2012 alle ore 18.00.

iGallery - video dal vernissage

2012-02-06T07:01:00.000-08:00

Realizzato da Michele Boccamazzo

Cromosafari - Nino Barone all'ARATRO

2012-01-25T14:55:00.000-08:00

L’ARATRO presenta una mostra personale di Nino Barone (nato a Termoli nel 1955 dove vive), artista che conduce da molti anni una ricerca su un’astrazione attraversata da un rigoroso senso della geometria e da un sentimento lirico del colore e del movimento delle forme.

La mostra comprende una breve selezione antologica di lavori dal 2005 al 2010 e l’ultimissimo ciclo di opere realizzate negli ultimi mesi dal pittore appositamente per questa mostra.

Il progetto espositivo vuole infatti mettere in risalto il percorso di sublimazione e di rarefazione del colore che Barone ha compiuto negli ultimi anni fino ad approdare ai risultati più recenti, dove, in una sorta di ironico e simbolico safari pittorico di caccia al colore, che dà il titolo alla mostra, le geometrie si condensano in pochi elementi diagonali che attraversano lo spazio bianco del supporto come presenze dinamiche di grande intensità visiva.

In questo senso, Barone ha condensato e reso quasi monumentale l’alfabeto segnico della sua pittura precedente ampliando le dimensioni e la forza delle forme geometrizzanti colorate e delle linee nere che s’intrecciano nello spazio pulsante di queste opere che costituiscono un approdo di grande severità formale e di vibrante felicità cromatica.

A cura di Lorenzo Canova

Inaugurazione mostra 26 gennaio 2012 ore 18

CROMOSAFARI all'Officina Solare agosto 2011

Cromosafari. Già dal titolo si intuisce come questa mostra non sia altro che un viaggio: viaggio nel colore e, per riflesso, anche nella forma. Viaggio nella poetica degli artisti che, quando non si limitano a proporre maniere standardizzate ed affermate, sono sempre persi nella rielaborazione delle loro idee di fondo, idee che generano poi mutamenti nella struttura delle opere le quali, se osservate da lontano e tutte insieme, rivelano poi i vari passaggi o transiti dell’anima sulle tele in un determinato momento. Cromosafari implica inoltre anche un che di esotico ed avventuroso. Potrei accostare così le tempere di Marini ai paesaggi africani di Klee, realizzati nel 1914, riguardo ai quali scriveva “Il colore mi possiede. Non ho più bisogno di rincorrerlo. Questo è il senso dell’ora felice: io e il colore siamo tutt’uno. Io sono pittore” o le opere di Barone a piste segnate nel deserto, con l’ora più calda che annulla i colori mentre dal bianco emergono solamente oasi variopinte. Potremmo allora sintetizzare il titolo come “viaggio avventuroso nel colore” e ciò basterebbe a dare una chiave di lettura all’esposizione. Andando più nel particolare, invece, gli spunti da evidenziare sono diversi. Nino Barone compie un altro passo avanti nella sua personale ricerca artistica. Dalle Y dei primi anni ’90, tracce serializzate in bilico tra informale segnico e comunicazione, ai Geocartoon, archetipiche scarnificazioni dell’urbano ridotto a traccia e mappa su fondi ambientali e vitali, fino alle ultime decostruzioni con le linee che, ormai disgregate, proseguono per frammenti di spazio modulato in maniera disorganica, con queste ultime opere ritorna all’interno del supporto anche se qualcosa è cambiato. E’ mutato lo sfondo, diventato ormai neutro e monocromatico, si sono modificati gli inserti cromatici che fungono da scena, diventati geometriche e piatte figure colorate, si sono diradate le linee che organizzavano le mappe. Si avverte pertanto il senso di una perdita ed un certo pessimismo di fondo poiché i lavori, pur impostati su solidi segni linguistici (cifra stilistica personale ormai acclarata) che scavando nell’essenza di un sistema globale veicolano tracce intime sottoforma di comunicazioni, più che aprirsi alla vitalità del colore, unico elemento capace di liberare l’uomo dalla pesantezza dei luoghi, sembrano retrocedere. Il colore è confinato in sporadici moduli geometrici mentre intorno domina un bianco il quale più che purezza appare vuoto, e quindi privazione di spazio. Le poche linee rizomatiche ci raccontano di strade ormai abbandonate, attraversamenti in disuso, sentieri ricavati a forza sulla tela nei quali non viaggia più nessuno. E poiché la comunicazione, e anche il progresso, avviene soprattutto attraverso il viaggio che mette in contatto nuclei (o insiemi) diversi, questa rarefazione del segno e del colore non può che apparire come una sconfitta, paradigma di un’illusione ormai diventata interruzione. Ma siamo pur sempre qui a commentare una traccia e questo è pur sempre un evento positivo.

Tommaso Evangelista

Intervista a Lorenzo Canova

2012-01-23T03:24:00.000-08:00

Intervista allo storico e critico d'arte Lorenzo Canova dalla redazione de Il Bene Comune. Tra gli argomenti affrontati anche il ruolo di Molise Cultura e l'ipotesi della creazione di un museo d'arte contemporanea.

Splendori dal Medioevo

2012-01-23T02:01:00.000-08:00

La Soprintendenza per i Beni Archeologici del Molise ha ritenuto particolarmente importante illustrare, in una mostra nel Museo Archeologico di Venafro, l’arte, la vita e gli elevati valori spirituali che attraverso il cenobio benedettino di San Vincenzo al Volturno si sono diffusi nel Medioevo in vasti territori dell’Italia centro-meridionale. Si è voluta fissare l’inaugurazione, in modo simbolico, il 22 gennaio 2012 data coincidente con la festività di San Vincenzo martire di Saragozza.

La mostra si articola in sei sezioni nelle quali viene ripercorso il cammino storico dell’Abbazia attraverso i reperti e le fonti storiche, iniziando dalle fasi più antiche (La fondazione del monastero e il luogo sacro), che ha tra i reperti più importanti l’altare affrescato di tardo VIII secolo proveniente dalla Chiesa Sud. Si prosegue con La rinascita carolingia, che presenta l’abbazia al massimo del suo splendore: già celebre in età longobarda; il monastero di San Vincenzo, alla fine dell’VIII secolo, si trovò al confine delle terre italiane conquistate da Carlo Magno e, in virtù di ciò, venne incluso dal sovrano franco nel novero delle abbazie direttamente poste sotto la sua protezione.

Durante il IX secolo il monastero raggiunge la sua massima espansione: gli abati Giosué, Talarico ed Epifanio trasformano il cenobio in una vera e propria città monastica avviando imponenti progetti di costruzione. L’abate Giosuè (792-817) che, secondo il Chronicon Vulturnense (XII secolo d.C.), era imparentato con la famiglia regnante carolingia, trasformò San Vincenzo in uno dei più grandi monasteri d’Europa. Le ingenti risorse economiche a disposizione accrebbero lo splendore dell’abbazia, che giunse ad annoverare, a metà del IX secolo, ben nove chiese, tra cui la basilica maior, una colossale costruzione di oltre sessanta metri di lunghezza e quasi trenta di larghezza, con trenta colonne di granito egizio, in grado di gareggiare con le più splendide chiese abbaziali dell’Europa carolingia. Di questa fase verranno esposte le vetrate multicolori, le suppellettili in vetro di cui si illustreranno le tecniche di produzione.

Degli splendidi affreschi originali sarà esposta la sequenza dei profeti, dei santi, degli abati. Si prosegue con l’illustrazione dei modelli pittorici e delle scuole di provenienza degli artisti, con le sculture e con i pavimenti in opus sectile. L’epilogo: dopo il saccheggio dell’abbazia da parte di predoni arabi nell’881, la comunità dei monaci fu costretta a trasferirsi ma alla fine del X secolo il monastero ebbe una fase di rinascita, con la ricostruzione della basilica maggiore e il recupero di altri edifici del grande chiostro carolingio. Alla fine dell’XI secolo però, di fronte alla comparsa dei Normanni, la comunità decise di trasferirsi a poche centinaia di metri di distanza, sulla riva opposta del Volturno, per edificare un monastero interamente nuovo e fortificato.

Si conclude con la VI sezione: La presenza araba a Venafro e in Molise tra IX e X secolo. Il gioco degli scacchi e la simbologia, che approfondisce la fase tra IX e XI secolo nel territorio dell’Alto Volturno. Testimonianza significativa del periodo sono gli scacchi rinvenuti nel 1932 in una sepoltura di Venafro. Saranno esposti per la prima volta in Molise, prestati per l’occasione dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

Dal blog archeologiamedievale

Data Inizio:22 gennaio 2012
Data Fine: 04 novembre 2012
Costo del biglietto: € 2,00; Riduzioni: come da normativa vigente; Per informazioni 0865 900742
Prenotazione: Nessuna
Luogo: Venafro, Museo Archeologico, ex Convento di Santa Chiara
Orario: 9,00-19,00; domenica: 13,30-19,30; chiuso il lunedì
Telefono: 0865 900742
Fax: 0865 900742
E-mail: sba-mol@beniculturali.it

Dictators di Michele Boccamazzo

2012-01-23T01:44:00.000-08:00

Fino al 4 febbraio la galleria Articks di Amsterdam presenta i lavori dell'artista isernino Michele Boccamazzo dalla serie Dictators. La mostra, dal titolo Dictators - Golpe guys, spoilt boys and revolutionaries, riflette sulle dinamiche dell'immagine e sul ruolo dell'icona nella civiltà contemporanea e, attraverso la riproducibilità dei ritratti e l'alterazione cromatica dei volti, tende a trasfigurare le figure controverse dei dittatori per presentarli come mute figure del quotidiano perse nell'assurdità del mondo.

"L’artista isernino Michele Boccamazzo espone in Olanda con la mostra intitolata ‘I dittatori’. Nelle suo opere vengono immortalati, come se si trattasse di un quadro del passato, dittatori emergenti, di lungo corso e altri che, di recente, hanno passato la mano. Tra loro ci sono quello libico, quello della Corea del Nord, quello dello Yemen, quello dello Zimbawe, e altri ventidue, per un totale di ventisei dipinti. I quadri sono stati realizzati con una serie di tecniche miste penna-inchiostro e acquerello. Boccamazzo esplora il fascino della dittatura che viene fuori dal culto della personalità, dalla mitologia e dal rispetto da parte dei paesi democratici. Alcuni di questi dittatori sono appena nati, alcuni credono nella loro visione di un mondo migliore, altri sono solo degli arrampicatori sociali e altri sperano di crearsi una carriera politica che possa apparire ‘intelligente’. Nei dipinti di Boccamazzo le facce dei dittatori appaiono ‘normali’. Normali come il ragazzo della porta accanto o il dipendente dell’ufficio postale che incontriamo ogni giorno. È possibile visitare la mostra presso la galleria ‘Articks Gallery’, in via Singel 88, ad Amsterdam dal 22 gennaio al 4 febbraio dalle ore 17 alle 21. Michele Boccamazzo, 28enne di Isernia, ha studiato arte presso l’Università di Firenze e ha conseguito un master in produzione video presso l’Università Cattolica di Milano. Ha lavorato come direttore creativo di pubblicità e agenzie di media in Olanda". (Isernianews)

iGALLERY

2012-01-04T10:00:00.000-08:00

Artisti partecipanti: Nino BARONE, Michele BOCCAMAZZO, Alberto BURGO, Fabio CANOSA, Angela CAPOSIENA, Gianmaria DE LISIO, Lucia DI MICELI, Vincenzo MEROLA, Antonio PALLOTTA, Luca POP

Luogo: Officina Solare Gallery Via Marconi, 2 Termoli (CB)

Data: 7/25 Gennaio 2012

Apertura: tutti i giorni compreso i festivi dalle ore 18:30 alle ore 20:00

A cura di: Tommaso Evangelista

Inaugurazione: sabato 7 gennaio 2011, ore 19:00

Info: 329.4217383

Collettiva d’arte partecipativa che si pone come linea guida quella dell’interazione del fruitore con le opere presentate. Partendo dall’idea, archetipica, del toccare (touch) ormai comune a molti strumenti tecnologici comunicativi si è cercato, evitando il virtuale, di proporre dei lavori “aperti” da completare con il coinvolgimento del pubblico inteso come una sorta di artista capace, con la sua azione, di dar nuova vitalità alle opere. Una mostra dove è vietato non toccare poiché il senso è in divenire. Gli artisti invitati hanno realizzato opere ed installazioni appositamente per l’evento che si pone come innovativa esperienza estetica e percettiva.

http://www.officinasolaregallery.com/?p=815

Intervista mostra Berlino

2012-01-04T09:53:00.000-08:00

Intervista fattami dalla giornalista Sandra Fiore inerente la trasferta berlinese della mostra sui 150 anni realizzata a Rocchetta, e uscita su La Voce del Molise sabato 31 dicembre.

1) Da Rocchetta al Volturno a Berlino, com'è andata innanzitutto?

E’ stata un’esperienza significativa ed intensa. Il Palazzo Italia, dove era ospitata la mostra, è un bellissimo spazio nel cuore di Berlino, a pochi passi dalla porta di Brandeburgo, e per l’occasione dell’evento Cibo e…dintorni, evento nel quale era compresa anche l’esposizione, ha richiamato moltissimi visitatori catturati dal made in Italy. Con me c’era il sindaco di Rocchetta, Antonio Izzi, al quale va dato il merito di aver creduto fino dall’inizio nel progetto, e Michele Peri, artista nonché ideatore della rassegna. Vedere in una così importante realtà anche un “pezzo” di Molise è stata una grande soddisfazione e lo stesso sindaco ha sottolineato l’importanza dell’evento, una vera e propria vetrina internazionale, per una piccola realtà come il comune di Rocchetta; a sottolineare come le idee anche se nascono in realtà periferiche possono avere poi la forza per imporsi.

2) Che emozione lascia sulla pelle ad un giovane critico d'arte come te curare una mostre oltre i confini nazionali e che cosa porterai sempre nel tuo bagaglio professionale?

E’ sempre una sfida confrontarsi con realtà nuove. Da questo punto di vista l’ambiente di Palazzo Italia è stato molto stimolante in quanto ospitava anche altre due interessanti esposizioni, una riguardante il design del cibo e un’altra le trasformazioni del paesaggio italiano. E’ la prova che i progetti giusti prima o poi trovano i loro spazi. Riporto a casa, forse, una maggior consapevolezza dell’importanza dell’umiltà in questo mestiere. Dopo aver visitato a Berlino quel capolavoro che è l’altare di Pergamo ti accorgi di quanto l’arte possa essere fondamentale per la crescita morale di un popolo e quindi della responsabilità del critico nella società contemporanea.

3)Come queste 150 opere hanno raccontato l'Unità d'Italia ai visitatori tedeschi?

Sin dall’inizio ho pensato che queste opere potessero offrire al fruitore una visione diversa sullo stato della Nazione. Il tema del tricolore, infatti, è stato preso molto alla larga e tanti artisti si sono focalizzati maggiormente sulla condizione (sociale, politica, culturale) dell’Italia. In questo senso diversi lavori, realizzati verso il mese di aprile, sono stati profetici sull’attuale situazione di crisi (economica e morale). Questa è del resto la particolare natura dell’Arte che, attraverso la sensibilità degli artisti, è capace di offrire una lettura diversa del mondo in cui viviamo, anticipandone anche i fenomeni.

4)La Germania ha accolto moltissimi emigranti italiani: quanti di loro hanno visitato l'esposizione che sensazione hanno esternato nel vedere la storia della loro unità cristallizzata in diverse forme artistiche?

La mostra, e l’intera manifestazione, ha attratto moltissimi visitatori tedeschi ma anche italiani. Sono convinto che molti di loro si siano rivisti nei messaggi contenuti nelle opere proprio per il fatto che l’esposizione, sin dall’inizio, non è voluta essere un evento retorico e celebrativo bensì ha tentato la strada della critica offrendo una visione “problematica” dell’idea di Italia.

5) Volendo mettere a confronto le due esperienze- quella nella nostra regione e quella in trasferta- che differenza c'è nell'approccio con l'arte? E che ruolo ha in entrambe le culture?

L’arte che si realizza in regione è un’arte di “confine” essendo il Molise completamente fuori dai circuiti nazionali ed internazionali per diversi motivi: assenza di gallerie e di musei (o fondazioni) permanenti, scarsità di investimenti, mancanza di strutture adeguate e scarsa ricezione turistica. Ogni evento artistico, che ha la pretesa di essere anche progetto culturale, deve scontrarsi con mille difficoltà e pertanto si ha sempre la sensazione di ricominciare ogni volta da zero. Nell’assenza di certezze la perenne percezione di precarietà non favorisce di certo il lavoro anche quando le idee sono buone. Basta spostarsi un poco fuori dai confini regionali e la situazione cambia. Questa mostra, per esempio, è arrivata a Berlino grazie alla mediazione della Tamarin Art Gallery di Caserta la quale ha creduto molto nel progetto. La prossima tappa della mostra sarà proprio in questa galleria. A Berlino, per quel poco che ho potuto notare, c’è più consapevolezza del valore dell’arte percepita come elemento normale in un contesto urbano. Le opere arricchiscono veramente la quotidianità e il fruitore, pertanto, è molto più predisposto ad accogliere e comprendere il dato artistico. Ma questa diversa mentalità ha le proprie radici nella cultura: mentre l’Italia è sempre stata legata, giustamente, al concetto di tutela dell’opera, in Germania si è sempre cercato di problematizzare l’approccio estetico.

6) L'arte in Molise fatica a ritagliarsi i giusti spazi e la giusta attenzione. Su cosa si dovrebbe puntare per rompere questa "superficialità"?

Parlavo prima della difficoltà in regione ma c’è anche da aggiungere che proprio tale isolamento permette un agire svincolato da logiche “mercantili” e quindi autentiche sperimentazioni curatoriali. Gli esempi sono molti: dal museo all’aperto di Casacalenda ai programmi di Limiti Inchiusi, dalle mostre dell’Officina Solare alle tante esperienze di collettive che nascono e arricchiscono i paesi, esperienze che spesso si traducono anche in collezioni permanenti e piccoli musei. Quello che manca è il coordinamento tra i vari operatori culturali che dovrebbero far sentire il loro peso sulla politica, sempre pronta a riempirsi la bocca con la parola “cultura” ma poi inadeguata nel proporre programmi culturali di un certo respiro. Si dovrebbe puntare sui giovani (critici ed artisti) e lavorare affinché si realizzi una galleria regionale d’arte moderna e contemporanea, un luogo stabile dove esporre finalmente il nostro ricchissimo patrimonio e coinvolgere, attraverso la didattica, ragazzi e scolaresche. Si parla da troppo tempo dell’ex GIL a Campobasso come sede adatta, sono maturi ormai i tempi per lavorarci e per investire in cultura. Giustamente l’amico Paolo Giordano mi scriveva “sono scarsi mecenatismo e lungimiranza nella classe politica, che non comprende la risorsa rappresentata dalla Conoscenza….O peggio teme che un popolo “evoluto”, ed educato al Bello, possa pretendere una migliore gestione della cosa pubblica”.

Papiroflexia - interviste agli artisti

2011-12-24T01:24:00.000-08:00

Gli artisti parlano delle opere che hanno deciso di esporre alla mostra "Papiroflexia" che si sta svolgendo

all'ARATRO.

Rete Atelier Molise

2011-12-22T09:26:00.000-08:00

RETE ATELIER MOLISE

21 – 22 – 23
DICEMBRE 2011

21 COLLETORTO: SACRED
Chiesa del Purgatorio (Corso Vittorio Emanuele)
ore 19.00
Programmi e prospettive dell’arte in Molise (conferenza stampa)

22 BONEFRO: MADE IN MOLISE
Palazzo Maucieri Museum (Via Roma)

23 SANTA CROCE DI MAGLIANO: INVERNO
SACROCAM (ex Municipio)

..

a cura di Luigi Mastrangelo

Apre in Molise la prima rete di musei d’arte contemporanea presente in Italia.

Mercoledì 21 dicembre alle ore 19:00 a Colletorto (CB), in una conferenza stampa con alcuni dei principali rappresentanti istituzionali locali e regionali, verrà presentata Rete Atelier Molise.

L’idea è quella di creare tanti piccoli musei d’arte interconnessi e coordinati tra loro. Un’idea capace di adattarsi ad un territorio frammentato come il Molise e in grado di creare prodotti espositivi di grande qualità. “Da diversi anni, stiamo lavorando ad un’idea molto innovativa, che ha ricevuto consensi a livello nazionale. Prendendo spunto dalla rete – afferma il responsabile del progetto Luigi Mastrangelo: Vogliamo creare tanti piccoli centri espositivi a carattere monografico, capaci di incidere positivamente sul territorio, diffondendo la cultura dell’arte visiva contemporanea con un occhio di riguardo alle caratteristiche dei luoghi, alla loro cultura e via dicendo..”

Oltre che creare dei centri in grado di utilizzare proficuamente strutture pubbliche di difficile collocazione, creando delle collezioni d’arte in grado di dialogare con le dinamiche del territorio in maniera proficua.

Durante il periodo natalizio verrà inaugurato il primo abbozzo della rete: le prime 3 strutture espositive che ci si augura diverranno volano di una più capillare rete di musei in grado di far veicolare l’arte contemporanea.

La Rete ha in sé la caratteristica di essere inclusiva e trasversale, e questo messaggio di fondo sembra coinvolgere tutti: gli organi istituzionali a tutti i livelli e le persone“ .

Il 21 dicembre, a Colletorto verrà presentato il nuovo centro Co.Co.Co (colletorto contemporary collection), che si unisce ai già inaugurati centri Sacrocam di Santa Croce di Magliano e Pm2 di Bonefro.

“Ho incontrato grande sensibilità da parte delle istituzioni – continua Mastrangelo – la nostra visione di creare un museo funzionale, economico, vicino alle persone, ma anche innovativo nella formula e di alta qualità, ha incontrato il consenso di tante persone, ma anche degli organi istituzionali come la Provincia, la Fondazione Molise Cultura, le amministrazioni comunali“.

Nella nuova sede di Colletorto vi sarà la collezione permanente legata al sacro “è stato chiesto ad artisti contemporanei di interpretare il senso della spiritualità – afferma Mastrangelo – questo perché la sede espositiva è una vecchia chiesa sconsacrata di grande bellezza e grande fascino (la chiesa del Purgatorio). Vedere come l’arte d’oggi interpreti i temi della religione è veramente interessante. Si passa dal sublime al provocatorio. L’energia e la capacità di Michelina Spina, ci hanno permesso di creare un allestimento molto innovativo, che sospende le opere, e che permettono una fruizione dei quadri inedita”.

Il 22 dicembre la Rete Atelier Molise, con il supporto dell’assessore alla cultura Claudia Lalli, apre il PM2 di Bonefro, sede già inaugurata l’estate scorsa, insieme alla mostra permanente Cover, vi sarà una ricognizione della produzione dei più promettentiartisti molisani.

Il 23 a Santa Croce di Magliano: Collezione permanente del SacroCam Museum (Santa Croce Contemporary art Museum). Un tuffo nella cultura tradizionale e nella nostalgia del passato attraverso il tributo a Pietro Mastrangelo. Una raccolta di opere legate all’Inverno come veniva vissuto attraverso gli scenari, le tradizioni di una volta. Un modo per ripercorrere la storia del territorio attraverso gli occhi poetici di un grande artista santacrocese, che è stato in grado di interpretare la bellezza della cultura contadina. Alle 21;00 ad accompagnare l’evento di apertura della mostra ci sarà l’interpretazione di poesie tradizionali da parte della compagnia di teatro tradizionale Sceme Sembe Nuije.

informazioni utili:

www.santacroceonline.com/2010/news/mar/1_15/sacrocam/index.htm

http://www.exibart.com/notizia.asp?IDNotizia=24447&IDCategoria=204

Fonte: Movoloco

Interviste

2011-12-20T06:08:00.000-08:00

Tre interessanti interviste su Movoloco a tre artisti molisani che recentemente hanno partecipato alla collettiva Autumn Contamination.

Intervista a Giacinto Occhionero

“Esistono solo tre esseri rispettabili:
il prete, il guerriero, il poeta.
Sapere, uccidere e creare”
(Baudelaire)

Intervista a Michele Mariano

"Quella condizione dell’eroe la cui tragedia
non dipende da un’azione compiuta
ma da un’azione da compiere”

Intervista a Barbara Esposito

"Tu vivi di superfici. Quando sembri profondo è perché ne incastri molte, e combini l’apparenza di un solido – un solido che se fosse solido non potrebbe stare in piedi (…) – quello che gli altri chiamano profondità è solo un tesseract, un cubo tetradimensionale. Entri da un lato esci dall’altro, e ti trovi in un universo che non può coesitere col tuo”

(Umberto Eco, Il pendolo di Foucault)

Luca Pop - Le cose fatte bene son poche - The making of

2011-12-19T07:39:00.000-08:00

Le cose fatte bene son poche - The making of from Luca Pontarelli on Vimeo.

http://www.lucapontarelli.com/

150 artisti a Berlino

2011-12-19T02:58:00.000-08:00

Si chiude oggi a Palazzo Italia a Berlino la rassegna Cibo e…dintorni, una manifestazione che parte dal cibo ma va oltre volendo presentare al meglio le eccellenze e le “novità” del Made in Italy. Grazie all’interessamento del Gruppo Tamarin (che per l’occasione ha ristampato anche il catalogo), in collaborazione con Fiera Milano e Confimprese e col patrocinio del comune diRocchetta a Volturno, è stata presentata nella capitale tedesca anche l’esposizione internazionale collettiva “150 Artisti per l’Unità d’Italia”.

Si tratta di una mostra caleidoscopica sul tema dell’unità nazionale che festeggia nel 2011 il suo 150esimo anniversario. Nata da un’idea di Michele Peri la collezione è di proprietà del comune di Rocchetta ed è arrivata in Germania, presso al prestigiosa sede di Palazzo Italia, proprio a ridosso delle festività natalizie e in un’occasione di indubbio prestigio. Le opere sono lavori grafici, spesso astratti, raccolti intorno al comune denominatore dei tre colori della bandiera italiana. Un viaggio nella memoria passata e nelle speranze future per riflettere sul rapporto tra l’uomo e la terra in questo ultimo secolo e mezzo di grandi trasformazioni.

All’inaugurazione era presenti il sindaco di Rocchetta, Antonio Izzi, l’artista e ideatore della mostra, Michele Peri, e il curatore Tommaso Evangelista. Latrasferta berlinese è stata un’occasione di proficui scambi culturali e un momento significativo per una piccola realtà come il comune di Rocchetta a Volturno che, credendo fortemente in un’idea all’inizio quasi utopica, è riuscito a realizzare un evento di indubbio spessore culturale coinvolgendo ben 150 artisti (7 per ogni regione e 10 stranieri) in un lavoro di rielaborazione cromatica sul tricolore e, per traslato, di riflessione sullo stato attuale della società italiana.

“L’Unità d’Italia come punto di partenza per una più completa unità globale. E’ stata questa idea, alla base della Mostra voluta dal comune di Rocchetta a Volturno, ad attrarre la nostra attenzione come galleristi. Pertanto- dichiaraValentina Tortora, responsabile di Tamarin Arte Gallery- abbiamo inteso condividere il messaggio e promuovere l’iniziativa artistica presentando le 150 opere in due momenti strettamente legati: la vetrina internazionale di “Palazzo Italia”a Berlino e la successiva esposizione presso la nostra Tamarin Arte Gallery”.

La mostra infatti, dopo la trasferta berlinese, tornerà in Italia per essere esposta dal 12 gennaio prossimo presso la sede di Tamarin Arte Gallery dove resterà aperta al pubblico (orari 9-13 e 14-19) fino al 27. Tornando all’evento tutto è cominciato l’11 dicembre quando la delegazione arrivata da Rocchetta si è recata presso la sede di Palazzo Italia per allestire la mostra. Il palazzo, nel cuore della storica città tedesca lungo il corso principale, a metà strada tra la porta di Brandeburgo e Alexanderplatz, è articolato in una serie di spazi multifunzionali di grande fascino e raffinatezza e l’esposizione ha trovato così posto in un luminoso spazio vetrato al piano terra, vicino l’ingresso, insieme ad un’altra interessante esposizione riguardante il design del cibo.

Le opere sono così state collocate su appositi pannelli ed allestite guardando più all’effetto di insieme, in un breve ma intenso percorso visivo che chiedeva allo spettatore lunghi tempi di lettura per decifrare i significati di ogni singolo lavoro. L’evento è stato inaugurato invece il pomeriggio del 12 da un’interessante convegno sui cosiddetti "foodies", consumatori consapevoli che amano mangiare bene ma anche comprare prodotti belli e non necessariamente lussuosi (design, (neo)-artigianato e artigianato artistico), “consumare cultura” (patrimonio culturale, musica e teatro, arte contemporanea, ….) e viaggiare in maniera consapevole. In seguito ci sono stati i saluti del direttore di Palazzo Italia e del console italiano a Berlino i quali hanno sottolineato l’importanza dell’evento che ha portato in terra tedesca il meglio delle eccellenze italiane.

Tantissimi i visitatori italiani e tedeschi che hanno apprezzato i prodotti degli stand allestiti al piano superiore e hanno ammirato le opere esposte, incuriositi da tante prove d’autore sul concetto di nazione italiana: la mostra, infatti, è tra le più complete realizzate in Italia sul tema dell’arte contemporanea in relazione alla ricorrenza dell’Unità. Soddisfazione anche da parte del sindaco Antonio Izzi nel sottolineare l’unicità dell’evento che ha visto presente, in una realtà tanto prestigiosa, anche il piccolo comune molisano forte per aver sviluppato un’idea che è soprattutto idea di cultura e patrimonio di conoscenze. Non quindi una mera raccolta di emblemi visivi ma la realizzazione di un palinsesto che, pur nell’unità dei colori e delle dimensioni delle singole opere (tutte di formato uguale), è stata capace di presentare un racconto articolato per descrivere la storia, il significato e soprattutto i mali e le distorsioni di un simbolo antico come la bandiera (e per traslato della nazione).

La mostra che ha riscosso già tanto successo, dopo essere passata per il MAT di Sansevero e Palazzo Italia di Berlino, continua il suo “tour” in altri prestigiosi spazi. Abbiamo accennato all’inaugurazione presso la Tamarin Arte Gallery di Caserta ma si prevedono anche altre trasferte in giro per l’Italia. La soddisfazione è nel constatare come da una semplice idea si sia riusciti a realizzare un evento di spessore culturale ed artistico che ha coinvolto tutte le regioni Italiane ed ha prodotto una galleria permanente, un piccolo museo di grande qualità. Ed essere rappresentati all’estero attraverso la cultura non può che essere un significativo risultato.

Tommaso Evangelista su L'Infiltrato

Foto del vernissage a Rocchetta a Volturno

Carte contemporanee

2011-12-18T10:25:00.000-08:00

La mostra “Carte contemporanee. Esperienze del disegno italiano dal 1943 agli anni Novanta”, è dedicata ed in omaggio allo scultore Ugo Marano scomparso di recente. Curata da Massimo Bignardi è allestita presso il FRAC (fondo regionale d'arte contemporanea) di Baronissi. Nella rassegna, interessante dal punto di vista storico critico, anche i lavori di due artisti molisani: Michele Peri e Ermelindo Faralli e un artista storico, Antonio Venditti. Da questo link è possibile scaricare il comunicato stampa.

La mostra, allestita nei due livelli del complesso museale, è suddivisa in quattro sezioni così ordinate:

La linea della figura: dagli ultimi ‘inchiostri’ di Novecento al realismo, alla Nuova figurazione: Antonio Donghi, Enrico Paulucci,Orfeo Tamburi, Alberto Ziveri, Mario Carotenuto, Giuseppe Zigaina, Guido Gambone, Titina Maselli, Sergio Vacchi, Tono Zancanaro, Concetto Pozzati, Emilio Tadini, Giosetta Fioroni, Luigi Guerricchio, Errico Ruotolo, Virginio Quarta.

Segni della scultura: Antonio Venditti, Giuseppe Spagnulo, Carlo Lorenzetti, Giuseppe Uncini, Mauro Staccioli, Gerardo Di Fiore, Ugo Marano, Mimmo Paladino, Luigi Mainolfi, Nicola Salvatore, Nunzio, Iavolella, Enzo Navarra, Angelo Casciello, Luigi Vollaro, Michele Peri, Ermelindo Faralli, Eduard Habicher, Franco Fienga.

Tra l’inquietudine informale, il rigore astratto e le nuove poetiche degli anni Settanta: Lucio Fontana, Renato Barisani, Sergio Dangelo, Mario Colucci, Mario Persico, Emilio Scanavino, Oscar Staccioli, Pirro Cuniberti, Atanasio Soldati, Mario Radice, Carla Accardi, Mauro Reggiani, Elio Marchigiani, Giorgio Griffa, Rodolfo Aricò, Carmine Piro, Pietro Lista, Antonio Davide, Giuseppe Rescigno.

Dagli anni Ottanta verso la fin de siècle: Nicola De Maria, Sandro Chia, Giorgio Cattani, Sergio Vecchio, Angelomichele Risi, Bruno Ceccobelli, Cesare Berlingeri, Sergio Ragalzi, Arturo Pagano, Omar Galliani, Stefano Di Stasio, Arcangelo, Enzo Esposito, Franco Marrocco, Teo De Palma, Nino Tricarico, Carlo Catuogno, Luigi Pagano, Ruggero Maggi, Marco Pellizzola, Giovanni Tesauro.

Peri e Faralli

Peri di fronte alla sua opera

E rimanendo nell'ambito del disegno presso l'ARATRO, a Campobasso, si sta svolgendo la mostra PAPIROFLEXIA a cura di Lorenzo Canova e del Corso di organizzazione di eventi culturali e artistici. Il progetto è dedicato al rapporto di alcuni giovani artisti italiani e internazionali con la carta intesa sia come supporto che come strumento espressivo. La volontà è quella di presentare la molteplicità dei linguaggi, sempre più complessi e differenziati, utilizzati dagli artisti delle giovani generazioni attraverso la carta, strumento che da secoli è basilare per la fase ideativa, progettuale ed esecutiva delle opere d’arte e che ancora oggi mantiene intatta la sua centralità. La scelta della carta vuole avere una valenza metaforica per il suo fondamentale ruolo storico di medium di diffusione culturale, particolarmente importante per l’ambito universitario della mostra e, simbolicamente, anche per il limitato budget di cui necessita, particolarmente significativo nell’attuale contesto generale di crisi economica e di tagli alla cultura e alla ricerca. Il progetto comprende molte delle principali tendenze che contraddistinguono l’arte presente: dal neoconcettualismo , alla figurazione, al Pop Surrealismo e alla nuova astrazione. L’ARATRO, per seguire due tra le fondamentali linee guida dell’Università del Molise, quella della valorizzazione delle ricerche espresse dal suo territorio regionale di appartenenza e quella dell’internazionalizzazione, ha scelto dunque di raccogliere nella mostra anche due artiste di origine molisana, un’artista statunitense e un artista spagnolo che emblematicamente vuole rappresentare la stretta collaborazione con le università internazionali dell’Ateneo. In quest’ottica, Papiroflexia, il titolo stesso dell’esposizione, parola spagnola che significa origami, nasce dal dialogo con gli studenti Erasmus spagnoli presenti nel Corso.

Gli artisti invitati sono:

Erica Calardo (Genova 1980, vive a Bologna); Gianluca Capozzi (Avellino 1973, vive ad Avellino); Barbara Esposito (Isernia 1979, vive a Roma); Andrea Martinucci (Roma 1991, vive a Roma); Gonzalo Orquìn (Siviglia 1982, vive a Roma); Lisa Wade (Washington DC 1972, vive tra Roma e Berlino)

L’inaugurazione della mostra sarà preceduta da un workshop con gli studenti che hanno curato il progetto, gli artisti invitati e alcuni esponenti del mondo dell’arte contemporanea attivi anche in Molise.

Dal 13 dicembre 2011 al 13 gennaio 2012

Kessler vs Pace

2011-11-30T06:34:00.001-08:00

Due foto, le opere di Susanne Kessler da una parte e le tele di Achille Pace dall'altra, tratte dalla mostra Autumn Contamination. Altre foto, con tutte le opere in rassegna, sono visionabili da questo link.

Scatti da Autumn Contamination

2011-11-29T01:32:00.001-08:00

Solo alcuni scatti, brevi impressioni di questi primi giorni del festival di arte contemporanea che si sta svolgendo presso l'AxA della Palladino Company a Campobasso. Festival che sta riscontrando un ottimo successo di pubblico e di critica e che ogni giorno si arricchisce di nuovi eventi (scarica il programma). Per chi non lo avesse ancora fatto consiglio vivamente una visita. Gli scatti sono della fotografa Miriam Di Domenico, mentre tutti gli album si possono vedere sul profilo FB dell'evento.

Achille Pace tra i suoi quadri

Tavola Rotonda con, da sinistra il critico Antonio Picariello, il sovrintendente Daniele Ferrara, il professore Lorenzo Canova, Sandro Arco e il maestro Achille Pace

Michele Mariano

Barbara Esposito

Helena Manzan

Achille Pace

AcquaForte Blues - Stefano Mancini

2011-11-29T01:23:00.001-08:00

Io li odio i nazisti dell’Illinois (cit.)

“Spesso, di notte, mi capita di restare a lungo affacciato alla finestra ad osservare il ponte ferroviario che collega la mia città al resto del mondo e che appare, nel buio, come una lunga linea luminosa sospesa sull’acqua. Tra quelle luci, vicino ad una curava che fa sparire inesorabilmente l’ultimo vagone dei treni che se ne vanno verso la terraferma, posso affermare con sicurezza di aver intravisto, almeno un paio di volte, aggirarsi lo spirito del Blues…”. Suggestiva questa frase di Paolo Ganz, uno dei primi maestri di armonica blues in Italia, per il tentativo di materializzare, attraverso immagini e sensazioni, il soffio vitale di un genere musicale che è molto più di un semplice modo di suonare. Volendo realizzare quindi una sinestesia che colori avrebbe il Blues? Di certo ha il blu poiché il nome deriva dall’espressione “to have the blue devils”, letteralmente: avere i diavoli blu, col significato di “essere triste” (per questo motivo, nella lingua inglese il colore blu viene comunemente associato alla tristezza e all’infelicità); le blue note, le dissonanze, inoltre sono stilemi inconfondibili. Probabilmente ha colori contrastanti e in disaccordo per quelle stonature tipiche, deviazioni dalla scala diatonica occidentale, che caratterizzano la struttura musicale. Sicuramente ha il nero per le sue radici, visto che è nato dai canti delle comunità di schiavi afroamericani nelle piantagioni di cotone negli stati meridionali degli U.S.A. Stefano Mancini tra tutti i colori ha scelto il nero spingendosi oltre la classica ritrattistica di musicisti blues. Il nero di Mancini, infatti, non è ottenuto per addizione, col classico pennello su tela, ma per sottrazione avendo trovato come mezzo espressivo l’acquaforte. Tra le pratiche calcografiche l’acquaforte è tra le più difficili ma anche tra le più suggestive. L’immagine emerge infatti dallo scavo dell’acido sulla lastra preparata, dove sono stati segnati i solchi da far incidere alla morsura. E’ uno scavo in profondità nella materia, quasi un processo alchemico, che ha come risultato, una volta stampato il rame, delle gradazioni di nero più o meno intense a seconda del tempo di azione dei liquidi. I neri che emergono, quindi, sono maggiormente carichi a seconda del lavoro dell’incisore il quale, materialmente, è come se componesse una melodia nel dosare gli acidi e scegliere i tempi; e naturalmente la lastra può avere più stadi e l’immagine sommare più morsure quasi fosse uno spartito con le note che si aggiungono pian piano. Giocare sul bianco e nero è un processo difficile che Mancini domina con grandissima maestria tecnica; e proprio grazie a questa abilità riesce a rendere espressivi i fogli per la grande varietà di effetti (materici, cromatici, pittorici) che riesce a conferire alle immagini. Un’acquaforte intensa, fatta di ombre violente e potenti accordi luminosi e che deve molto alla lezione di Rembrandt e Piranesi. Le opere raffigurano musicisti che hanno fatto la storia del blues; i loro volti emergono dall’oscurità di alcune sezioni e sono scavati come i solchi della lastra che li accoglie; affiorano da un palinsesto materico carico di segni densi e scuri con luminosità inattese ma studiate. Colti nell’atto di cantare o suonare o semplicemente vivere nel tormento creativo della musica, raccontano con le loro espressioni e i loro gesti una miriade di episodi o semplicemente un’unica grande storia segnata da melodie che scorrono così dense sotto pelle da lasciare sintomi visibili. Questi segni e l’intera atmosfera carica di pensierosa tristezza o malinconica gioia è resa magistralmente dall’artista nelle crettature, nella grafia spigolosa, nei giochi di luce e nei contrasti, nei orme minime quasi suonate, nell’assenza di prospettiva dove le immagini (mentali?) si accavallano come su un unico piano. L’intima emozione della musica che si fa disegno quando le righe del pentagramma di sciolgono dalla loro struttura e, vagando libere, formano contorni che le note riempiono di nero.

Tommaso EVANGELISTA

Autumn Contamination #2

2011-11-14T03:15:00.001-08:00

http://www.autumncontamination.blogspot.com/

Michele Greco da Valona a Termoli

2011-11-14T01:18:00.001-08:00

Conclusasi la mostra “Rinascimento danzante. Michele Greco da Valona e gli artisti dell’Adriatico tra Abruzzo e Molise”, nel Castello Piccolomini di Celano, seguirà unworkshop di indagini diagnostiche sulle opere di Michele Greco, aperto al pubblico presso l’Episcopio di Termoli, dal 7 novembre fino al 3 dicembre (ore 9.30-12.30; 17.30-19.30), preliminare al rientro in Guglionesi. Progredisce così il complicato e affascinante ‘puzzle’ di questo intricato contesto storico-artistico e si spalancano nuovi scenari di ricerca, soprattutto per quanto concerne la produzione pittorica in Albania (o meglio, in Epiro) all’inizio del Cinquecento.

Attraverso la collaborazione fra le Soprintendenze per i beni storici artistici ed etnoantropologici dell’Abruzzo e del Molise, l’Arcidiocesi di Chieti-Vasto e la Diocesi di Termoli-Larino, i Comuni di Vasto e Guglionesi, si propongono all’attenzione dei visitatori, degli appassionati e degli studiosi i risultati delle

ricerche su una meravigliosa ‘Babele’ figurativa, che, nonostante crisi e conflitti, non venne mai meno, in quanto intrecciata a quella umana esigenza di comunicare, trattare, produrre benefici reciproci. È il primo passo di una ricerca che si concretizzerà in futuri appuntamenti di studio e di divulgazione, che vedranno

cooperare fra loro studiosi e tecnici di diverse nazionalità.

Promossa dalla Diocesi di Termoli-Larino e dal MiBAC Molise, l’esposizione d’arte presenta 4 opere del patrimonio artistico della Collegiata Santa Maria Maggiore di Guglionesi, tre delle quali firmate da Michele Greco da Valona e datate al 1505.

(da un Comunicato del Ministero dei Beni Culturali)

Di seguito gli appuntamenti per approfondire lo studio delle opere di Michele Greco da Valona, la cui partecipazione è aperta a tutti, con ingresso gratuito:

Sabato 12 novembre, ore 11:00 "Michele Greco, fronte e retro: tecnica pittorica e costruttiva dei trittici di Guglionesi" a cura di Francesca Di Giandomenico, restauratrice.

Su Rai 3 ,domenica 13 novembre, ore 10:50, nella trasmissione televisiva "EstOvest" andrà in onda un servizio dedicato alla inaugurazione della mostra Rinascimento Adriatico, e molto risalto verrà dato alle opere di Michele Greco da Valona.

Venerdì 18 novembre alle 10:00 "Sotto il colore di Michele Greco: indagini in corso - prima parte"a cura di Michelangelo Carozza e Liana Pasquale, Diagnosticart, con la collaborazione di Mario Ziccardi.

Giovedì 23 novembre alle 16:30 "Michele e i pittori albanesi al di qua e al di là del mare" con Luciana Arbace, Soprintendente Bsae Abruzzo, Daniele Ferrara, Soprintendente Bsae Molise e Ilir Shaholli, storico e restauratore, Roma-Korca.

Venerdì 25 novembre alle 10:00 con "Sotto il colore di Michele Greco: indagini in corso - seconda parte" a cura di Michelangelo Carozza e Liana Pasquale, Diagnosticart, con la collaborazione di Mario Ziccardi.

Venerdì 2 dicembre alle 10:00 con "Sotto il colore di Michele Greco: indagini in corso - Terza parte" a cura di Michelangelo Carozza e Liana Pasquale, Diagnosticart, sempre con la collaborazione di Mario Ziccardi.

Autumn Contamination ... arte e contaminazioni a Campobasso

2011-10-31T03:17:00.000-07:00

Dal 24 novembre al 4 dicembre l’AxA, l’open space della Palladino Company, ospiterà la rassegna Autumn Contamination, ideata e organizzata da Luca Basilico. Il progetto, innovativo e al tempo stesso quasi utopico per la realtà campobassana, attraverso la strada della contaminazione cerca di offrire ai visitatori una serie di proposte artistiche che spaziano dall’arte alla musica, dalla moda al cinema, dalla fotografia alle arti sceniche. In quanto piattaforma aperta all’interazione e alla sperimentazione l’evento si strutturerà su più livelli in modo da parlare contemporaneamente alle istituzioni, agli addetti ai lavori e al semplice pubblico chiamato a vivere la manifestazione che, ogni giorno, offrirà spunti diversi. Non solo quindi la semplice esposizione ma anche performance, rassegne di videoarte, dibattiti e incontri, workshop, presentazione di idee e proposte dove l’arte, in senso più esteso, è intesa come realtà liquida che pervade la società contemporanea e che, appunto perché sfuggente e spesse volte non classificabile, è da rinvenire in tutta una serie di fenomeni “di massa” e non. Il secondo principio della termodinamica recita che non si crea dal nulla; assodato questo tutto sta allora nel saper manipolare il materiale offertoci dalla natura e dalla nostra condizione presente irrimediabilmente interrelata con una moltitudine di dinamiche “basse” o “alte”, ovvero saper contaminare. La parola contaminazione è diventata oggi simbolo di creatività, di nuove modalità di produzione di esperienze e il suo inserimento nel titolo della rassegna deriva appunto dal fatto che le differenti espressioni artistiche, muovendosi attraverso vari tipi di media, contribuiscono ad ogni passaggio con nuove e inconsuete informazioni all’esperienza dell’utente. Negli anni Novanta il panorama dell’arte cambia radicalmente in relazione con il mutato clima culturale, sociale, politico. Il rinnovato interesse per le microstorie, per il quotidiano, per ciò che è immediatamente vicino, la riscoperta della dimensione intima e la necessità di tenerne conto parlando del sociale, sono alcuni degli atteggiamenti che, in questi anni, riemergono diffusamente. La pratica artistica contemporanea pertanto è sempre più segnata dal desiderio di lavorare sulla realtà, con strumenti considerati tradizionalmente secondari come fotografia, video e performance. Poiché raccontare l’immaginario e la realtà quotidiana comporta un costante rapportarsi col mondo nella sua interezza, la tendenza a sommare e decostruire è sempre più forte grazie anche alle inedite possibilità offerte dalla tecnologia che, rilanciando l’interazione creativa tra le diverse arti cercata da molte utopie estetiche moderne (dalle performance intermediali alle varie declinazioni dell’arte elettronica), permettono un allargamento della visione con relativo emergere del dettaglio e del particolare decontestualizzato e alterato. Contaminare, dall’accezione negativa, è diventato oggi un termine cardine per decifrare l’arte e l’idea di una “contaminazione estetica”, incentrata sui concetti di pluralità e relazione, può fornire alcune direzioni di senso ad un evento, Autumn Contamination, che si pone quale “avvenimento” di rottura e di confine. Un evento che cerca di superare la rigida dicotomizzazione tra “noi” e gli “altri”, ovvero tra gli addetti, tra virgolette, del settore e il resto della collettività che percepisce l’arte in maniera distratta o se ne sente così distante da evitare qualsiasi confronto. Come scrive infatti lo stesso Luca Basilico, organizzatore della rassegna, “Autumn Contamination è sinonimo di Cultura Contaminata… Esso si propone come un nuovo modo di concepire l’offerta non più radicata a preconcetti schematici con i quali si arriva a categorizzare e delle volte separare drasticamente le discipline, ma al contrario, vuole fare un’operazione che porta ad una totale contaminazione, abbassando tutte le barriere e lasciando che la creatività, la ricerca e la sperimentazione facciano da linee guida per la realizzazione di tale prodotto. Non è solo un’esposizione di opere artistiche ma è anche un momento di crescita, di svago e di socializzazione, grazie alle sue numerose attività collaterali.

Data la molteplicità degli eventi, andando nel dettaglio, cercherò di elencare le proposte più interessanti. Riguardo alla mostra vera e propria nella rassegna troveranno posto le installazioni di Susanne Kessler, artista di livello internazionale che per l’occasione allestirà un lavoro in tema con la condizione “autunnale”, i minimali lavori Andrea Martinucci, i grandi pannelli Giacinto Occhionero, figurativi eppur visionari nel loro sconfinamento nell’onirico, le installazioni di Mariagrazia Colasanto, le ipotesi cromatiche dell’artista americano Joe Bussell, le tele di Luca Pop dall’esuberante grafica desunta dalla street art. Due le performance durante i dieci giorni: due project interattivi di Michele Mariano (Me Myselfi I e Trigger) e l’esibizione di Stefano Cirillo che si cimenterà in un’operazione di live painting con le musiche del duo sound-B color. Il live di Mess too e l’esibizione dell’orchestra Tartini in un Vivaldi project si strutturano come vere e proprie performance audiovisive.

Uno spazio è riservato alla fotografia con Marla Lombardo e gli scatti degli artisti dell’OcchiRossi di Roma, progetto collettivo, declinato anche in festival, che promuove cultura fotografica indipendente.

Tra i fotografi: Baldi e Baciarlini, Gianluca Distante, Federico Cau, Giorgia Pecci, Flavia Culcasi, Daniele Baldi, Alessandra Dinatolo, Miriam Di Domenico. Interessante anche il settore dedicato alla videoarte con un’apposita sezione allestita con i video di Igor Imhoff, Riccardo Arena, Lino Strangis (che per l’occasione proietterà un’opera prima e realizzerà lo spot dell’evento), già direttore del C.A.R.M.A. (centro di arti multimediali di Roma), e altri in via di conferma in quanto selezionati da un’importante festival (Arte Video Roma Festival). Tutti i video durante una serata saranno ricomposti in una vera e propria installazione collettiva che coinvolgerà l’intero spazio espositivo. L’offerta è arricchita dalla presentazione dei progetti Cineama di Roma che per l’occasione in anteprima farà proiettare il film “Una separazione” premiato a Berlino e MoliseCinema con i suoi cortometraggi, ai quali sarà dedicata una serata out door al cinema Alphaville.

Anche la moda non potrà mancare in questo ricco cartellone e una serata sarà dedicata alla presentazione della collezione THESIGN di Luciano Parisi, direttamente dallo IED di Milano.

Altro punto forte della manifestazione sono gli incontri e i workshop, vere e proprie tavole rotonde dove parleranno e si confronteranno gli operatori del settore. Tra le varie tavole rotonde una, sul tema dei nuovi linguaggi dell’arte, metterà di fronte il prof. Lorenzo Canova, docente di arte contemporanea dell’università del Molise, Daniele Ferrara, sovrintendente per i beni Storico-Artistici del Molise, e l’artista molisano Achille Pace.

Molto interessante la serata con l’incontro di diverse realtà molisane che operano nell’arte contemporanea e moderna: la galleria Officina Solare di Termoli, la galleria Limiti Inchiusi di Campobasso, la rassegna Matriceart, la rivista Archeomolise.

La sezione work shop/presenta il progetto mira invece a dar spazio e visibilità a tanti progetti innovativi che si sono realizzati in regione, facendo parlare direttamente gli organizzatori e gli ideatori.

Ecco allora la presentazione al pubblico del riuscito Draw the line, festival di street art messo in piedi dell’Associazione Malatesta, o del mensile free press Zenit Magazine.

Tutto l’evento prodotto da Palladino Company vedrà tra gli sponsor tecnici il pastificio LaMolisana, che si occuperà della gastronomia durante il vernissage, Acqua Sepinia, Caffè Camardo, Centro del Molise, vini Colle Sereno, UniCredit.

Tra gli sponsor istituzionali la provincia di Campobasso e il Comune di Campobasso.

Sponsor tecnico Trenitalia.

Media Partner: Zenit Magazine, Movoloco ed EQUIPèCO.

Il progetto, complesso nel suo insieme ma incredibilmente dinamico, è in realtà un’unica entità organica che mira a crescere e radicarsi sul territorio. La stagione autunnale, spesse volte priva di eventi in quanto mesto periodo di passaggio, si presta a farsi contaminare da questa ricca proposta d’arte e cultura.

GET CONTAMINED!!!

Tommaso Evangelista

p.s. presto il programma definitivo

Sten e Lex e Erikailcane a Draw the line

2011-10-22T06:29:00.000-07:00

Il riuscitissimo Draw the line, street art festival realizzato dall'Associazione Malatesta, ha dato alla città Campobasso un incredibile patrimonio di arte urbana di altissimo livello. I nomi più importanti della street art mondiale hanno infatti realizzato splendidi murales trasformando e riqualificando interi luoghi (come il terminal bus). A conclusione dell'evento, dopo Blu, Roa, Pixel Pancho, ecco i lavori di Erikailcane, che ha operato il restyling del mercato coperto di Campobasso, e di Sten e Lex. I due video in basso mostrano la realizzazione delle loro opere.

STEN LEX, DRAW THE LINE, 2011. from STEN & LEX on Vimeo.

Mercato coperto Campobasso by Ericailcane from Roberto Faccenda on Vimeo.

le Mappe cognitive di Nicola Dusi

2011-10-18T06:29:00.000-07:00

L’artista adotta sulla tela una sua personale tecnica di impressione del colore che comporta una disgregazione delle forme a vantaggio dell’emergenza di paesaggi mentali caratterizzati dall’ossessione per il colore rosso e dall’intervento mimino dell’artista che, lavorando sulle lastre preparate, riesce a far si che queste lascino sul quadro delle tracce minimali ed espressive. In queste impronte, apparentemente irrazionali ma pervase da un’ossessiva ricerca di ordine ed equilibrio, l’occhio ritrova luoghi minimali, figure “batteriche”, scansioni geometriche e macchie. Non bisogna guardare in questo caso all’espressionismo astratto, troppo preso dall’irrazionalità del gesto, bensì ad opere (e penso in particolare ai grandi sudari di Nitch) dove forte è l’idea di agire sulla materia, quasi con spirito antropologico. Modello imprescindibile di fissazione di un’immagine è naturalmente la Sindone dove carne e sangue diventano i mezzi dell’impressione. Non volendo agire sul mistero del Lenzuolo, bensì guardando all’oggetto-icona, l’artista opera producendo impronte intese come segni mnemonici.

Ecco un'interessante intervista all'artista le cui opere sono in mostra all'Istituto Italiano di Cultura di Barcellona (comunicato)

Art Linking Project

2011-10-05T04:53:00.000-07:00

Reportage dalla mostra Art-Linking-Project inaugurata domenica 2 ottobre e visitabile fino al 30 ottobre presso la galleria Limiti Inchiusi a Campobasso. Il progetto, curato da Silvia Valente, cerca di scostarsi dalle normali procedure curatoriali per proporre una selezione di artisti derivata da un processo in divenire. Gli artisti invitati dalla curatrice (Fausto Colavecchia, Barbara Esposito, Emanuela De Notaris, Nicola Macolino, Mariagrazia Colasanto), infatti, si sono avvalsi della facoltà di poter scegliere altri artisti partecipando così alla selezione e alla strutturazione dell'evento. L'idea di fondo è quella di un monitoraggio dell'ambiente artistico molisano anche se non è esclusa la carica ludica di un sistema in costruzione che, teoricamente, potrebbe proseguire all'infinito attraverso questa serie di link che vanno a creare un vero e proprio albero genealogico dell'esposizione.

Elio Franceschelli

Valentino Robbio

Cinzia Laurelli

Luca Manes

Letizia Lomma

Azzurra De Gregorio

Roberto D'Andrea

Simona Materi

Nicola Micatrotta

Vincenzo Merola

Vincenzo Mascia

Emanuela De Notaris

Paolo Borrelli

Dario Palumbo

Mariagrazia Colasanto

Carlo Parente

Cinzia Laurelli

Fausto Colavecchia

Nicola Macolino

Dante Gentile Lorusso

Codice Lapidario - Luciana Picchiello a Santa Maria delle Monache

2011-10-01T15:21:00.000-07:00

Codice Lapidario è una mostra dell'artista Luciana Picchiello da poco conclusasi a Isernia, presso il complesso di Santa Maria delle Monache, e che prende il nome dall'opera che si vede qui sotto. Come fosse un reperto lapideo Picchiello presenta il suo codice fiscale quale ultimo (o unico) segno di riconoscimento moderno; richiamandosi alla tradizione delle epigrafi romane, anche quelle difficilmente comprensibili perchè con parole abbreviate e contratte, l'artista non fa che veicolare il suo nome e i suoi dati attraverso un mezzo antico ma con una codificazione moderna. Il fatto che l'opera sia inserita nel museo archeologico di Santa Maria delle Monache accresce questo confronto/differenza con i reperti originali che, tra l'altro, sono in dialogo con altre installazioni. Il richiamo all'antico è forte, come la voglia di rapportarsi con il reperto in quanto segno del passato. Interferenze e raffronti poetici, rotture di segno e slittamento di significato, incontri inaspettati come nei "reperti" in terracotta dove la pittrice inventa e riesamina una serie di linguaggi (inaspettati), frutto di codici personali, verosimili tracce di una contemporaneità che guarda alle forme più immediate e contratte del passato. Non c'è nostalgico interesse in questa operazione ma solo desiderio di vivere la Storia e le sue Forme con un sentire personale.

L'arte contemporanea è relativa

2011-10-01T02:15:00.000-07:00

Testo a commento della collettiva Vita d'autunno organizzata dall'Officina Solare Gallery ed inserita tra gli eventi della Settima Giornata del Contemporaneo dell'AMACI.

L’arte contemporanea èrelativa.

L’occasione della SettimaGiornata del Contemporaneo promossa dall’Amaci e alla quale aderisce anchel’Officina Solare è un’ottima opportunità per proporre all’attenzione delpubblico le opere della galleria, opere che visualizzano un cammino fatto dimostre ed eventi come anche un impegno costante nella valorizzazione delcontemporaneo in una realtà, il Molise, dove è quasi assente la volontà dicreare un sistema virtuoso dell’arte e dove in ogni attività sembra quasi diripartire da zero. E’ questa anche l’occasione per riflettere sullo statodell’arte in regione e non solo poiché se si organizza una giornata delcontemporaneo significherà anche che a livello nazionale le cose non sono tutterosa e fiori. Dopo il boom di musei d’arte contemporanea negli anni ‘90, daifantasiosi acronimi, si è registrato un costante calo di investimentisostituiti da sempre più invasive campagne di marketing per far fronte allascarsa presa sul pubblico. Direttori e curatori, da idealisti e intellettuali,sono diventati cortigiani del sistema promuovendo l’ovvio per la ricerca delprofitto mentre i musei sono diventati affari di famiglia (anche politica) inuna rete di potere e legami che dai luoghi espositivi arriva alle aste e aicollezionisti. Pochi giorni fa Luca Beatrice, su Il Giornale, criticavagiustamente la quantità di fondi che si stanno spendendo per la grande rassegnasull’Arte Povera che, diventata ormai “puraaccademia travestita da concettuale per la smania di pochi collezionisti”[1],non attrae più il pubblico mentre attrae ancora gli speculatori e allora giùcon rassegne strapagate e con Rivoli che, da più importante polo delcontemporaneo in Italia, sembra diventato un circolo di famiglia sotto la guidadi Andrea Bellini e Beatrice Merz.

Ma gli esempi sarebbero tantissimi: dallacrisi del MADRE a Napoli al livellamento estetico operato dal Padiglione Italiadi Sgarbi, dal crollo delle galleria al programma insignificante del MAXXI che sembravivere esclusivamente in funzione della propria architettura. E se ci spostiamoalle Fondazioni il clima non cambia. Come scrive sempre Beatrice “L’estensionedella famiglia nel mondo dell’arte si chiama Fondazione. Ovvero: ho un belnome, metto su un progetto culturale e me lo pagate voi. All’opposto di ciò cheaccade in America, dove i ricchi finanziano l’arte, in Italia i milionarichiedono soldi pubblici per foraggiare le loro imprese cui frega a pochi, ma sequalcuno fa osservare che non ce n’è più si prende insulti o una mutanda infaccia”[2]. Il momento è delicato e apparentemente senza vie difuga; del resto anche l’arte moderna non se la passa bene: “Il ministero dei Beni culturali ha definitoun “evento di portata storica” la spedizione a Cuba di un ‘Caravaggio’ che nonè di Caravaggio; un alto prelato italiano sta cercando di spedire la Madonna disan Giorgio di Giotto a Mosca per ‘impreziosire’ le celebrazioni legateall’edizione dei testi di un concilio dell’VIII secolo; la Velata di Raffaelloparteciperà al Ballo del Giglio del 2011, in un albergo di Montecarlo; iBaccanali Ludovisi di Tiziano saranno esposti ad Arcore, nella sala del bungabunga, per evidenti affinità iconografiche. Una sola di queste notizie è falsa:ed è l’ultima. Ma è falsa solo perché i Baccanali appartengono al Prado, che èun museo serio di un paese serio”[3]. Sitratta dell’incipit dell’articolo dello storico dell’arte Tomaso Montanari che,dalle colonne del Fatto Quotidiano, condanna l’ennesima operazione commercialee pubblicitaria, il prestito della Velata di Raffaello, messa in piedi da unapolitica che ha perso da tempo il concetto di tutela e considera il capolavoro,che per diritto fa parte della comunità, una sorta di ambasciatore da farviaggiare in giro per eventi mondani.

“E l’idea di noleggiare aprivati le opere d’arte che appartengono alla collettività rappresentaeloquentemente il tono morale e il livello culturale dell’Italia del tardoberlusconismo: al punto che l’uomo simbolo di questa mirabile congiuntura,l’onorevole Domenico Scilipoti , ha trasformato questa idea in una proposta dilegge per cui “le opere d’arte, inclusi reperti archeologici e similari,possono essere offerti in noleggio per un periodo prefissato di dieci annitramite asta pubblica da gestire per via telematica”. L’obiettivo sarebbequello di “valorizzare le opere d’arte che giacciono inutilizzate osottoutilizzate in depositi museali o in altre sedi, promuovendo, attraverso illoro noleggio per un periodo decennale, l’arte e la cultura italiane nel mondoe, allo stesso tempo, contribuendo a ridurre il debito pubblico”… E non si sadavvero se sia più madornale la bestialità di pensare che le opere d’arte sidebbano “utilizzare”; quella di considerare i depositi dei musei non queimagazzini di sapere e di storia che sono, ma cantine polverose e inutili;oppure l’idea che uno partecipi a un’asta telematica e poi si veda consegnare acasa – non so – una Immacolata in marmo del Seicento, un polittico a fondo orodel Trecento o un set di vasi greci. Ma ancora: uno potrebbe noleggiare unfonte battesimale romanico per il battesimo del nipotino, un’alcova barocca perla prima notte di nozze, una scultura del Novecento per un cocktail in giardino(No Arturo Martini, no party). Ma, al di là del folklore , ciò che nellaproposta di legge Scilipoti, si legge benissimo è il principio di fondo:privatizzare, selvaggiamente, il patrimonio artistico di questo Paese”[4].Chiusa parentesi sul moderno non si può non notare come assistiamo ad unasituazione degenerata col contemporaneo che da una parte cerca di tenere invita istituzioni, concentrando quei pochi fondi ancora a disposizione, edall’altra appare sempre più incapace di comunicare, vuoto e autoreferenziale,tenuto in vita esclusivamente dall’unicità dell’evento che sembra proporre,mentre poi tutto finisce alla chiusura del vernissage.

Jean Clair, storico dell’artefrancese e stimato intellettuale, aveva anticipato la catastrofe dell’arte neltesto “Critica della modernità” ed oggi, dal limite del post-moderno, torna suquelle considerazioni con il libro da poco uscito in Francia “L' hiver de laculture” (“L’inverno della cultura”). Nel“nostro” inverno, la cultura non èpiù spazio di una religiosità laica, né strumento per “rendere il mondo abitabile”, conducendo verso “una trascendenza al di là delle parole”. A prevalere è una logicamercantile. Clair spiega: “Siamo statiriportati a terra, tra paesi desertificati”. Dunque, addio cultura. “Resta solo il culturale: che è simulacro,imbroglio, scarto, parola di riflessi condizionati, dispersione,vaporizzazione”. Il passaggio dallacultura al culturale (o culturame) è di fatto una riduzione sostanziale, èperdita dei fondamenti a vantaggio di una piattezza massificata, è l’abbandonodella lotta e del tentativo di creare sistema. La “religione” dell’arte che hasmarrito la pratica trova in un finto culto di maniera il proprio status; lemostre blockbuster sono affollate come supermercati, le Biennali somigliano adiscariche, il museo diventa una marca di lusso e si quota in borsa, l’arte èridotta ad evento per attirare le folle, gli artisti studiano strategie dicomunicazione e marketing, il mercato crea il valore dell’opera[5],i giudizi della critica sono ininfluenti in una realtà dominata dagliinvestimenti speculativi e il pubblico si illude di partecipare alla Storiamentre condivide solo divertimento. L’arte contemporanea è un “evento” spessoinutile, di forte impatto, certo, ma che poco ha a che fare con l’idea dicultura ed in questo si dimostra molto più conservatrice di tante altre formedi comunicazione. Sarebbe opportuno un diverso atteggiamento meno ipocrita, unoscavo intelligente in quel sottobosco magmatico e spesso semisconosciuto che lacontemporaneità ci mette a disposizione, un’analisi oggettiva dei dati partendodal territorio. l’Officina Solare nella realtà molisana, ma in generale tuttequelle associazioni che operano nelle zone marginali e di confine, ha dalla suala volontà di uscire fuori dal sistema; non cerca l’evento ma tenta di creare insiemimuovendosi in quel limite, spesse volte difficile da rinvenire, tradilettantismo e progettualità artistica autentica promuovendo l’artista inquanto uomo.

Nellamisura in cui il valore, che oggi non è mai valore estetico, dovrebbe emergeredalla lunga durata il ruolo di una galleria, piccola o grande che sia, dovrebbeessere esclusivamente quello della ricerca, della documentazione edell’indagine capillare; se per valore, però, intendiamo una “performanceeconomica” dell’oggetto, frutto di operazioni speculative e passaggi, più omeno velati, in mostre-evento l’opera diventa prodotto e con essa anche lospazio diventa creatore di merce. E così mentre si preparano eventi i museidiventano luoghi di transito di opere in giro per il mondo, i collezionisti siscambiano favori con le istituzioni, dagli storici dell’arte si passa aicuratori detentori, spesse volte, di una conoscenza solo procedurale e maispeculativa, il pubblico si smarrisce.Attratto dalla curiosità, incapace di guardare e comprendere le opere delpassato (diventate ormai sistemi chiusi in assenza di risorse per lavalorizzazione, mentre la Storia dell’Arte pian paino sparisce dalle materiescolastiche), pensa che sia più facile relazionarsi con l’opera contemporaneapoiché illuso di essere lui il centro di un fenomeno creativo e comunicativo.Se è lo sguardo che crea l’opera ciò elimina il senso di colpa derivato dallanon comprensione ed annulla ogni sforzo interpretativo. Nel semplice guardareperdiamo la nostra autonomia, nel semplice commercio speculativo l’operasmarrisce la sua aura, nel vuoto esporre il museo diventa un’industria chetrasforma l’arte in spettacolo. Oggi, dovunque, ritornando a Clair "prevalesempre la logica dell'evento spettacolare"; in nome del denaro l'arteè ridotta ad evento per attivare le folle, ma "non è questo il modo di democratizzare l'arte, questo è solomassificazione" dannosa che potrebbe essere evitata diffondendo eintensificando lo studio della "Storiadell'arte nelle scuole, affinché tutti abbiano gli strumenti culturali percomprendere le opere…l'opera esige, sempre, una sintonizzazione culturale,senza la quale risulta incomprensibile”. Ma, aggiunge opportunamente ilcritico francese "anche il mercatodell'arte prima o poi rischia di crollare. Un crac metterà fine alla bollaspeculativa”. E forse la speranza sta proprio in questa crisi in quanto ilcapitalismo si è rivelato non solo ingiusto ma anche inefficace ed effimero: non solo selezionaproposte discutibili da un punto di vista della qualità, poiché si serve di unsistema schiavo del profitto e della raccomandazione, non solo è costretto ad“affittare” i propri capolavori a privati senza consapevolezza, non solosminuisce la cultura riducendola a prodotto, ma non produce nemmeno ricchezza,non garantisce posti di lavoro ai professionisti del settore, mortifica l’arte,distrugge la tradizione e la Storia. Siamo del resto in un momento di svolta epocale: la recessione, se noncondurrà ad una folle crisi del debito con relativo impoverimento generale erepressione sociale, porterà ad una revisione di tutto il sistema economiconeoliberista, e anche la fisica non sta tanto bene. Col recente superamentodella velocità della luce, infatti, l’universo (e anche l’arte) perderebbemolti dei suoi attuali vincoli. Sarebbe addirittura possibile violare iltempo che non avrebbe più una struttura lineare ma deformata: superando infattila velocità della luce secondo la legge di Einstein un corpo arriverebbe in unpunto B prima di essere partito in un punto A. Questo implicherebbe anchefenomeni come la sovrapposizione di piani spaziotemporali diversi o che ciò cheè stato non svanisce nel nulla e ciò che sarà esiste già.

Ed implicherebbeanche che io, dopo aver scritto tutta questa predica, mi ritrovi a curare unaBiennale con le solite opere commerciali per i soliti collezionisti especulatori.

Tommaso EVANGELISTA

[1] L.Beatrice, Con l’arte povera si diventa ricchie potenti, in “Il Giornale”, 17 agosto 2011.

[2] Cit.

[3]T. Montanari, Velata o Velina? Raffaello,un escort al ballo di Montecarlo, in “Il Fatto Quotidiano”, 25 settembre2011.

[4] Cit.

[5]A riguardo riporto un brano tratto da Dialogueavec les morts, autobiografia di Clair “L’asparago dipinto da Manet e la cipolladipinta da Chardin non hanno prezzo. Non nel senso di un prezzo esorbitante,come le fragole in inverno, ma senza prezzo. L’aneddoto di Manet e di Ephroussisi riferisce appunto a questa impossibilità di assegnare un prezzo all’arte. AEphroussi che chiede il prezzo di un quadro che raffigura un mazzo di asparagi,Manet risponde che costa ottocento franchi. Ephroussi rifiuta; non paga maimeno di mille franchi per un quadro. Manet rifiuta a sua volta: non ne vuolepiù di ottocento. Ephroussi insiste e gli mette in mano mille franchi. Pocodopo, Manet invia al generoso collezionista un piccolo quadro di un asparago,tutto solo, come un commerciante, all’ultimo minuto, al mercato, aggiunge un pomodoroo una mela al cesto della donna di casa. L’arte di oggi funziona sul principioopposto: ha un prezzo, spesso smisurato, ma è priva di valore”.

Mappe Cognitive - Nicola Dusi Gobbetti

2011-09-28T03:24:00.000-07:00

In occasione della XI Settimana della Lingua Italiana nel Mondo, l'Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, in collaborazione con la Casa degli Italiani e del Consolato Svizzero di Barcellona, organizza l'esposizione di Nicola Dusi Gobbetti "Mappe Cognitive".

"Sottili reticoli si diramano su agglomerati di colore di un rosso intenso e vitale che, dopo averli generati, li avviluppa e li distorce. All’apparenza confuso, il movimento di questi filamenti restituisce figure indecifrabili che paiono emergere da un mondo interiore e fra le quali, infine, si indovinano sprazzi di immagini che sembravano perse nella memoria. Stiamo assistendo al lavoro neuronale: l’osservatore è il silenzioso e impotente spettatore dell’attività sinaptica. Gli intrecci e i nodi sono talvolta regolari e armonici, altre volte uno stesso segno viene reiterato nella casualità schematica della follia. Il cervello è organo fisico sede degli eventi neurologici; al contempo però, ospita l’anima e l’emozione. Queste sono le mappe cognitive di Nicola Dusi Gobbetti: l’esplosione del processo del pensiero e del ricordo, le pulsioni del diurno e i sogni, attraverso la rappresentazione delle sinapsi, che lasciano la propria impronta sul lenzuolo, supporto grezzo e bianco, puro come è pura la mente primitiva, la mente del bambino così com’è prima di essere sovrastata e irrimediabilmente toccata dalla consapevolezza e dalla coscienza dell’essere umano.

L’Istituto di Cultura di Barcellona presenta le ultimissime opere inedite di Nicola Dusi Gobbetti, artista maturo la cui incessante ricerca ha condotto a una costante evoluzione e al continuo rinnovo di tecniche e tematiche, grazie ai quali, passando attraverso il concretismo e la monocromia, è approdato ai lavori d’avanguardia qui presentati, in cui osa l’uso del solo colore rosso sul bianco in una espressione di estrema sintesi".

Salvatore Schirmo, Direttore IIC Barcellona

Art Linking-Project

2011-09-28T03:19:00.000-07:00

Dal 2 al 30 ottobre 2011

Galleria Limiti inchiusi - Via Muricchio, 1 - Campobasso

"Art Linking Project"

A cura di Silvia Valente

Inaugurazione domenica 2 ottobre - ore 18.00

Artisti in mostra:

Paolo Borrelli, Mariagrazia Colasanto, Fausto Colavecchia, Roberta D'Andrea, Sara D'Uva, Azzurra De Gregorio, Emanuela De Notariis, Barbara Esposito, Elio Franceschelli, Dante Gentile Lorusso, Cinzia Laurelli, Letizia Lomma, Nicola Macolino, Luca Manes, Vincenzo Mascia, Simona Materi, Vincenzo Merola, Nicola Micatrotta, Dario Palumbo, Carlo Parente, Valentino Robbio.

Perdita del centro - Gianmaria De Lisio all'Officina Solare

2011-09-19T03:24:00.000-07:00

Perdita del centro, ovvero fuga dal labirinto.

“Ossessivamente sogno di un labirinto piccolo, pulito,

al cui centro c’è un’anfora che ho quasi toccato con le mani,

che ho visto con i miei occhi, ma le strade erano così contorte, così confuse,

che una cosa mi apparve chiara: sarei morto prima di arrivarci.”

(L’Aleph, J.L. Borges)

Per perdita di centro (titolo preso in prestito dal noto saggio di Hans Sedlmayr) s’intende quella rinuncia ai punti di riferimento fondamentali che per secoli hanno fatto da perno all’arte ed al pensiero in generale. La perdita è stata causata dalla volontà da parte degli artisti di esplorare nuove modalità di espressione mai sperimentate prima con conseguente liberazione dai canoni. La storia dell'arte documenta storicamente la perdita del "centro" come perdita di Dio prima, e dell'uomo poi, fino ad arrivare alla perdita di percezione della realtà sostituita da un’eccessiva invadenza del reale sottoforma di operazioni performative e relazionali, in una sorta di nichilismo gaio, senza angoscia. Tutto ciò è sintomo di una crisi profonda dell'uomo. L’uomo nella società dell’immagine e dello spettacolo vive stordito da una moltitudine di stimoli visuali; l’eclisse dell’opera d’arte avviene pertanto in un proliferare di forme e in questo caos visivo perdersi nell’eccesso non è cosa difficile. Lo smarrimento può avvenire sia per mancanza di immagini compiute e positive sia per sovrabbondanza di impulsi comunicativi. In questo clima di totale relativismo iconico solo ai segnali (stradali, di pericolo, di prescrizione) conferiamo autorevolezza in quanto trasmettono un’informazione, il più delle volte univoca, che accettiamo. L’opera d’arte non dovrebbe fungere da “dispositivo virale” che amplifica il senso delle cose, spesso alterandolo o sopprimendolo, bensì dovrebbe creare “avvisi” attraverso il trasferimento di informazioni. All’ultrasenso, causato dalla perdita del centro, dovrebbe sostituirsi il messaggio inserito ora in un labirinto plurisensoriale. Nell’opera di Gianmaria De Lisio assistiamo proprio a questo viaggio verso un punto mediano: se avanzare progressivamente verso il centro significa approdare ad un ordine delle cose, conquistare la chiarezza, il viaggio per giungerci diventa un lungo transito alla ricerca di indicazioni. Viaggio-odissea che diventa mitico e che produce, come scarti delle scelte, opere che si possono apprezzare solo osservandole in continuità ed esclusivamente come tracce o interferenze del percorso. Nel labirinto del mondo la facoltà di scelta è metafora quindi della libertà spirituale dell’artista mentre le sue preferenze diventano messaggi che rinviano all’immaginario individuale. Ma proprio perché questo immaginario personale è frutto dello spostamento nel reale, è frutto del “durante”, può diventare immaginario collettivo prospettando soluzioni e vie di uscita. Il corpo pensante immerso in un non-luogo globalizzato fatto di informazioni abbandona così il reale e ritorna all’archetipo, al messaggio minimale, alla forma chiusa. La perdita del centro non avviene poiché viviamo in una rete infinita, in un rizoma, bensì perché al frammento si è sostituita la volontà di rappresentare e ricostruire il tutto (Ricostruzione futuristica dell’universo, 1915) smarrendo qualsiasi valore. Ritornando a Sedlmayr infatti se “l’uomo ha perduto il suo centro, anche l’arte si allontana quindi dal centro.(…). L’arte diviene eccentrica in tutta l’estensione del termine. L’uomo vuole uscire dall’arte che per sua natura costituisce il centro fra lo spirito e i sensi. L’arte si sforza di uscire dalla stessa arte nella quale essa trova il medesimo scarso appagamento che l’uomo trova nell’uomo. Nel tendere verso una super arte essa precipita spesso in un genere sub –artistico. L’arte si allontana dall’uomo, dall’umanità e dalla giusta misura. Tutti questi sintomi sono l’espressione simbolica di analoghe tendenze che esistono, in genere, nell’uomo. E non è solo nell’arte che l’uomo vuole allontanarsi dal centro e dall’uomo stesso. I fenomeni dell’arte moderna illuminano e spiegano molto più di ogni altra manifestazione umana tali tendenze.(…). Nelle forme moderne della vita e dell’arte,” si riconosce allora “l’espressione di un profondo antiumanismo.”(Sedlmayr, 1967, pp.195-196). La perdita del centro è perdita della personalità, del cuore, della coscienza, delle informazioni vitali, dei messaggi, dell’etica. Ecco perché risulta interessante il percorso artistico di De Lisio il quale parte dal disorientamento per ricercare le radici. E se queste radici sono ormai distrutte e alterate non rimane che una loro traccia. I cartelli di pericolo e i bersagli, dai ripetitivi colori giallo-neri, indicano l’assurdo della nostra società che tende all’autodistruzione ma sono anche segni comunicativi che codificano un’informazione e che si sostituiscono ad un’arte ambientale e virale. Anche i dittici diventano così dei testi in quanto raccontano di un percorso e dell’esplorazione personale del mondo in ambienti che creano associazioni di immagini apparentemente oniriche. Ciò che si potrebbe associare al sogno, o ad una voglia di evasione dal reale, infatti, non è altro che rigorosa analisi esterna che produce oggetti (organi, pesci, spazi, forme biologiche) come rebus da decifrare. Ma questi rebus, in quanto potenzialmente decifrabili, non sono altro che stringhe di una Rete-labirinto che è non-luogo per eccellenza ma anche esperienza. Se, come asserisce Eco, “il labirinto è un modello astratto della congetturalità”(Eco, 1983, p. 21) allora il discorso può evolversi dalla vertigine dello smarrimento alla ricerca delle informazioni vitali utili per ritornare nel centro. E’ un percorso complesso, quasi certamente votato alla sconfitta in assenza di una legge morale esterna forte, ma ci pare positivo che qualcuno voglia compierlo e trasferirlo in forma artistica. Le angosce e le paure iniziali, determinate dal fatto di non conoscere la via, spariscono lentamente sostituite dalle informazioni recuperate nella ricerca e proprio le due piccole installazioni ci appaiono, alla fine, come piccole tracce di speranza. La prima Quando ho capito cos’è la lucidità è (parole dello stesso autore) “una riflessione sul rapporto tra sogno e realtà e su come spesso la realtà si vive come in un sogno” con questa coperta che cela una serie di oggetti (ritrovati?). La seconda, invece, dal titolo L’importanza delle relazioni, interessante in quanto riflessione sulla non affidabilità a volte delle informazioni, è una piramide di sabbia con un barattolo sopra; il barattolo è a testa in giù così che sembra che la sabbia venga tutta dal barattolo. In realtà la piramide è formata con la sabbia di due barattoli. In questa proposta teorica ed espositiva, quindi, trovano spazio anche le sculture di Massimo Traino in biblico tra astrazione e figurazione in quanto lavorano proprio sul confine della forma. L’angoscia della conformazione, la refrattarietà della materia, l’inquietudine dell’ispirazione, la ricerca di una poetica minimale e sospesa, la negazione dell’individualità che comporta l’emergere esclusivo della massa, sono tutte caratteristiche di questi lavori che legano la perdita del centro con la perdita della struttura in una dialettica tra interno ed esterno. E a riguardo vorrei concludere con questa frase di Haruki Marakami “Ciò che è fuori di te è una proiezione di ciò che è dentro di te, e ciò che è dentro di te è una proiezione del mondo esterno. Perciò spesso, quando ti addentri nel labirinto che sta fuori di te, finisci col penetrare anche nel tuo labirinto interiore”.

Tommaso EVANGELISTA

La cromaticità nell'idea del tricolore

2011-09-19T03:20:00.000-07:00

Con grande soddisfazione pubblico il comunicato stampa della mostra La cromaticità nell'idea del tricolore che verrà inaugurata il 24 settembre a San Severo. Si tratta dell'esposizione delle opere di Volturnart (150 artisti per l'unità d'Italia), curata da me e Michele Peri, che tanto successo ha riscosso in Molise e che, con questa prima tappa, inizia un viaggio in diversi centri d'Italia.

'L’Italia tesoro d’Europa' costituisce questo anno lo slogan delle Giornate Europee del Patrimonio; il MAT, in collaborazione con la Provincia di Foggia, aderisce a questa iniziativa del Ministero per i Beni e le Attività Culturali con una mostra di artisti contemporanei in cui il tema viene sviluppato, scevro da ogni retorica, intorno al simbolo del tricolore. Il leitmotiv della mostra è appunto la bandiera italiana, o meglio i suoi tre colori intesi come spunti di partenza, o tema di fondo, per il lavoro degli artisti; non quindi una mera raccolta di emblemi visivi ma la realizzazione di un palinsesto che, pur nell’unità dei colori e delle dimensioni delle singole opere, presenta un racconto articolato che descriva la storia, il significato e soprattutto i mali e le distorsioni di un simbolo antico come la bandiera (e per traslato della nazione), con tecniche e materiali diversi.

Nell’anno del 150° anniversario dell’Unità d’Italia la mostra al MAT fornisce uno spunto di riflessione per osservare, attraverso le suggestioni di artisti e critici, l’Italia presente e quella che vorremmo.

L’esposizione è stata inserita nella programmazione dell’Amministrazione Provinciale di Foggia che ha individuato le più significative iniziative culturali sul territorio nell’anno dei festeggiamenti dell’Unità d’Italia; gode inoltre del patrocinio del Consiglio dei Ministri.

La mostra prevede l’esposizione delle opere di 150 artisti (sette artisti per ogni regione e 10 artisti internazionali che vivono ed operano in Italia) che rappresenteranno un’aggiornata meditazione sul concetto di unità attraverso i colori della bandiera italiana. Grazie alla presenza di artisti stranieri il concetto di Unità si fonderà in una globalità d’intenti artistici in cui l’Unità d’Italia sarà il punto di partenza e l’Unità Globale quello di arrivo. con i colori, il verde, il bianco, il rosso della bandiera nazionale, che diventano il verde, il bianco, il rosso di opere realizzate con tecniche diverse, che vanno dalla fotografia al disegno, dalla pittura all’immagine digitale, intrecciando saperi alti e linguaggi pop, storia e cronaca, fantasia e poesia, critica e celebrazione, in una fitta trama di rimandi e citazioni da apprezzare nell’allestimento inteso come muro continuo e ininterrotto di impressioni. La mostra si può annoverare tra le più complete della regione e dell’intero meridione sul tema dell’arte contemporanea in relazione alla ricorrenza dell’Unità d’Italia.

Cerimonia inaugurale della mostra

- sabato 24 settembre 2011, ore 18.30

● Saluti:

Gianfranco Savino (Sindaco di San Severo)

Antonio Pepe (Presidente della Provincia di Foggia)

Raffaele Bentivoglio (Assessore al Museo, Comune di San Severo)

Felice Scarlato (Segretario Generale - Dirigente ad interim Servizi Museali, Comune di San Severo)

Carolina Tricarico (Coordinatrice Area III, Comune di San Severo)

● Interventi:

dott.ssa Elena Antonacci, Direttore del MAT di San Severo

prof. Teo de Palma, Coordinatore della mostra per Puglia, Basilicata e Calabria

Mostra promossa e curata da: Comune di San Severo – MAT (Museo dell’Alto Tavoliere) e Provincia di Foggia

Ideazione: Michele Peri

Coordinatore della mostra per Puglia, Basilicata e Calabria: prof. Teo de Palma

Allestimento, servizi museali e visite guidate: Consorzio Libero

Collaborazione: Volontari del Servizio Civile Nazionale

Orari apertura della mostra (24 settembre – 30 ottobre 2011):

lun – ven: 9.00 – 13.00 (ultimo ingresso); 16.00 – 20.00

sab: 18.00 – 21.00

dom: 10.30 – 13.30; 18.00 – 21.00

INFO:

MAT – Museo dell’Alto Tavoliere – Città di San Severo

Piazza San Francesco 48 tel/fax 0882 334409 – 225738 museocivicosansevero@alice.it

www.comune.san-severo.fg.it

Facebook: http://www.facebook.com/museoaltotavoliere

Empty Space a Venafro

2011-09-12T02:19:00.000-07:00

Fino a 25 settembre 2011 a Venafro presso la dimora Del Prete di Belmonte, in via Cristo 49 a Venafro. È possibile visitare la mostra d’arte contemporanea di pittura, scultura, fotografia, video, installazioni, live music e live perfomance.

Macchi'Art, il sito. Uno sguardo sull'arte in regione

2011-09-02T11:30:00.000-07:00

E' online il sito ufficiale della rassegna d'arte contemporanea di Macchia d'Isernia con i curriculum e le opere in concorso in questa XXX edizione e le immagini delle opere delle precedenti rassegne. Una galleria contiene invece le opere della pinacoteca comunale. Una bella carrellata (e censimento), quindi, sull'arte in Molise con lavori di Ucciferri, Peri, Serra, Barone, Cianchetta, Liccardo, Di Stefano, Serricchio, Battista, Robbio, Picchiello utili per farsi un'idea del panorama artistico della regione.

Augusto di Marco all'Officina Solare

2011-09-02T11:24:00.000-07:00

“DISTANZE E INCONTRI”

Augusto Di Marco

Luogo: Officina Solare Gallery Via Marconi, 2 Termoli

Data: 3/15 settembre 2011

Apertura: tutti i giorni compreso i festivi dalle ore 21.00 alle ore 23.00

A cura di: Tommaso Evangelista

Inaugurazione: sabato 3 settembre 2011, ore 21.00.ù

Info: 329.4217383

Macchi'Art XXX edizione

2011-08-19T15:26:00.000-07:00

“MACCHI’ART”
XXX EDIZIONE DELLA RASSEGNA D’ARTE CONTEMPORANEA
Organizzata dal comune di Macchia d’Isernia

Luogo: Edificio Scolastico di Macchia d’Isernia (IS)
Data: 20/28 agosto 2011
Apertura tutti i giorni dalle ore 17.00 alle 20.00
Inaugurazione: 20 agosto 2011 ore 18.00
Finissage e premiazione: 28 agosto 2011 ore 18
A cura di: Tommaso Evangelista
Info macchiart2011@gmail.com 3384735549
Sito web: www.macchiart.altervista.org

Sostenitori e sponsor: Pro Loco Macchia, Associazione Culturale Macchia Domani, ASCA Associazione Culturale Cultura Anziani, Melfi Solare, BCC Banca Credito Coperativo, Edil Cerasuolo, Caffè Tabacchi Risorgimento, Tre M Immobiliare Srl, Mirkolor, Gabetty Agency

La lunga storia del Premio Macchia, poi Rassegna d’Arte Contemporanea, è un importante patrimonio per la storia dell’arte della provincia di Isernia. Istituito ben trent’anni orsono, e portato avanti con sacrifici e difficoltà durante i decenni grazie alla lungimiranza delle varie giunte comunali e alla passione dell’artista locale Arturo Beltrante, si colloca tra gli eventi d’arte più antichi e significativi della Regione, secondo solamente al ben più prestigioso Premio Termoli giunto alla cinquantaseiesima edizione. La presenza del Premio, quest’anno reintrodotto, ha permesso inoltre la formazione di una significativa pinacoteca che conta circa una sessantina di opere degli artisti più importanti della zona. L’idea della rassegna per celebrare il trentennale è stata quella, dopo le sperimentazioni degli anni precedenti, di tornare alla vecchia e gloriosa formula della collettiva che presenti opere esplicative della poetica di ogni artista, pur in assenza di una traccia ben precisa che vada oltre la personale rielaborazione di impressioni nate dalla “Terra di Molise” e, più in particolare, dal territorio di Macchia d’Isernia. Con una scelta emblematica si è tentato inoltre di valorizzare la collezione del Comune facendo dialogare le opere storiche con i lavori degli artisti invitati convinti che da questo dialogo a giovarne sia soprattutto il fruitore inserito in una fitta rete di rimandi e spunti. Gli artisti “storici”, alcuni presenti sia in collezione che nella rassegna, diventano allora maestri delle nuove leve che a loro volta portano in mostra linguaggi nuovi e dinamici rinnovando magicamente un piccolo “sistema” che si è mantenuto integro per tutti questi anni. Trattandosi di una ricorrenza si è preferito realizzare una ricognizione dell’arte in Regione, pertanto, il tema di fondo, inteso solamente come engramma e pertanto non vincolante, vuol essere il Territorio e le sue bellezze paesaggistiche, storiche e naturalistico-ambientali e il legame degli artisti con esso. L’idea è quella di esporre singole opere che rispecchino e sintetizzino la poetica e lo stile dell’artista. La mostra sarà allestita nei locali dell’Edificio Scolastico insieme all’esposizione del patrimonio artistico del comune. L’obiettivo dell’Amministrazione nell’organizzazione di tale evento è quello di dare nuovo impulso alla rassegna affinché si affermi sempre di più tra gli eventi artistici regionali e nazionali senza disdegnare l’intento di accrescere la collezione comunale di opere d’arte per poterne fare una vera e propria Pinacoteca con una fruibilità permanente.

"La bellezza in Molise è ancora possibile, non uccidiamola"

2011-08-15T03:24:00.000-07:00

Parola di Antonio Picariello, critico d’arte più noto e apprezzato della regione. Che in questa chiacchierata affronta i temi dello sviluppo urbano e delle trasformazioni del paesaggio in una chiave “estetica”. E avverte: “Anche i parchi eolici vanno progettati in base al territorio, non in base al progettista. Diamo queste torri eoliche a degli artisti e facciamone delle opere d’arte integrate”. E annuncia: “La biennale di Venezia quest’anno vedrà la presenza di 6 artisti molisani, dei quali 3 scoperti e seguiti da me in questi anni”.

di Michele Mignogna su Primonumero

Si terrà il 19 e il 20 maggio prossimi la settima edizione di TrackerArt, il convegno sulla critica d’arte in Italia, che si terrà al liceo artistico Jacovitti di Termoli. L’evento curato, organizzato, ma soprattutto inventato dal professoreAntonio Picariello, critico d’arte e project manager del settore, in collaborazione con l’artista Nino Barone e il movimento Archetyp’Art, nonché del filosofo moderno Geppino Siano di Salerno conosciuto oltre un decennio prima ad un convegno all’università “Carlo Bo” di Urbino. Primonumero.it, ha incontrato Picariello per discutere di arte e di critica. Ma soprattutto dello stato dell’arte in Molise, oggi.

Quando si parla di parla di arte di parla di uomini. E di contesti. Cominciamo da qui, da quello che abbiamo creato attorno a noi.

«Appunto. Prendiamo l’edilizia urbanistica, la costruzione di case insomma. E’ possibile che vada a distruggere una archeologia industriale, cancellando in questo modo centinaia di anni di storia dello sviluppo delle popolazioni, facendo un danno incommensurabile all’umanità, e tutto questo perché in quel momento il progettista deve, per commissione, fare quel lavoro. Senza nemmeno intuire le conseguenze che questo gesto creativo avrà».

Qual è allora il compito della critica in tutto questo?

«Quello che ho cercato di fare io, e voglio precisare che in Molise la storia dell’arte inizia da me, è far capire che ci sono altri modi per affrontare questo tema. Nelle università si insegna la storia della critica d’arte, che nasce di pari passo con la storia dell’arte, e nasce a Parigi dagli stessi autori della enciclopedia universale che ha fatto storia, e quindi la critica d’arte è fondamentale alla storia dell’arte, e non viceversa. La storia della critica d’arte significa la storia delle società, dell’urbanistica, dell’architettura e delle idee che gli uomini hanno realizzato e realizzano. Ecco in Molise è questo che dobbiamo capire: cosa è avvenuto? Come è avvenuto? Ma soprattutto se c’è consapevolezza del prodotto, bellissimo, che il Molise ha da questo punto di vista, e che potrebbe essere venduto all’esterno.

Il Molise offre ancora tantissimo, solo che ha avviato una linea che la critica d’arte ha il dovere quanto meno di segnalare, perché potrebbe essere fallimentare e soprattutto senza possibilità di tornare indietro. A meno che la critica d’arte non intervenga, con gli strumenti a sua disposizione, per chiarire le “prese di coscienza”».

Professore, che intende esattamente?

«Molto semplicemente, mentre le città e le metropoli sono ormai al collasso, anche nel rincorrere la bellezza dell’arte, in Molise c’è ancora questa possibilità, e quindi tutti ne devono “prendere coscienza”. Significa capire come le parti sociali si rapportano al territorio, che deve essere un rapporto di collaborazione e non in competizione tra loro, e l’obiettivo deve essere comune, e cioè la crescita culturale sia del territorio che delle popolazioni che lo abitano. E questa politica deve necessariamente partir da gruppi, chiamiamoli intellettuali, che assolvano a questa funzione sociale ma anche spirituale. Insomma: dire agli amministratori guardate che questa strada ha finalità di benessere se c’è concertazione sul territorio, altrimenti rischia di diventare benessere solo per un gruppo ristretto di personaggi, il che non va bene, perché il ritorno in quel caso non è collettivo, non è per tutti».

A proposito di questo, una riflessione: il territorio molisano è continuamente oggetto di cambiamenti, che a volte significano pure disastri.

«Noi abbiano il dovere di pensare alle generazioni future. Se questo territorio ha resistito agli attacchi inconsapevoli della distruzione e si è mantenuto fino alla contemporaneità, significa che questo territorio, prendendo coscienza di se, può e deve essere difeso oggi per le generazioni future che hanno tutto il diritto di vedere, capire e studiare quello che oggi vediamo, capiamo e studiamo noi. L’arte deve essere goduta da tutti. Ed è qui che entra la concertazione, mettere cioè insieme idee ed interessi che però non deturpino i paesaggi, e questo è dato anche dalla qualità di un popolo e della società che ha costruito».

Faccia un esempio

«Eccolo: a Larino nessuno si sognerebbe di andare a scrivere sulla Cattedrale, perché il valore, non solo di bellezza architettonica o il simbolo dato dalla festa del Patrono, viene trasferito di padre in figlio, ed è proprio questo che dobbiamo salvaguardare. Ma questo vale anche per i restauri che a volte possono trasformare irrimediabilmente un monumento, in base alla visione di un progettista al quale viene dato credito. Ebbene il progetto non può essere solo un mero calcolo matematico ma deve essere anche progettazione sacra ed etno-antropologica del luogo, supporto che la critica d’arte può dare. E questo vale per tutte le arti: dalla scultura alla pittura passando per la gastronomia e all’artigianato».

Uno dei ruoli del critico d’arte oggi è anche quello di scoprire e promuovere nuovi artisti. Ma alla luce della endemica mancanza di fondi degli ultimi anni, quali sono le difficoltà che incontrate? Ma soprattutto quali potrebbero essere le vostre proposte?

«Il critico d’arte non lavora solo su un giudizio di cosa è buono e cosa no nell’arte, ma lavora anche alla costruzione del valore, quindi deve necessariamente lavorare insieme all’artista, e questo lo sanno bene i francesi che sono degli ottimi organizzatori, se lei va in un museo francese trova tutte le eccellenze che vuole, perché hanno la cultura. Per intenderci Napoleone dopo essere stato in Italia ha inventato i musei in Francia. In Italia siamo ancora ad un livello ottocentesco, nel senso che dobbiamo ancora capire la funzione dei musei, dobbiamo ancora capire la differenza che esiste tra una galleria d’arte contemporanea, moderna ottocentesca e via dicendo, il che determina che nelle scuole non vengano date le giuste informazioni, partendo proprio dalla distinzione tra i vari periodi, storici ed artisti. Oggi io non trovo nessuno in un museo artistico che mi dica la differenza tra diverse scuole di pensiero che hanno fatto grandi i pittori che tutti conosciamo. Cosi come dobbiamo ancora far capire che l’architettura è una forma d’arte, le nostre città ad esempio, mentre una scultura ci giri intorno, la città la vivi da dentro, la vedi e la vivi, e questa è una condizione di autoformazione della coscienza eccezionale».

E come si valuta un’opera d’arte?

«le condizioni per valutare un’opera d’arte nascono sicuramente dalla raffigurazione del capolavoro, ma anche dalla spiritualità, dalla cultura, dal modo di vedere il mondo dell’artista, cose che concorrono a far crescere, in valutazione, un’opera. Non solo quindi un valore meramente economico, ma anche personale dell’artista. Non a caso i grandi artisti sono diventati famosi dopo la loro morte, e quando un critico d’arte ha tradotto, in chiave sociologica, la sua opera».

Quindi anche l’intimità dell’autore…

«Esattamente, perché l’autore per arrivare a quel risultato deve fare auto ricerca, un lavoro di introspezione che servirà poi nella raffigurazione dell’opera. Prenda ad esempio Guernica di Picasso, in quel quadro lui rappresenta nel modo più crudele la guerra, una città devastata, persone ed animali morti e via dicendo, tutto ciò che oggi sta vivendo il Nord Africa a pochi passi da noi.

Picasso ha raccontato, dal suo punto di vista, quello più intimo, la storia della guerra di Spagna. Ma questo è dato anche dal fatto che Picasso ha seguito la scuola africana, che di per se è pregna di spiritualismo. Vede, gli orientali hanno un modo di vedere le cose che è sferico, rispetto al nostro ancora geometricamente definito, noi vediamo gli angoli e le rette, loro vedono le sfere, per questo risalta lo spiritualismo, anche nelle arti, in oriente e quindi anche in Africa».

Tracker Art dunque si inserisce in questo contesto.

«Certo, Tracker Art, questo convegno arrivato ormai alla sua settima edizione e che si sta tentando di sottrarmelo, deve fare proprio questo, analizzare cioè le criticità del settore artistico e cercare le soluzioni. Soluzioni che tra l’altro abbiamo iniziato a dare già dai primi anni, basta andarsi a leggere gli atti del convegno che sono pubblicati, atti che diventano un piano di intervento se solo si volessero ascoltare chi di arte e cultura ci capisce. Ma è anche la prima volta che a Termoli, in Molise, si facciano dei convegni sulla critica d’arte, raccogliendo i pareri dei critici di tutte le regioni italiane che hanno partecipato ai convegni. Da qui bisogna che i project manager dell’arte ripartano, per collocare il prodotto “arte” sui mercati. Questo fa l’arte, non altro».

Professore, parliamo un po’ del paesaggio, degli interventi che modificano la visuale di un luogo, che ne cambiano il profilo e via dicendo: cosa sta accadendo in Molise? Come si pone un critico d’arte rispetto alle trasformazioni del territorio attuale?

«Intanto c’è un discorso di energia e quindi di sopravvivenza dei cittadini, per fare questo bisogna compromettersi qualche valore. Ad esempio il paesaggismo è ciò che offre il luogo, è ciò che io vedo dalle colline di Larino è una percezione visiva che qui ancora esiste. Prenda le grandi città, per vedere il cielo lei dovrà mettere la testa a 90 gradi, mentre in questo luogo dove l’inquinamento visivo non sappiamo ancora cos’è, ho una visione d’insieme tenendo la testa in posizione normale, posso vedere le stelle la strada le case, tutte insieme, quindi è questo che va salvaguardato, ed è questo che dobbiamo salvaguardare, non possiamo portare in questo territorio strutture o palazzi progettati per altre città. Detto questo, il concetto di paesaggio è complesso, pensiamo a cosa era il Molise nell’ottocento con i suoi mulini per la farina, anche loro avevano delle torri abbastanza grandi, ma erano integrati non solo nel territorio, ma anche nella cultura delle popolazioni, anzi, intorno ai mulini c’erano delle vere e proprie filiere che partivano dal produttore del grano per arrivare al consumatore. Io direi che in Molise queste cose, i parchi per la produzione di energia vanno studiati meglio, nel senso che se un parco eolico, lo inserisci in un ambiente dal quale oltre a produrre energia, salvaguardi anche il paesaggio, potremo fare anche un conto sul benessere che ne deriva, ma per tutti però e non per pochi. In conclusione vanno progettati in base al territorio non in base al progettista. Diamo queste torri eoliche a degli artisti e facciamone delle opere d’arte integrate al territorio, perché non pensarci?»

Parliamo della Biennale di Venezia

«La biennale nella sezione Italia e Molise, visto che è diventato patrimonio delle regioni italiane, quest’anno vedrà la presenza di numerosi artisti molisani. Sono tutti artisti che potranno dare quel valore aggiunto, all’arte di questo posto, e parlo di Giuseppe Capitani, Cleto di Giustino, Elio Franceschelli, Ettore Frani, Ernesto Liccardi, Vincenzo Mascia, Manovella Helena Manzan, Michele Mariano, Andrea Nicodemo, Caterina Notte, Giacinto Occhionero, Igor Verrilli»

Marchen: il Molise si mette in mostra

2011-08-15T03:19:00.000-07:00

di Marilena Rodi su L'INDRO

Intervista con il curatore Tommaso Evangelista. "La nostra regione, un laboratorio trascurato"

“Märchen è il racconto fantastico e irreale, la fiaba, tratta dal ricco patrimonio orale e scritto della fiaba popolare tedesca che pone le basi della fioritura del Märchen quale genere letterario, prediletto, del Romanticismo”. È quello che si legge nel catalogo della mostra’Märchen’ dal Molise a cura di Tommaso Evangelista, conclusa da poco a Termoli, una cittadina della ’periferia molisana’ con la serena ambizione di offrire una proposta culturale che si collochi nei principali itinerari da praticare. Quelli della rivoluzione concettuale. Infatti si legge ancora: “Cercarono il riscatto dei popoli oppressi, la funzione formativa della storia, l’eterna irrequietezza, la vera poesia che viene dal popolo il quale ignorava estetiche e letterature. Il nostro Märchen vuole essere questo, riproposto in chiave di Arti figurative con tutti i limiti e la necessaria modestia, nel rispetto delle predisposizioni di ciascun operatore delle arti visive”.

A mostra conclusa, abbiamo approfondito la proposta-sfida con il curatore, Tommaso Evangelista (le opere esposte sono di Cristina Valerio e Nazzareno Serricchio).

Il Molise è una regione tutta da scoprire. Che tipo di realtà affronta l’arte contemporanea?

L’ambiente artistico molisano è incredibilmente vario e sfaccettato anche se pochissimo conosciuto; molti valenti giovani si stanno affermando a livello nazionale mentre continuano a operare gli artisti “storici” che tanto si sono battuti, dagli anni Sessanta, per svecchiare un’arte legata ancora ai ’pittori della domenica’. Pesa la mancanza di gallerie d’arte (e galleristi) e centri per l’arte contemporanea che spingano sulle riviste specializzate e sulla stampa di settore, pertanto la regione si colloca alla periferia di un sistema, quello italiano, che è già periferia del sistema anglo-americano. Questa è stata la risposta di Politi a una mia mail nella quale mi offrivo come collaboratore dal Molise per Flashart: “Riteniamo che nella tua regione non ci siano eventi che possano rientrare nel nostro interesse”. Ma naturalmente è una risposta che ci può stare in quanto l’arte contemporanea punta quasi esclusivamente sul mercato e non sulle declinazioni regionali. Pesa naturalmente l’endemica mancanza di fondi per la cultura, l’assenza di politiche culturali che vadano oltre le sagre e le fiere e lo scarso riconoscimento professionale della figura del critico. L’evento più significativo è il Premio Termoli, giunto quest’anno alla 56° edizione, ma ci sono altre piccole realtà di indubbio spessore: il museo diffuso diCasacalenda, le collettive Fuoriluogo nello spazio Limiti Inchiusi di Campobasso, le attività dell’Aratro, un piccolo spazio ricavato nella Facoltà di Lettere dell’Università del Molise e gestito dal prof. LorenzoCanova insieme agli studenti del suo corso di arte contemporanea, le attività dell’Officina Solare, una galleria gestita da un’associazione che, senza alcun finanziamento pubblico, è attiva sul territorio con un ricco programma di eventi, e poi le tante collettive e personali organizzate nei vari paesi dove si cerca, con quattro soldi, di restituire un minimo di serietà all’evento. Detto questo vedo delle grandi potenzialità e margini di sviluppo anche per la presenza, sul territorio, di tanti giovani studiosi.

Prolifera in Italia la produzione di opere ’site specific’: è un po’ un modo per riportare alla territorialità della conoscenza anche l’investimento intellettuale dei giovani artisti (e non), in sostanza, per non disperdere il patrimonio culturale di un luogo?

Una delle caratteristiche dell’arte contemporanea in Molise è che gli artisti ’storici’ sono sempre stati legati al territorio e ciò lo si intuisce dalle loro opere, opere realizzate con materiali poveri, della “terra”, legate a un inconscio collettivo magico e rurale, con una forte carica di denuncia sociale o documentazione. Oggi va molto di moda il termine glocale e a riguardo si sono realizzati in regione eventi che andavano in questa direzione, verso un recupero delle origini e del passato con un occhio al mondo; è una tendenza che ritrovo, tra l’altro, in molti settori della cultura dove, dopo l’ubriacatura per una globalizzazione cieca e spietata, si cerca di correre al riparo ritornando al locale e preservando le specificità dei luoghi. Questa tendenza, in arte, è più sfaccettata perché i linguaggi sono molteplici e non sempre comprensibili a una prima lettura. Le opere ’site specific’ non dovrebbero essere realizzate per il territorio ma in accordo con esso altrimenti si corre il rischio di cadere nella maniera e nel fraintendimento. Del resto l’autenticità che trovo nelle opere degli artisti ’storici’ non riesco a trovarla nei giovani, come se si fosse persa quella sincera voglia di seguire la propria ’ingenuità’; ma la colpa non è certo loro quanto di un sistema che non ha saputo investire su di loro costringendoli a scappare e a rinnegare le proprie origini.

Parliamo della mostra Märchen dal Molise inaugurata il 23 luglio. Il märchen, un genere letterario tradotto in proposta figurativa. Perché?

L’idea nasce dal maestro Nazzareno Serricchio e dal suo amore per la letteratura; nasce in particolare da un testo, una raccolta di racconti romantici tedeschi. In queste pagine viene rielaborata, da scrittori del calibro di Hoffmann e Schlegel, la lunga tradizione delle favole germaniche tanto legata al fantastico e all’irrazionale. Nella letteratura cominciano a entrare i temi del sogno, dell’inconscio, del mistero, della donna come figura seducente e fatale. Si è tentato allora di tradurre questi stimoli in arte lavorando quasi esclusivamente sul segno. Le opere, più che raccontare, trasferiscono in figura delle impressioni che prendono forza e consistenza grazie al rigoroso lavoro del maestro capace di creare oggetti materici e tridimensionali. Tali enigmatiche forme, che debbono molto all’architettura della modernità, decostruiscono le parole per ricomporle in tracce. Come i romantici hanno ripudiato la fredda ragione degli illuministi cercando la genuina poesia del popolo e il riscatto degli oppressi con autentica irrequietezza e voglia di ribellione, così l’artista, avendo in mente il Molise e le sue vicissitudini, anche attuali, ha cercato di rendere il malessere e il disagio di una terra sottoforma di racconto, non smarrendo i valori etici e morali comuni a molta arte del passato. Per contrasto nella mostra trovano una loro dimensione anche i lavori di Cristina Valerio pieni di poeticità, romanticismo, umanità in cerca di desiderio e liberazione.

Ritiene che l’arte contemporanea oggi sia contaminata da una volontà egemonica in qualche modo di parte? Oppure semplicemente non ha gli spazi giusti per poter esprimere l’indagine sociale, e che quindi cerca di imporsi scavalcando i ’riti consueti’?

Con la fine delle avanguardie l’arte ha ceduto buona parte dello spazio culturale che si era andata cercando. Tutte le teorie dell’arte, prodotte dalla fine dell’Ottocento fino a oggi, hanno reclamato il diritto sacrosanto dell’artista di autodeterminarsi; tale libertà, però, è stata fagocitata dal mercato sempre pronto ad appoggiare linguaggi settoriali che non aprono orizzonti di senso ma giocano su “trovate” più o meno efficaci. L’idea che l’arte debba attuare un’azione di indagine sociale, poi, è un falso mito che risale al romanticismo; l’arte deve veicolare il bello attraverso l’utile e in questo modo agire sull’individuo. Il sistema della cosiddetta “produzione culturale” è incapace di creare valori che non siano meramente economici pertanto si avverte la mancanza non tanto degli spazi giusti quanto dell’onestà intellettuale di cercare la qualità e non il mercato, di lavorare in accordo con gli artisti e non con i galleristi, di puntare alla Storia e non al presente. In regione, poi, mancano anche gli spazi e ogni manifestazione diventa ancor più difficile in quanto è come se ogni volta si dovesse ripartire da zero.

Assistiamo un po’ al tutto e contrario di tutto, come è la nostra società attuale del resto. Lei cita ’Lo spirito del mondo’ di Hegel: come si relaziona al nostro mondo contingente?

Non a caso Danto parla di “fine dell’arte” collocando questa fine nel momento in cui l’arte cessa di essere qualcosa di definito, inserito in una cornice narrativa e storica, per diventare un fenomeno “liquido” e non classificabile. Oggi infatti, nell’assenza di ogni riferimento e struttura, tutti i linguaggi sono uguali e pertanto tutti sono relativi e consumabili all’infinito e non c’è più differenza tra sostanza e idea. Hegel parla di “spirito del mondo” nell’ambito della filosofia della storia ma è già inserito nella modernità, ovvero nell’esaltare lo Spirito non fa che celebrare la coscienza di sé che si esprime nella libertà. In quest’ottica lo Spirito del mondo diviene Spirito del popolo con tutte le conseguenze viste nel Novecento. Anche l’arte che si trasforma in coscienza di sé diventa filosofia in quanto non più rivolta alla realtà ma all’indagine dei suoi meccanismi eall’autodefinizione. Proprio da Hegel, infatti, nascono molte teorie critiche del Novecento che tentano di definire cosa sia oggi l’arte o se alcune opere siano o meno arte. Il ’tutto e contrario di tutto’ deriva appunto dalla tale relativizzazione che, se vogliamo, rispecchia pianamente le dinamiche di una società ’orizzontale’.

L’artista è un po’ la sonda intelligente della società. Lei scrive nella presentazione: “Tocca agli artisti farsi promotori di un ritorno all’uomo, pur con le dovute difficoltà. D’altronde la vista è per i romantici l’organo più facile da illudere”..

La figura dell’artista è stata per secoli una figura essenziale nella società in quanto si faceva garante della diffusione, attraverso la bellezza delle immagini, dei suoi valori. Naturalmente non agiva da solo ma aveva alle spalle uomini di cultura (i committenti) capaci di riflettere per il bene della società (polis o comune). Oggi, mi pare, tutto questo si sia perso nell’eccessiva ed egoistica voglia dell’artista di apparire attraverso la novità o la sensazione, attuando quindi sempre più violente azioni di rottura e non ponendosi mai in continuità con la Storia e la tradizione. A riguardo vorrei consigliare ai lettori una rubrica che il prof. Rodolfo Papa tiene su ’Zenit’ e che si intitola ’Riflessioni sull’arte’, dove vengono sviscerate molte dinamiche dell’arte contemporanea. Basti del resto prendere il caso delle Archistars che non lavorano più sul contesto ma realizzano spazi totalmente alieni alle città e che non sono altro che l’esaltazione smisurata del loro ego. Appunto perché la vista è l’organo principale della fruizione, e quindi il più facile da illudere, bisognerebbe cercare di coltivarlo e nondistruggerlo. La perdita dell’ingenuità (visiva) e della possibilità di essere sorpresi è del resto tra gli eventi più gravi della società del consumo.

Nasce a Termoli la TemporaryGallery

2011-08-11T02:28:00.000-07:00

Il concetto di tempo è relativo.

Un elemento che sospende, dilata, rende intersoggettivo il tempo è l’arte contemporanea. E per agire le basta un istante.

Per un mese a Termoli la TEMPORARY GALLERY – GALLERIA D'ARTE (CON)TEMPORANEA propone opere che cambino il nostro senso del tempo, per un attimo, per pochi giorni, o per un mese. Affascinando i nostri sensi e i nostri animi.

L'inaugurazione avrà luogo il 12 Agosto, alle ore 21, nella sede della galleria in corso Umberto n. 81.

In mostra, opere d’arte eterogenee:

i dipinti di EMANUELA DE NOTARIIS e di LUIGI MASTRANGELO, due artisti molisani affermati al livello nazionale ed internazionale;

i dipinti di BARBARA MASTROBERARDINO, artista emergente scelta tra i giovani talenti termolesi;

gli oggetti d’arredo e d’arte di BAKU, ditta fondata da Luca Mastrangelo a Santa Croce di Magliano che ha tra i suoi artisti i succitati De Notariis e Mastrangelo, Nicola Corona, Nicola Macolino, Cesare Pacitti, Fabrizio Passarella, Gianni Pedullà, Gianluigi Venturini.

Durante la serata inaugurale si potranno degustare gli spumanti della CANTINA CATABBO, di recente produzione e presentati con successo durante l'ultimo Vinitaly.

La TEMPORARY GALLERY si propone a Termoli come elemento innovativo e poetico, elisir di benessere interiore.

TEMPORARY GALLERY

Galleria d'arte (con)temporanea

Termoli

Corso Umberto I, n.79

12 Agosto - 13 Settembre

h 19-23

Premio Termoli 2011

2011-08-10T03:48:00.000-07:00

Nato su iniziativa di Achille Pace, il Premio Termoli è giunto alla sua 56esima edizione. Grazie alla tenacia del maestro e alla costante attenzione delle autorità amministrative succedutesi alla guida della città molisana, la raccolta civica si è arricchita nei decenni di pregiate opere d’arte contemporanea, testimonianze preziose della vivacità culturale di Termoli e, più in generale, dell’intera regione. Lo spazio che ospita le opere è quello della ex-chiesa di Sant’Antonio, con un allestimento su due livelli che abbraccia l’intera superficie, compresa la zona absidale.Sono 31 le opere esposte, 15 delle quali fanno parte della raccolta civica, selezionate come le più rappresentative delle diverse stagioni dell’arte contemporanea italiana. Da Carla Accardi a Piero Dorazio, da Tano Festa a Luigi Ontani, da Mario Schifano a Giulio Turcato e lo stesso Achille Pace si ritrovano, in una sorta di collettiva allargata e corale, a dialogare con 16 protagonisti dell’arte italiana degli ultimi decenni. Una scelta, quella del curatore Lorenzo Canova, docente di Arte contemporanea all’Università del Molise e recentemente nominato Sovrintendente della Fondazione Molise Cultura, mirata a far luce su un dialogo ininterrotto tra artisti, che annulla le distanze anagrafiche ed espressive.

Gli artisti contemporanei chiamati a confrontarsi con i loro celebri colleghi comunicano attraverso linguaggi differenti. L’invito è a tessere e ad intrecciare dei fili (come quelli delle opere di Pace) in uno scambio che possa essere al tempo stesso stimolo e narrazione.

Il risultato fa percepire un’armonia simile a una prova d’orchestra dove la cifra stilistica di ciascuno, sia essa legata all’immagine o al più puro astrattismo, non sottintende alcun contrasto generazionale o di scuole. Si avverte, viceversa, una condivisione nel rispetto delle specifiche individualità.

Paolo Angelosanto propone la bandiera come specchio delle contraddizioni del Paese, una chiave di lettura che è denuncia, come quella di Angelo Bellobono che accosta l’orrore della guerra all’opulenza vacanziera; Francesco Cervelli ci porta nelle sue atmosfere liquide e sospese, che inquadrano ambienti simili a set cinematografici; ci sono anche le scomposizioni geometriche e cromatiche di Marco Colazzo, l’Amarcord disincantato e struggente di Mauro Di Silvestre, l’intenso vigore pittorico dei personaggi senza tempo di Stefania Fabrizi, i simboli dei quattro Evangelisti di David Fagioli che diventano punti cardinali nei suoi segnali stradali; in mostra anche Francesco Impellizzeri, che impagina la sua attività di performer definendone ironicamente dettagli e contorni; le fragilità dei sottili lacerti di carta, che, attraverso le mani di Susanne Kessler si impadroniscono di volumi definiti, facendosi scultura; la raffinata ricerca pittorica di Federico Lombardo negli acquarelli e nelle rigorosissime pennellate digitali dei suoi ritratti, le giovani intuizioni di Manovella (Luciano Sozio) che assimila e restituisce le lezioni dei suoi più diretti maestri; è presente anche Ernesto Morales, con i suoi paesaggi che parlano di antiche rotte di migrazione e della dolce malinconia della lontananza; la ricercatezza tecnica che si mescola al glamour allusivo e pop di Adriano Nardi; il filo della narrazione, scandito con tratto meticoloso da Andrea Nicodemo; l’aria nitida e immobile del sole africano, che Luca Pace vede con occhio sensibile e onirico, mentre Marco Verrelli traduce in termini poetici e meditativi le inquadrature alienanti metropolitane.

La mostra resterà aperta fino al 24 settembre (con orario: luglio-agosto: 17-24; settembre 10-12 / 17-20); al termine, la giuria decreterà tra i 16 artisti partecipanti il vincitore del Premio.

Va infine segnalato che l’amministrazione cittadina, attraverso l’Assessore alla cultura Cocomazzi e contestualmente all’inaugurazione del Premio Termoli, ha aperto al pubblico un nuovo spazio museale da poco ristrutturato (in Corso Fratelli Brigida ) dove, in un allestimento sperimentale, sono stati esposti una ventina circa di lavori di Gualtiero Nativi, Remo Brindisi, Turi Sottile, Lia Drei, Marisa Busanel, Paolo Borrelli ed altri artisti; sono previsti orari di visita nel weekend nell’arco dei prossimi sei mesi, in seguito le opere esposte verranno sostituite da altre tra le ben 400 della raccolta civica.

Si resta quindi in attesa di scoprire il nome del vincitore del premio Termoli, ma, nel valutare l’atmosfera che si è percepita all’inaugurazione, il vero trofeo se l’è già aggiudicato la coralità, il clima tutt’altro che competitivo tra gli artisti presenti che frequentano amichevolmente gli studi e le mostre gli uni degli altri; l’immagine è quella di un’allegra foto di gruppo, sorprendente ed impensabile per chi vede troppo spesso nel mondo dell’arte il riflesso di una società astiosa poco incline alla leggerezza di un confronto sereno.

Maria Arcidiacono su Artapartofculture

MatriceArte 2011

2011-08-07T06:35:00.000-07:00

“Immaginari Grafici”
MatriceArte,
Dal 7 al 16 Agosto 2011 Santa Maria della Strada, Matrice, Campobasso.
A cura di Antonella Morrone

Inaugurazione 7 Agosto 2011 ore 19 00

Immaginari Grafici intende proporre al pubblico uno sguardo sulle diverse interpretazioni possibili e sui molteplici percorsi conducibili all'interno della grafica, l'illustrazione e l'animazione. I dodici artisti invitati porteranno in mostra i loro "mondi" e presenteranno i loro approcci, esemplificando e testimoniando diversi linguaggi, percorsi, attitudini possibili. Al di là delle differenze, ciò che questi condividono è una consapevolezza critica nei confronti delle possibilità della grafica e della propria posizione all'interno della comunicazione visiva in questa epoca in cui siamo bombardati in continuazione da immagini e messaggi.

Andrea Moresco

Cosimo Paiano
Daniele Giantomaso
Erica Calardo
Flavio Boretti
Giulia Magagnini
Luca POP
Mariagrazia Colasanto
Michele Tomasini
Niko Vitiello
Stefania Giunchi
Vincenzo Cianciullo

Sepino, ovvero l'Italia

2011-08-05T02:07:00.000-07:00

Tomaso Montanari

Il Fatto quotidiano 15/7/2011

Solo Galan può fermare il cantiere

Immaginatevi Piazza San Pietro con sedici pale eoliche piantate nel Colonnato berniniano: sedici pale alte centotrenta metri, cioè esattamente quanto la Cupola. O immaginatevi questi mostri sulla collina di Fiesole, sopra Firenze. O torreggianti sull'isola di San Giorgio, di fronte a Piazza San Marco, a Venezia. Bene, grazie a una sentenza del Consiglio di Stato di pochi giorni fa qualcosa del genere sta davvero per accadere: quelle sedici, gigantesche pale eoliche stanno per essere installate sulla città romana di Sepino, in Molise. E qui immagino le alzate di sopracciglio: «Ma non vorrai paragonare questa Sepino con Piazza San Pietro, o col Bacino di San Marco?». E invece è proprio quello che voglio fare. Sepino è uno dei luoghi più belli ed emozionanti che abbia visto nella mia vita. Una città romana non meno commovente di Pompei: una città vera, non uno scavo leggibile solo dagli specialisti. Una città con le mura in piedi, con il teatro agibile, con le strade, le botteghe, gli archi, le iscrizioni. Una città in cui le piccole basiliche si sono trasformate in masserie settecentesche, in parte ancora abitate e circondate da animali. Una città che, a differenza di Pompei, è ancora immersa in una natura intatta: la meravigliosa valle del Tammaro, chiusa da colline dolcissime su cui corrono i tratturi nati sui tracciati, e a volte sui selciati, delle strade romane. Camminando per Sepino hai la sensazione di camminare nel tempo, sembra di essere nel Campo Vaccino, cioè nel Foro Romano quand'era un pascolo: fino all'età di Goethe. Ma, soprattutto, a Sepino capisci cos'è, davvero, l'Italia: o meglio cos'era, e cosa potrebbe continuare a essere. Un paese irriducibile al campionario di pochi luoghi simbolo, e che consiste invece nella capillare diffusione di siti meravigliosi, nel tessuto continuo di storia e natura ormai fuse in un paesaggio culturale unico al mondo. Qualcosa di incompatibile con la dimensione "televisiva" della comunicazione contemporanea, che ha bisogno di nomi celeberrimi e di continua, alienante celebrazione dell'ovvio. Né aiutano i giornali, maniacalmente interessati al singolo "capolavoro" inedito: solo nelle ultime settimane, quanto spazio è stato dedicato allo pseudo-Caravaggio spagnolo, all'improbabile Leonardo americano, e ora all'ennesimo finto-Michelangelo dell'instancabile Antonio Forcellino! Come se, dimentichi del mare e della sua salvezza, ci lanciassimo in una inutile, frivola e per giunta fallace ricerca delle conchiglie rare, riducendo la storia dell'arte a un'enigmistica da ombrellone. Se l'opinione pubblica nazionale, almeno quella più colta e avvertita, sapesse cos'è Sepino, devastarla con le torri eoliche sarebbe impensabile come lo è per Piazza San Pietro, o per Venezia. E invece sta succedendo. Il tratturo-strada romana è stato trasformato in una strada di cantiere (!), e i mezzi meccanici hanno cominciato ad agire. A quel punto è scoppiata una battaglia: per ora solo legale, anche se non è difficile immaginare un esito tipo "No Tav". Essa riguarda tutto il Molise: su una regione di 4000 chilometri quadrati si vorrebbero installare 3500 pale, per un business (con molti lati oscuri) calcolato in 60 miliardi di euro. Contro questo Golia, lotta un coraggioso, ammirevole David composto da 136 associazioni culturali, comitati spontanei e organizzazioni varie. E lo Stato, da che parte sta? II nuovo direttore regionale del Ministero dei Beni culturali, Gino Famiglietti, ha invertito la linea lassista dei predecessori (quella che è all'origine dell'attuale sentenza del Consiglio di Stato), ed è ora il più forte difensore di Sepino. Il presidente della Regione sta invece con le pale, anche se la pressione crescente della cittadinanza attiva molisana sta cominciando a fare breccia. Ora la palla è a Roma, nelle mani del ministro Galan. C'è infatti solo un modo per salvare Sepino: approvare, e in fretta, una legge speciale che scavalchi tutti i cavilli e vada al cuore del problema. In attesa che una seria manutenzione del recente Codice Urbani renda efficace una rete di protezione che salvi l'Italia. Che non è "Roma più Firenze più Venezia": quella è Las Vegas.

Struttura e intervalli - Sergio Lombardo all'Officina Solare con gli artisti della galleria

2011-08-04T05:58:00.000-07:00

Struttura e intervalli dal sito della galleria

Il padiglione molisano della Biennale - recensione

2011-08-03T07:32:00.000-07:00

Lunedì 11 luglio si è inaugurato a Isernia, presso l’Officina della Cultura, il Padiglione molisano per la 54° edizione della Biennale di Venezia, padiglione che rientra in un più complesso sistema di sedi espositive curate dal critico Vittorio Sgarbi. Le discussioni non sono certo mancate, anche se l’idea di far partecipare tutte le regioni alla prestigiosa manifestazione è stata forse la proposta più interessante della rassegna, per la volontà di censire e recensire l’intero territorio dando modo anche agli artisti locali di partecipare alla prestigiosa kermesse. In Molise tale manifestazione artistica è di sicuro la più importante dai tempi della Biennale del Sud, ospitata nel 1988 al castello di Gambatesa, ma è stata recepita poco dagli organi di informazione pronti ad elogiare la “politica” ma poco propensi, o adatti, a riflettere sul merito delle opere e della selezione. Premetto subito che il padiglione funziona e lo stesso Sgarbi ha elogiato i locali dell’ex capannone ferroviario che, anche visivamente, sembra una propaggine dei padiglioni veneziani; l’allestimento minimale da il giusto spazio e peso alle opere perfettamente a loro agio nella struttura. Forse proprio la limitatezza della selezione ha permesso una maggior fruibilità dei lavori, cosa per esempio non avvenuta nel padiglione italiano. A parte qualche eccezione i lavori sono interessanti in quanto la visita non risulta noiosa, anzi permette il confronto con una grande varietà di linguaggi, e anche la presenza di diversi giovani (molti però residenti fuori regione) è un buon segnale di vivacità e rinnovamento dell’ambiente artistico. Qualche perplessità, oltre all’assenza di una linea curatoriale e ad una commissione inviti rimasta nel vago, deriva dalla mancanza di diversi artisti storici e storicizzati poiché si è persa l’occasione di dar il giusto riconoscimento a figure che hanno sempre lottato per e con l’arte contemporanea, in tempi nei quali il territorio era chiuso alle avanguardie. Anche se una Biennale non deve essere il luogo della memoria a mio avviso l’occasione era la più adatta, se non altro per l’ampio richiamo mediatico, per presentare al grande pubblico una completa? selezione dell’arte molisana che tra l’altro mostra proprie peculiarità poco recepite dalle nuove leve che, vuoi per vuoto istituzionale o desiderio di evasione, sono costrette a lavorare fuori regione interrompendo quel legame con le proprie origini e recependo così altri stimoli. Come premesso vorrei offrire ai lettori di Zenit brevi recensioni delle opere, per dare il giusto spazio sopratutto agli artisti, con la speranza che questa significativa e riuscita iniziativa possa portare in regione un rinnovato interesse per l’arte contemporanea che si risolva con la programmazione di nuovi eventi che possano colmare il vuoto lasciato dalla selezione. Giacinto Occhionero presenta un dipinto su plexiglas, Membra Collant, che raffigura, con surreale commistione, un incrocio tra uno squalo e una gamba femminile; “l’animalizzazione” dell’arto veicola sensazioni di velocità e rapacità che si traducono in un’esplosione di forme e colori. Michele Sottile con Il suono è il primo movimento dell’immobile (omaggio a Giacinto Scelsi) unisce pittura e video: mentre gli inchiostri su carta diventano essenziali pentagrammi immaginifici con linee e segmenti che formano moduli e scansioni ritmiche (in riferimento alla musica microtonale di Scelsi), nel video un rumore di fondo distorto commenta immagini di stanze alterate cromaticamente o onde marine. Dante Gentile Lorusso, in Lettera d’amore, crea una composizione di segni, ovvero attraverso l’uso di un linguaggio perduto/inventato gioca tra senso e spaesamento dove il senso è dato dalla riconoscibilità scritturale delle forme, lo spaesamento dalla loro incomprensibilità. Ernesto Liccardo con L’urlo e Fukushima lavora su tele che si piegano all’essenza delle impressioni, veicolando con distacchi spaziali e colori disfatti un malessere interiore; ecco allora che le opere diventano come cellule cancerogene della società moderna. Michele Mariano in My Time-Personale Time riflette con lo spazio (dell’installazione) e col tempo (del video e della sua performance): nella differenza tra tempo e durata, postulata da Bergson a fine ‘800, si gioca gran parte dell’arte contemporanea, mentre nell’inconciliabile scissione tra il mondo e la coscienza individuale deriva l’abbandono ad un eterno presente. Luigi Mastrangelo espone Lo stagno e Il Bosco; in queste tele figure oniriche, a metà strada tra cartoni animati e divinità pagane, sono raccontate e descritte col linguaggio pop dei colori primari e della bidimensionalità che annulla la loro individualità. Vincenzo Mascia riflette sulla struttura interna/esterna delle forme; in Quadrato-struttura, Onda-struttura e Tondo-struttura la configurazione delle sagome diventa una poetica del ritmo, della distanza, dello spazio con la geometria che supera l’espressione. Giuseppe Capitano espone Artigli, un’installazione surreale che presenta due zampe di gallina ingigantite e sospese; l’ingrandimento del particolare annulla il legame delle forme con la natura giocando sulla sorpresa e l’eccesso. Giulia De Filippi in + e – e Brian Map gioca con le parole e con dualismi (positivo/negativo, forme/colore, destra/sinistra, sapere/non sapere) veicolando le contraddizioni delle forme e dei concetti trasmessi dalle conformazioni e dai sistemi. Paolo Borrelli porta in Biennale delle tavole che formano un ideale polittico (Una rotta parola, Revolutionand Repetition, La dolce menzogna, Non pena, non febbre, non ombra): all’interno dei profili della testa dell’artista sono inserite delle immagini che raccontano, attraverso il montaggio visivo, le contraddizioni della Storia intesa come accumulo di documenti difficilmente decifrabili e ricomponibili in maniera univoca. Caterina Notte presenta due foto dalla serie Arm Candy e un video: la femminilità, con modalità voyeuristiche, è esibita senza limitazioni e si apre ad una sessualità esplicita che gioca col tema del doppio, della sensazione e della simulazione. Umberto Petrocelli in Rejoicel lavora sulla specularità delle forme (animali, oniriche, fantastiche, lontanamente pop) organizzate in un’apparente simmetria visiva, e presenta anche il videoclip del singolo dei Lapingra, This is not a test, per il quale ha curato regia e costumi; video surreale e barocco, elaborato e sfuggente nel raccontare la fantasiosa cacciata di un dittatore. Manovella ne La Notte e il Santo e L’ultimo Beethoven, col suo peculiare stile minimale e poetico, dispone sulla tela tutti quegli elementi capaci di ricreare una storia, da decifrare come fosse un rebus o immaginare con fosse un sogno. Esplosione cosmica e Risonanza magnetica di Helena Manzan sono due grandi tele dove colore e sostanza deflagrano in intensi cangiantismi e grumi materici; pur nel disordine derivato da una pittura d’azione violenta e vigorosa si percepisce una studiata elaborazione della superficie che diventa anche luogo della memoria (l’uso della pelle di serpente richiama le sue origini brasiliane). Elio Franceschelli col Suicidio del caciocavallo (già raccontato nel numero precedente) realizza un’opera dal chiaro intento polemico nello smontare le velleità del curatore Sgarbi che avrebbe voluto esporre come opera addirittura il culatello di Parma; il gesto del caciocavallo, allora, diventa metafora del naufragio del sistema dell’arte. Valentino Robbio con le sue installazioni, The Trip e O.G.M. (organi geneticamente modificati), lavora sullo spazio nel realizzare scenografici allestimenti di oggetti incongruenti che attraverso una genuina ironia e un’intelligente sarcasmo spiazzano il fruitore. Igor Verrilli, con la sua pittura iperrealista, presenta tre tele che raffigurano altrettante copertine di riviste (Il grande bluff - Flash art, Sdoganamento - Famiglia Cristiana, Che Bella Italia - Bell’Italia) “rivisitate” con l’inserimento di notizie inventate ma desunte dall’attualità nazionale e regionale; la veridicità delle composizioni si scontra con la satira disorientando il fruitore/lettore. Andrea Nicodemo per You don’t under stand that i love you realizza una composizione polimaterica e minimale giocata sull’esibizione e sfoggio dell’organo dell’amore, con una domanda: cuore o pene?

Tommaso Evangelista

Su Zenitmagazine di Agosto

Ferhat Ozgur e il Molise

2011-08-02T04:35:00.000-07:00

"Un'Espressione Geografica" è una mostra prodotta dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e curata da Bonami. La formula, per i 150 anni della nazione, è quella di inviare un artista internazionale in ogni regione, sotto la guida di un curatore locale, e poi esporre i lavori frutto di quell'esperienza. Al Molise è toccato il turco Ferhat Ozgur e questi sono i suoi lavori ispirati ai Misteri.

ITALIA 2011

arte e paesaggi Frammenti di presente, pezzi di passato. Venti artisti raccontano anarchicamente il nostro paese, regione per regione. Risultato? Una grande mostra di opere personalissime, instabili e irriverenti (dal 19 maggio a Torino)

di Giovanna Amadasi

Foto courtesy degli artisti
Ricordate la cartina politica dello stivale divisa in quelle forme colorate in rosa, verdino, giallo, azzurro, sempre appesa dietro le foto di classe? Era un'Italia bidimensionale e semplice, divisa in venti regioni, una vicina all'altra, separate da una sottile linea tratteggiata e perfettamente coincidenti come le tessere di un puzzle: è così che ce l'hanno insegnata a scuola e noi davamo per scontato che sarebbe sempre stata così, piana e comprensibile. Eppure oggi che l'identità italiana è tornata a essere una questione spinosa, ci ricordiamo che lo è sempre stata: forse perché dall'altra parte della mappa tutte quelle montagne, fiumi, vallate, isole e penisole, quelle coste frastagliate e scoscese hanno reso il nostro paese poco incline alla semplicità. Il primo a sottolinearlo fu il ministro austriaco Metternich, che nel 1847 definì l'Italia "un'espressione geografica": a dire che per fare un nazione ci vuole ben altro che un collage di pezzi di terra e qualche poeta sparso qua e là. Se la presero in molti, a quei tempi: tanto che la frase incriminata divenne uno degli slogan delle rivoluzioni del '48. Oggi invece, a dribblare nazionalismi, idelogismi e federalismi un po' cialtroni, ma anche quelle celebrazioni centocinquantenarie sbiadite come il compleanno di una vecchia zia, ci pensa un curatore fiorentino globalizzato nel museo di una signora torinese che al posto dello zerbino usa il tappeto di Cattelan a forma di Formaggio Bel Paese: Francesco Bonami porta infatti alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, una mostra intitolata proprio come la famosa e vituperata frase di Metternich, "Un'Espressione Geografica". "Sono partito dall'idea che la disunità e la diversità, quella linguistica e quella culturale, quella territoriale e quella umana, sono la nostra principale ricchezza", dice mentre si sposta tra New York, Firenze e chissà dove. "Anche sulle monete americane, in fondo, c'è scritto E Pluribus Unum, dalla moltitudine una cosa unica. Così ho invitato venti artisti che vivono e lavorano in Europa a fare un viaggio alla scoperta dell'Italia che non esportiamo all'estero: più sconosciuta, meno modaiola ma più interessante. E loro, senza pregiudizi e senza snobismi intellettuali, sono andati a scovare uno zoccolo duro dell'Italia regionale fatto di persone, usi, tradizioni, dettagli che noi per primi non conosciamo o che abbiamo incautamente dimenticato. Per poi magari andare fino in America a cercare il mito dell'on the road". Concepita come una specie di lotteria - a ciascun artista è stata assegnata, a sorteggio, una delle venti regioni d'Italia - ma anche come un viaggio goethiano contemporaneo, questo progetto iniziato quasi un anno fa ha portato i nostri venti in giro per l'Italia con l'autorizzazione a uscire dalle rotte e a perdere tempo, a soffermarsi sui dettagli anziché sul disegno d'insieme, a seguire le tracce del territorio, del proprio immaginario, di quella parte di sé che si ritrova quando si vedono cose nuove e inaspettate. E loro hanno eseguito il compito con anarchica determinazione, riportando frammenti di presente e pezzi di passato, dettagli nascosti o meraviglie sotto gli occhi di tutti, trasformati in opere personalissime, instabili, irriverenti. I graffiti sui muri dell'università occupata e i vecchi banchi di una scuola romana degli anni Quaranta; l'ultimo ristorante dove Pasolini cenò e i segni misteriosi della civiltà camuna; una villa palladiana e il gradino del santuario di Loreto dove i pellegrini hanno lasciato traccia del loro passato; i tetti di paglia delle case altoatesine e gli occhi scavati nella pietra che guardano dai muri di un palazzo torinese; il giardino botanico di Napoli e le lavagnette con i numeri della smorfia: i lampi di visioni dei venti viaggiatori che hanno prima immaginato, poi guardato, poi raccontato l'Italia non si incastreranno mai nel puzzle rassicurante di una cartina geografica. Piuttosto in un mosaico fatto di innumerevoli tessere dove l'Italia è al tempo stesso più locale e più globale di come siamo abituati a figurarcela, uno stratificarsi di storie, di passaggi, di fili rossi intrecciati con l'Europa e col mondo: un affascinante, quasi illeggibile enigma che gli artisti sintetitizzano in simboli e immagini potenti. Ferhat Ozgur arriva dalla Turchia: e non si aspettava che Campobasso somigliasse così tanto ad Ankara. Ma soprattutto che in Molise esistessero viadotti come quelli di una megalopoli americana che portano a villaggi sperduti di pastori e stradine che si inerpicano su per i monti, che le pale eoliche futuristiche potessero convivere con le celebrazioni di misteri religiosi ancora medioevali: e porterà a Torino un coltello lungo 9 metri preso a prestito da un museo locale, simbolo di un geniale artigianato che sta per scomparire. Poi c'è la Campania vista con gli occhi di chi, come Gabriel Kuri, la trova più caotica di Città del Messico (la sua città d'origine): e pensa che "l'ossessione per la lotteria, i codici linguistici della smorfia e quelli della camorra nascano dal desiderio di controllare il caos". Un caos che domina tutto: la storia, le istituzioni, il linguaggio, e che lui sintetizza in foto di numeri scritti ossessivamente e di piante classificate con certosina dedizione nel giardino botanico di Napoli. Della Valle d'Aosta la fotografa coreana Sunah Choi non guarda le strepitose montagne: bensì l'invisibile lavoro per rette e orizzontali che l'uomo ha messo nel costruire muri di case che potessero opporre con la loro simmetria il senso di un'ordine come contraltare all'incombenza di una natura estrema. Mentre l'inviato in Lombardia Ibon Aranberri ignora felicemente città, industrie e design. E va alla ricerca delle tracce preistoriche dei graffiti della Val Camonica: per scoprire che la rosa camuna è stato il primo segno grafico lombardo, diventato poi quello della Regione grazie alla mente geniale di Munari e soci. Johanna Billing, dalla Svezia, descrive un'Italia inintelleggibile come una macchia di Rorshack. Quando sbarca a Fiumicino le cose che la colpiscono sono "la scarsità di bambini e il fatto che i docenti universitari non vengono pagati". Perciò si chiede cosa significa da noi educare e lo fa in un percorso a ritroso nella storia dei quartieri popolari di Roma attraverso gli occhi di cinque bambini: da una vecchia scuola degli anni Quaranta fino a una rete da calcio abbandonata sulla spiaggia dove Pasolini morì. È lui - con buona pace di Garibaldi e Mazzini - l'unico vero eroe nazionale per molti di questi artisti, che ancora oggi lo interrogano per capire qualcosa di noi e di se stessi: Nathaniel Mellors, inglese, sceglie per il suo lavoro Villa Pisani a Padova, dove Pasolini gira nel 1968 Porcile, inquietante metafora in cui il cannibalismo faceva rima con il capitalismo vorace che stava trasformando il paese. Le cartoline dall'Italia che costituiscono questa mostra non le troverete negli uffici del turismo: e infatti arrivano dai territori dell'arte, ambigui e inaspettati quanto basta per provare a dare tante soluzioni possibili, di cui nessuna definitiva, a questo nostro amato e odiato enigma italiano. - "Un'Espressione Geografica" è prodotta dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e da Banca Fideuram e sarà aperta dal 19 maggio al 27 novembre 2011 in via Modane 16 a Torino. www.fsrr.org

Castropignano: storia, arte, archeologia

2011-07-30T07:11:00.000-07:00

- Gabriella DI ROCCO, archeologa:

“Castropignano ed il suo castello: vicende storiche ed evidenze archeologiche.”

- Franco VALENTE, architetto e storico dell’arte:

“Le croci stazionarie e le chiese antiche di Castropignano.”

- Tommaso EVANGELISTA, storico dell’arte:

“Autentica artista. L’esperienza pittorica di Gilda Pansiotti.”

A seguire (ore 19.00) sarà inaugurata la mostra:

“L’ARTE COLORA LA VITA. L’OPERA PITTORICA DI GILDA PANSIOTTI 1891-1986” (convento di Santa Maria delle Grazie).

Castropignano 6-13 Agosto (orario: 17,00-20,30)

Duronia 14-21 Agosto.

Valentino Robbio

2011-07-30T04:35:00.000-07:00

O.G.M. (organi genitali maschili) Padiglione Molise - Biennale

Codice lapidario - personale di installazioni di Luciana Picchiello

2011-07-26T10:00:00.000-07:00

Il Museo Archeologico di Isernia ospita nei propri percorsi espositivi le opere di un'artista, Luciana Picchiello, nota per la sua versatilità nell'esplorazione di nuovi percorsi artistici, operando con la scultura, la pittura, la scrittura. Il richiamo alle tematiche funerarie, la traccia di esistenze terrene ormai scomparse affidata a pochi segni incisi sulla pietra trovano convergenza con i reperti e i percorsi museali, in un codice che si rinnova nel tempo. Tale diversa chiave di lettura del Lapidario romano, arricchito dalle creazioni dell'artista che vengono ad interagire con il percorso tradizionale, rinnova e rende più stimolante la visita al Museo.

Viaggio nelle terre del centro-sud: alla scoperta delle specialità molisane - di Gemma Pranzitelli

2011-07-23T00:55:00.000-07:00

Ottimo articolo di Gemma Pranzitelli, redattrice di exibart, che traccia un sunto della situazione dell'arte contemporanea in Molise, con molti spunti sui quali riflettere e segnalazioni.

(Fonte: exibart)

Infatti qualcosa già si muove nel 'silenzioso' Molise. Exibart ha scovato alcune realtà che brulicano dalle zone della 'transumanza' fino alla spumeggiante costa azzurra di questa "micro” regione che ha voglia di mostrarsi anch'essa, in punta di piedi, nel panorama dell'arte contemporanea italiano, ma anche (perché no?) internazionale, con nuove collaborazioni e progetti. Andiamo pertanto a conoscerne i protagonisti e i luoghi piú caldi e attivi. Partiamo con la rappresentante per eccellenza del pop surrealism molisano,Emanuela de Notaris (Termoli-CB-, 1977) che nonostante abbia vissuto per 10 anni a Roma e a Barcellona, ha organizzato vari eventi in Molise collaborando con tutte le realtà piú interessanti. Esempi? FUORILUOGO 14 INTERRELAZIONALE (dal 12 dicembre 2009 al 7 gennaio 2010, mentre l’edizione numero 15 ha avuto luogo dal 18 Dicembre 2010 al 23 Gennaio 2011 con il titolo ‘Una regressione Motivata’), che ha curato insieme a Silvia Valente, svoltasi in due sedi (Galleria Limiti Inchiusi arte contemporanea in via Muricchio 1, fondata nel 1994 a Campobasso, e la Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli) dove ha portato tra gli altri artisti come Emilio Fantin e Cesare Pietroiusti. Per 'Molise Cinema', Emanuela De Notaris ha realizzato videoinstallazioni nel centro storico del paese. Per l’edizione 2011 l'evento si svolgerà sempre a Casacalenda (dal 2 al 7 agosto), cittadina che tra l’altro vanta anche un museo all’aperto d’arte contemporanea ovvero "Kalenarte” che propone artisti di spessore come Varotsos, Nagasawa, Colaianni , ed anche una bella collezione permanente. Ma l'artista De Notaris é nota anche per essere la creatrice di 'Art Shake', il primo festival di arti visive e performative in Molise a presentare artisti giovani e innovativi, che ha poi esportato a Roma e a Berlino. Attualmente Termoli é la sua base operativa (snobbando volontariamente il sistema galleristico romano), e sta portando avanti un progetto in collaborazione con Luca Mastrangelo, "L-ama”, che lega insieme i suoi disegni e le parole dell'autore, e uscirà sul web con un simpatico progetto interattivo. Luca Mastrangelo, oltre ad aver co-curato Art Shake a Roma ed aver scritto per il teatro sperimentale da anni, ha aperto una ditta a Santa Croce, la 'Baku-arte' con complementi d'arredo realizzati da artisti.

Luigi Mastrangelo (S. Croce di Magliano- CB-, 1958, figlio d'arte: il padre novantenne, è un pittore di paesaggi e scene rurali) è invece uno degli esponenti della pittura mediale ed amico di Ontani. Nonostante sia abbastanza noto a Bologna, è molto legato a S. Croce, tanto da essere riuscito ad aprirvi un museo di arte contemporanea, il "Sacrocam" ( S. Croce Contemporary Art Museum), che presenta opere di noti artisti italiani come Tano Festa, Luigi Ontani e Karin Andersen. Altra realtà interessante ancora una volta a Santa Croce, è il gruppo di teatro sperimentale Abraxas (Nicola Macolino, 1974, e Azzurra De Gregorio, 1985, originaria di Termoli), in passato coinvolti in "Art Shake e Re/Generation” per cui hanno realizzato delle performances.

L’artista concettuale Michele Mariano (nato a Montagano), dopo anni passati a Bologna e tanti progetti con Luigi Mastrangelo (tra cui l'apertura di 'Cabaret Voltaire' negli anni ‘90), è tornato in Molise dove collabora con varie realtà tra cui "Provvidenti Borgo della Musica”: progetto che ha permesso ad uno dei comuni piú piccoli d'Italia di diventare un laboratorio stabile per permettere ad artisti e musicisti ( emergenti, noti e medio/noti) di sperimentare e creare nella calma e nel "silenzio” della campagna di Provvidenti (epicentro nel 2002 del terremoto che colpí gravemente anche San Giuliano di Puglia). Mastrangelo ha organizzato inoltre un importante festival della creatività molisana a Faifoli, il KMF, un innovativo short event che si svolge presso il polo museale a Faifoli, vicino Montagano, con un ricco programma di eventi, performance, piece teatrali, live art.

Tra i musei d’arte contemporanea in Molise, non si può non citare il MACI a Isernia, sotto la guida del celebre curatore Luca Beatrice, che pur avendo realizzato negli anni notevoli mostre a livello internazionale, si è rivelato inefficace per la scarsa attenzione al territorio e l’assenza di una politica di valorizzazione e fruizione della collezione permanente. Recentemente, invece, a Campobasso è nato AxA (via colle delle Api, 170), l’openspace che la Palladino Company offre agli artisti per promuovere l’arte e la cultura.Vi segnaliamo anche l'innovativa e underground attività de l’ARATRO (via F. De Sanctis, CB, secondo edificio polifunzionale), archivio delle arti elettroniche e laboratorio per l’arte contemporanea, dell’Università del Molise sotto la guida del professore Lorenzo Canova.

Tra gli artisti storici, gli "old" dell'arte made in Molise troviamo Achille Pace (classe 1923, termolese, creatore dello storico "Premio Termoli” circa sessantanni fa; la 56 edizione é curata da Lorenzo Canova); Nicola di Pardo (artista termolese, poeta di componimenti in vernacolo, autore di numerosi libri, restauratore e storico designer di scarpe); Gino Marotta(Campobasso, 1935; vive a Roma) che l'anno scorso ha esposto al MACRo Museo d'arte contemporanea di Roma (dal 12 ottobre 2009 al 10 gennaio 2010) realizzando per l'occasione anche un'operasite-specific 'Ricognizione virtuale della savana (2009)'.

La costa molisana si caratterizza per la presenza di altri giovanissimi talenti, tutti da scoprire! Da Termoli, città di mare nota per il Castello Svevo di Federico II(risale al 1247 e location privilegiata per allestire mostre) e uno squisito brodetto di pesce, proviene Ettore Frani (1978, Termoli), quest'anno selezionato da Vittorio Sgarbi e dalle Accademie di Belle Arti Italiane per l’Evento Speciale del Padiglione Italia Lo Stato dell’Arte/Padiglione Accademie alla 54^ Biennale d’Arte di Venezia, ed invitato ad esporre per Giorni Felici a Casa Testori. In uscita la sua prima monografia d'artista (Vanillaedizioni) con testi di Stefano Castelli e Massimo Recalcati. Nel Basso Molise, la scena giovanile underground ha sfornato apprezzati talenti che a suon di spray hanno colorato le vite quotidiane dei cittadini: un caso eclatante tra tutti, il writer termolese Sebastiano Bucci (1989), nipote di Nicola Di Pardo, che ha realizzato un mega-ritratto di Salvador Dalí sul lungomare, divenuto ormai un pezzo riconosciutissimo e amatissimo dagli abitanti che, invece della rimozione, ne richiedono addirittura il restauro nonostante sia un 'graffito'. Per rimanere in tema street art, vi offriamo anche questa news: l'artista e writer Blu(Senigallia, Ancona) ha appena realizzato un nuovo murales nella zona del Terminal Bus di Campobasso! La formazione artistica giovanile è alimentata da iniziative brillanti come quella proposta agli allievi del liceo artistico "B. Jacovitti” di Termoli: grazie al coordinamento del professore e artista termolese, Nino Barone (1955, fondatore nel 1976 del "Gruppo Solare”, allievo a sua volta di Achille Pace, e a marzo 2011 in mostra allo Spazio Juliet di Trieste), gli alunni imparano a gestire una galleria d'arte al centro di Termoli con la collaborazione, inoltre, del giovane Tommaso Evangelista, anch'egli particolarmente attivo nella sua attività di voce critica sull'arte contemporanea in Molise, con la gestione anche di un blog ad hoc.

Padiglione Molise - Biennale

All'interno di questa project room dal nome "Officina Solare"(via Marconi 2, Termoli), oltre a progettare mostre e proporre eventi, gli allievi possono farsi conoscere esponendo le proprie opere. Lo spazio espositivo per quest’estate termolese dal 6 al 18 agosto ospiterà anche Sergio Lombardo della Scuola di Piazza del Popolo di Roma, con la collettiva d'arte contemporanea "Struttura e Intervalli”. Il nome del Liceo Artistico (che a maggio ha ospitato anche "Tracker art”, convegno della giovane critica d’arte italiana) deriva da Benito Jacovitti (Termoli, 1923 – Roma,1997), noto autore di fumetti, ideatore tra l'altro di personaggi come Cocco Bill su Il Giornalino e, Zorry Kid sul Corriere dei Piccoli dal 1968 al 1982. Proprio qualche giorno fa (11 luglio 2011), invece, all’Officina della Cultura e del Tempo Libero di Isernia, é stata presentata la selezione molisana di 18 artisti della Biennale di Venezia, alla presenza di Vittorio Sgarbi: Paolo Borrelli (Gorizia, 1959, vive a Campobasso), Giuseppe Capitano(Campobasso, 1974) , Giulia Di Filippi (Castel di Sangro. 1949), Elio Franceschelli (1955, Gallo Matese(CE), vive e lavora tra Isernia, Los Angeles e New York), Dante Gentile Lorusso(Oratino,1957), Ernesto Liccardo(Napoli, 1954, lavora ad Isernia), Luciano Sozio in arte Manovella (Isernia, 1979), Helena Manzan (Brasile nel 1960), Michele Mariano (Montagano), Vincenzo Mascia(S.croce di Magliano, 1957) , Luigi Mastrangelo, Andrea Nicodemo (Termoli nel 1976) , Caterina Notte (Isernia, 1973), Giacinto Occhionero (Campobasso, 1975), Umberto Petrocelli (Isernia, 1981) , Valentino Robbio, Michele Sottile(Termoli), Igor Verrilli (1969, Benevento).

La micro-realtà dell'arte contemporanea molisana (di cui non si possono riportare proprio tutti i nomi o gli eventi, quindi perdonateci se ce n' é sfuggito qualcuno) é destinata a crescere, se non altro perché il talento c'é, ma insieme ad un'intenzionalità curatoriale di qualità, potrebbe diventare un giorno un nuovo polo di scambio culturale italiano. L'artista De Notaris afferma:"Sarebbe bello poter trovare Exibart anche a Termoli. Devo dire che occuparsi di cultura e soprattutto di arte contemporanea in Molise è come sfidare i mulini a vento alla Don Chisciotte", ma la voglia di scombinare le carte in tavola c'é. Sotto a chi tocca dunque per portare avanti l'impresa!".

a cura di Gemma Pranzitelli

Un caciocavallo alla Biennale

2011-07-22T03:11:00.000-07:00

Il titolo dell’opera di Elio è “Il suicidio del caciocavallo” (sottotitolo “gli è stato fatale il culatello”) e nasce da un passo della conferenza stampa di Sgarbi per la presentazione del Padiglione dove il critico si sofferma a parlare per più di venti minuti del culatello di Parma. Alla domanda di un giornalista che gli rimproverava la poca coerenza del suo discorso con l’arte Sgarbi, infervorato, cominciava una difesa del culatello in quanto prodotto tipico dell’Italia e delle sue scelte che, dobbiamo dire, non sono state delle migliori, con tanto di uscita “E’ la mia Biennale e se voglio esporre i culatelli chi mi può dir niente?”. Il discorso è più complesso e le sue selezioni volevano andare contro il “sistema dell’arte” assegnando la scelta dei duemila artisti ad altrettanti intellettuali; ciò naturalmente, anche per l’assenza di una linea curatoriale, ha portato ad una ricognizione eccessiva che di fatto fa smarrire la qualità nella quantità. Tornando ad Elio il caciocavallo entra nella storia in quanto si trovava vicino all’artista mentre questi, sbalordito, stava sentendo l’intervento della conferenza stampa. Se il culatello, per Sgarbi, diventava la più grande opera che poteva offrire Venezia il caciocavallo, ormai personalizzato, cominciava ad insistere con l’artista per essere portato anche lui alla Biennale. In una Biennale dei “prodotti tipici” ecco allora che anche un caciocavallo non fa brutta figura dimostrandosi, anzi, secondo l’idea dell’artista, superiore al culatello in quanto per farlo non bisogna ammazzare nessuno, può essere mangiato anche dai vegetariani e a prescindere dalla religione. E poiché oggi si usa spiazzare il formaggio ha chiesto all’artista l’insano gesto di essere suicidato (metafora se vogliamo del fallimento di questa Biennale che alla “mafia” del sistema ne ha sostituita un’altra). Queste sono state le sue ultime parole “vuoi vedere che un posticino nella storia dell'arte...magari ... oh! io ci provo! e poi ,come si dice, suicidandomi lo SPIAZZO!! a sto cazzo di culatello!!!".

P.s. Su Youtube si possono vedere i video della conferenza stampa di Sgarbi e di Franceschelli cercando Intervento Sgarbi in Conferenza Stampa - 2/10 e LA DANZA DEL CULATELLO

Un altro articolo di Maria Cristina Giovannitti

Marchen dal Molise - Serricchio/Valerio - catalogo della mostra

2011-07-21T03:39:00.001-07:00

Marchen dal Molise - Nazzareno Serricchio e Cristina Valerio - catalogo della mostra all'Officina Solare

Macchi'Art - I Bandi

2011-07-21T00:59:00.000-07:00

Invito a partecipare

Il comune di Macchia d’Isernia si pregia di invitarla all’evento d’arte

MACCHI’ART

XXX edizione della rassegna d’arte contemporanea

A cura di

Tommaso Evangelista

L’evento si svolgerà dal 20 al 28 agosto 2011 presso le sale dell’Edificio Scolastico di Macchia d’Isernia con inaugurazione il giorno 20 agosto 2011 alle ore 18.00

SINTESI: Quest’anno ricorre il trentennale della prestigiosa rassegna d’arte contemporanea di Macchia d’Isernia. Nessun comune della nostra regione, fatta eccezione di Termoli e Casacalenda, può vantare una così lunga tradizione testimoniata anche dalla preziosa collezione d’arte di proprietà del Comune accresciuta grazie alla presenza, negli anni passati, del Premio Macchia. Questa lodevole iniziativa è stata reintrodotta quest’anno in occasione del trentennale per stimolare la partecipazione e la presenza degli artisti e portare nuova linfa alla collezione. Trattandosi di una ricorrenza si è preferito realizzare una ricognizione dell’arte in Regione, pertanto, il tema di fondo, inteso solamente come engramma e pertanto non vincolante, vuol essere il Territorio e le sue bellezze paesaggistiche, storiche e naturalistico-ambientali e il legame degli artisti con esso. L’idea è quella di esporre singole opere che rispecchino e sintetizzino la poetica e lo stile dell’artista pertanto sarebbe auspicabile la presenza di capo d’opere anche in relazione con le personali e attuali ricerche. La mostra sarà allestita nei locali dell’Edificio Scolastico insieme all’esposizione del patrimonio artistico del comune. Queste due rassegne saranno gli eventi centrali della Settimana dell’Arte che il Comune organizza appositamente per il trentennale con sicura visibilità a livello regionale e non solo. Sarà garantito, oltre al catalogo a colori, l’inserimento dell’artista (con opera, curriculum e pagina personale) nel sito appositamente creato per la rassegna. L’obiettivo dell’Amministrazione nell’organizzazione di tale evento è quello di dare nuovo impulso alla rassegna affinché si affermi sempre di più tra gli eventi artistici regionali e nazionali senza disdegnare l’intento di accrescere la collezione comunale di opere d’arte per poterne fare una vera e propria Pinacoteca con una fruibilità permanente.

Info

Si porta a conoscenza che il comitato organizzatore è composto dalle seguenti figure rappresentative:

Nicolina Del Bianco (sindaco di Macchia – ndelbianco@interfree.it)

Arturo Beltrante (pittore)

Antonio Pallotta (architetto - arch.pallotta@gmail.com)

Tommaso Evangelista (critico d’arte)

Pro-loco Macchia

Macchia Domani (associazione)

Per particolari esigenze e informazioni contattare

tommasoevangelista@gmail.com

Per l’invio delle immagini per il catalogo entro e non oltre il 7 agosto 2011

macchiart2011@gmail.com

Per l’invio delle immagini e del curriculum da inserire nel sito nella pagina personale

macchiart2011@gmail.com

Regolamento

ART.1 – La partecipazione alla rassegna prevede:

la propria adesione all’indirizzo mail macchiart2011@gmail.com entro e non oltre il 7 agosto 2011 specificando nell’oggetto della mail ADESIONE
il pagamento della quota di iscrizione, comprensiva delle spese di segreteria, di €. 20,00 da versare a C.C.P. Macchia Domani 80978265 (oggetto Macchia Art) o consegnare al sig. Arturo Beltrante.

ART.2 – Sono ammessi alla rassegna un massimo di 60 artisti così selezionati:

30 artisti invitati direttamente dalla commissione organizzatrice
30 artisti ammessi previa selezione tra le proposte che perverranno a seguito della pubblicazione del seguente bando

ART.3 - Gli artisti non direttamente invitati e che desiderano partecipare possono inviare a questo indirizzo macchiart2011@gmail.com una scheda dettagliata con curriculum e una selezione di opere. Una volta confermata la partecipazione devono procedere come da Art.1.

ART.4 – Sono ammessi tutti i linguaggi artistici e le tecniche (scultura, pittura, fotografia, installazione, video, fumetto, etc). La dimensione è libera.

ART.5 – L’opera dovrà essere inviata al Comune di Macchia (Piazza Elena, 3 86070 Macchia d’Isernia IS; tel. 0865 55130) entro e non oltre il 17 agosto 2011 ovvero consegnata personalmente contattando il sig. Arturo Beltrante ai numeri 0865 55128 – 3313273376.

ART.6 – Una giuria tecnica, (la cui composizione sarà resa nota prima del giorno in cui si terrà l’evento), composta da operatori del settore e da personalità del mondo culturale e istituzionale selezionerà l’opera giudicata più meritevole motivando la scelta. L’opera risultata vincitrice sarà acquisita al patrimonio artistico comunale e all’artista sarà corrisposto il premio di €. 500,00. Altri eventuali premi saranno previsti previa disponibilità.

ART.7 – L’organizzazione, pur garantendo la massima cura nella conservazione delle opere, non assume responsabilità per furti, incendi e/o danneggiamenti che potrebbero verificarsi durante la spedizione e nel periodo espositivo.

ART.8 – L’inaugurazione della mostra avverrà il giorno 20 agosto 2011; le premiazioni il giorno 28 agosto 2011 a conclusione della Settimana dell’Arte.

ART.9 – L’organizzazione si riserva di apportare eventuali modifiche al programma, qualora si rendessero necessarie.

f.to Il sindaco

Nicolina Del Bianco

Biennale Molise - iniziano le polemiche

2011-07-18T07:12:00.000-07:00

L’ex assessore alla cultura della Provincia di Campobasso chiede a Iorio di chiarire i criteri di selezione

“Perché tanti operatori culturali che hanno divulgato il nome del Molise in tutto il mondo sono stati totalmente ignorati dalla mostra del padiglione molisano della biennale di Venezia?”. E’ una delle domande poste da Nicola Occhionero, ex assessore provinciale a Campobasso con delega alla cultura e attuale componente della segreteria regionale del Pdci. Sulla mostra allestita a Isernia presso l’Officina della Cultura rischia di esplodere una polemica durissima. L’intervento di Occhionero probabilmente è solo l’innesco della miccia. Il padiglione è stato inaugurato nei giorni scorsi dal critico d’arte Vittorio Sgarbi, alla presenza del Presidente della Regione Michele Iorio e del Presidente della Provincia di Campobasso Luigi Mazzuto. Non entrando nel merito delle qualità creative degli artisti presentati, Occhionero sottolinea la pesante assenza dalla mostra di molti, troppi, artisti storici del Molise. “Sorge quindi – afferma l’ex assessore provinciale - un pesante interrogativo sulla metodologia seguita nell’organizzazione del padiglione della biennale”. Occhionero pone, quindi, una serie di interrogativi: “Perchè il numero iniziale di otto artisti precedentemente selezionati, divulgato dai media nazionali, in neanche due mesi si è quasi triplicato? In base a quale linea culturale il selezionatore ha deciso di infoltire il numero dei partecipanti? Quale ufficio regionale ha curato tutta l’operazione? Esiste una nomina ufficiale del selezionatore? Chi ha firmato questa nomina? Ma soprattutto chi è questo fantomatico selezionatore e quali sono i suoi titoli professionali e le pubblicazioni artistiche da lui prodotte?”. Secondo Occhionero solo avendo queste risposte è possibile valutare serenamente la qualità dell’operazione culturale messa in atto. “Altrimenti ci troveremo ancora una volta di fronte a un caso di ‘mala sanità culturale’ – prosegue - Come Comunisti Italiani del Molise ci rivolgiamo a tutti gli artisti molisani che con dedizione giorno per giorno lavorano per la ricerca artistica e per l’emancipazione culturale della regione, fuori dalle logiche clientelari e dal mercato del ‘sottobosco’ imperante”. Infine Occhionero si rivolge a Iorio e gli chiede di fornire risposte chiare agli interrogativi sollevati. (Su Caffèmolise)

A ciò si aggiunge il fatto che l'Officina della Cultura da Lunedi 11 Luglio, giorno dell'inaugurazione della Biennale alla presenza del curatore prof. Vittorio Sgarbi , a Domenica 17 la Mostra è stata chiusa: Mercoledì( pomeriggio), Venerdì (pomeriggio), Sabato e Domenica. Insomma la prima settimana su sei giorni utili (il Lunedì è chiuso) quattro è stata chiusa. Sul cartello affisso al cancello del Museo è scritto: "Il Museo è chiuso per motivi tecnici, riaprirà Martedì alle 9,30". Ieri però era ancora non apriva.

LVI Premio Termoli 2011 - L'incrocio dei viaggi

2011-07-18T01:05:00.000-07:00

Comune di Termoli
Assessorato alla Cultura / Galleria Civica d’Arte Contemporanea
In collaborazione con
Regione Molise – Fondazione Molise Cultura
ARATRO Archivio delle Arti Elettroniche- Lab per l’Arte Contemporanea Università degli Studi del Molise
LVI Mostra Nazionale Premio Città di Termoli 2011

L’INCROCIO DEI VIAGGI
Quindici opere dalla Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli/
Quindici artisti contemporanei (più uno)
a cura di Lorenzo Canova

Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli
inaugurazione sabato 23 luglio 2011 ore 18,30

Il Premio Termoli 2011, con una scelta emblematica, fatta anche per celebrare l’anniversario dei centocinquanta anni dell’Unità d’Italia, ha scelto di valorizzare la collezione della Galleria Civica d’Arte Contemporanea d’Arte di Termoli, nata dalla lunga storia del Premio stesso, con una selezione delle sue opere storiche messa in dialogo con le opere di alcuni artisti contemporanei, per costruire dunque un intreccio metaforico tra passato e futuro nella grande e multiforme esperienza di continuità dell’arte italiana, costantemente rinnovata e trasformata seguendo correnti e percorsi differenziati ma che compongono un mosaico unico. In questa edizione, il numero dei quindici artisti storici e dei quindici artisti contemporanei vuole alludere simbolicamente ai quindici decenni di storia dell’Italia unita, a cui si aggiunge però un artista giovane che rappresenta un auspicio positivo per il futuro dell’Italia e della sua arte che merita di essere ancora di più apprezzata, studiata, sostenuta, collezionata a livello pubblico e privato e proposta con decisione nel panorama internazionale.

Non a caso questa mostra coincide con il passo fondamentale della musealizzazione della collezione della Galleria Civica d’Arte Contemporanea d’Arte di Termoli che sarà per la maggior parte conservata e visitabile in uno spazio espositivo permanente che permetterà finalmente una sua maggiore conoscenza e un maggiore apprezzamento della sua importanza storica e della sua attualità che oltrepassa il territorio a cui appartiene per raggiungere una dimensione molto più ampia. La selezione della collezione della Galleria permette allora un viaggio attraverso diverse fasi della storia dell’arte italiana, dal secondo dopoguerra in poi, e comprende alcuni dei suoi massimi esponenti dall’astrattismo alla Scuola di Piazza del Popolo, al Gruppo Uno e a un citazionismo ironico e multiculturale che nel loro magistero hanno donato suggestioni e soluzioni che continuano a essere efficaci anche nelle opere di artisti più giovani e spesso apparentemente molto distanti per poetiche e scelte espressive. La mostra renderà dunque possibile scoprire le relazioni tra gli artisti della collezione e quelli, italiani e stranieri attivi in Italia, invitati a far parte dell’edizione del 2011, nell’ottica della continuità, delle metamorfosi dei linguaggi e di un dialogo che dà forma al vasto intreccio di viaggi artistici del Premio.

Opere della collezione della Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli:

Carla Accardi; Getulio Alviani; Franco Angeli; Piero Dorazio; Tano Festa; Gino Marotta; Eliseo Mattiacci; Gastone Novelli; Luigi Ontani; Achille Pace; Luca Patella; Antonio Sanfilippo; Mario Schifano; Giulio Turcato; Giuseppe Uncini

Artisti invitati

Paolo Angelosanto, Angelo Bellobono, Francesco Cervelli, Marco Colazzo, Mauro Di Silvestre, Stefania Fabrizi, David Fagioli, Francesco Impellizzeri, Susanne Kessler, Federico Lombardo, Manovella, Ernesto Morales, Adriano Nardi, Andrea Nicodemo, Luca Pace, Marco Verrelli.

Sabato 23 luglio ore 18.30 conferenza di presentazione e inaugurazione della mostra

Dalle ore 19.15 degustazione di creazioni finger food dello chef Nicola Vizzarri offerte dal Pastificio La Molisana

Galleria Civica d’Arte Contemporanea- Piazza Sant’Antonio, 2 – Termoli

Info: tel. 0875 708244-www.comune.termoli.it e-mail: premiotermoli2011@gmail.com

23 luglio- 24 settembre 2011 / orario: luglio-agosto: 17-24; settembre 10-12 / 17-20

Reportage dal padiglione Molise della Biennale - Parte II

2011-07-16T04:55:00.000-07:00

Vincenzo Mascia - Quadrato-struttura, Onda-struttura, Tondo-struttura

Giuseppe capitano, Artigli, 2005

Giulia De Filippi, + e - e brian map

Paolo Borrelli: Una rotta parola, Revolution and repetition. La dolce menzogna, Non pena, non febbre, non ombra

Caterina Notte, Arm candy, 2009

Umberto Petrocelli, Rejoicel, 2011

Manovella, La notte e il santo, L'ultimo Beethoven

Elio Franceschelli, Il suicidio del caciocavallo

Helena Manzan, Esplosione cosmica e Risonanza magnetica

Valentino Robbio, The Trip, 2006

Valentino Robbio, O.G.M. (organi geneticamente modificati)

Igor Verrilli, Il grande bluff, Sdoganamento, Che bella Italia

Andrea Nicodemo, You don't undersand that i love you, 2011

Reportage dal padiglione Molise della Biennale - Parte I

2011-07-16T02:08:00.000-07:00

Officina della cultura

Giacinto Occhionero, Membra collant, 2011

Michele Sottile, Il suono è il primo movimento dell'immobile, 2011

Dante Gentile Lorusso, Lettera d'amore

Ernesto Liccardo, L'urlo e Fukushima

Michele Mariano

Luigi Mastrangelo, Lo stagno e il bosco, 2011

Blu a Campobasso

2011-07-06T15:17:00.000-07:00

Blu, tra i più importanti esponenti della street art contemporanea, ha realizzato a Campobasso, nell'area del terminal bus, un nuovo murales che raffigura, in maniera emblemetica e col suo stile incisivo e grottesco, a "scatole cinesi", la trasformazione dell'individuo in soldato. Non nuovo a queste raffigurazioni "forti" dal punto di vista della componente sociale, Blu è intervenuto nell'ambito delle iniziative di Draw The Line.

La street-art per recuperare la città degradata. Da Caffèmolise

P.s. Appena realizzato e già sento, dal telegiornale, che i "politici" lo vorrebbero ricoprire. Senza sottolineare ulteriormente l'inutile provincialismo di certe persone, invito i lettori a unirsi a questo gruppo su FB per dire la loro: Di Bartolomeo BLU non si tocca

P.s.2 Il murales, dopo la mobilitazione della rete e le proteste dell'organizzazione, non verrà censurato. In seguito all'incontro chiarificatore l'Amministrazione ritira le sue perplessità sull'opera.

PadiglioneItalia - Molise

2011-07-02T07:16:00.001-07:00

Inaugurazione 11 luglio ore 18:30 Officina della Cultura (IS)

KMF Faifoli

2011-07-02T07:12:00.000-07:00

KMF, un innovativ short event che si svolgerà presso il polo museale a Faifoli, vicino Montagano, con un ricco programma di eventi, performance, piece teatrali, live art. Dal sito riporto il testo di Loredana Ferro:

A nessuno è dato sapere il segreto sotteso alla rete di eventi nei quali siamo impigliati, perché è la costruzione in-volontaria dell’agire di un numero indefinito di individui in uno spazio s-confinato.
E così la somma del libero arbitrio – sebbene non sia mai troppo libero – di un incalcolabile numero di uomini dà origine al caso-caos, dove ogni cosa fluttua in quel cerchio indistinto che tutto raccoglie: l’imponderabile (la vita e la morte).
Scegliamo così poco della nostra piccola vita – quale strada prendere ad un crocevia, in quale supermercato fare la spesa, se vestirci in rosso o in nero un certo giorno, la piega dei nostri capelli. Tuttavia questo è già abbastanza e può bastare a reinventare un destino. Ogni passo, ogni sguardo, ogni sasso… tutto ha un nome, un odore, un colore… ma ogni forma incessantemente muta al nostro passaggio arreso e ostinato. Gli incroci, le soglie, i confini sono domande sospese nel vento – la valve socchiuse pronte ad accogliere la possibilità. E così tutto ciò che non ha ancora né tempo né luogo si trasforma in evento – un soffio, un pianeta, un’attesa… un qualunque silenzio.
Non esiste una rassicurante (pre)destinazione, un senso, un comodo opportunistico nesso in nessun evento. Eppure ci piace pensare che ogni accadimento ne abbia uno – speciale e unico – cucito su misura per noi da quel sarto paziente che è il tempo, dio, il destino, il nostro volere. Ci piace dare un senso al dolore (la gioia, invece, la accettiamo gratuitamente), che sia la salvezza dell’anima o una più laica occasione per diventare saggi – diversamente significherebbe che noi stessi non abbiamo alcun senso.
Ci uniscono fili sottili simili a tele di ragno – ogni sguardo incrociato anche solo accidentalmente, ogni incontro, ogni perdita. Se veri fili di seta potessero legarci gli uni agli altri, resteremmo soffocati dai nostri stessi sguardi. E in questo labirinto di vite intrecciate tutto è importante, finanche il più piccolo gesto – il dondolio di un insetto sull’erba, il viola delle vene dei polsi, una scintilla di vento. Che nulla si perda di ciò che l’uomo prende e dà. Eppure ogni cosa corre veloce verso un unico punto di non-ritorno. Un movimento costante, implacabile e muto.
Ci piace comportarci come se fossimo eterni ed è difficile guardare le cose da lontano. E’ un lavoro lungo e paziente quello della distanza, che va conquistata con dolore per poter essere felici. La vita, come l’amore, è solo un gioco di prestigio, il trucco non va mai svelato troppo in fretta. Bisogna illudersi che duri per sempre per renderne sopportabile la fine.
Ci piace trovare un senso in ogni cosa, ma non esiste. Ognuno ha da sempre la dannazione e la gloria misurate sulla forza delle proprie ossa – uno scotto da pagare all’esistenza che, in maniera del tutto arbitraria, è talvolta modesto, altre volte insostenibile. Ma c’è un privilegio potente in ognuno di noi: l’immaginazione – la chiave in grado di aprire ogni porta, il pensiero in grado di superare la morte per farla memoria, la capacità di stare dentro gli eventi… vigili eppure abbandonati.

Gli artisti ed eventi: T.S.I., MISSPIA, Caterina Notte, EAT-IN, Nicolino Iannaccio, Letizia Lomma, Emanuela De Notaris, Massimo Caterina, Centro Abraxas,Carlo Parente, Azzurra De Gregorio, Nicola Macolino, Art Shake.

La cattedrale di Bojano

2011-06-16T12:13:00.000-07:00

Sono stati da poco tolti i ponteggi alla Cattedrale di Bojano, finalmente dopo 12 anni si può ammirare il ciclo pittorico realizzato da Rodolfo Papa in tutta la sua interezza. Ecco a voi una veduta d'insieme della navata centrale. Il ciclo verrà inaugurato ufficialmente il 25 settembre dal cardinal Angelo Bagnasco con una messa solenne.

Tuttintorno

2011-06-16T07:07:00.000-07:00

«Le strade pubbliche sono riputati luochi della Luna; e però

secondo i vari e diversi capricci dei pittori, tutte quelle istorie, fantasie invenzioni, chiribizzi che si vengono a cuore vi si possono dipingere all'aperta...».

(Giovan Paolo Lomazzo, 1584, Trattato dell'arte della Pittura)

Artisti:

Pop

Alessio Martella

Marco Rossi

Giuseppe Ametrano

Alessandra Antinucci

Gabriele Orlando Lacchè

a cura di: Tommaso Evangelista

Per info: www.officinasolaregallery.com

La fontana fraterna impacchettata

2011-06-10T05:13:00.000-07:00

Una bella performance per dire NO alla privatizzazione dell'acqua (e quindi SI al referendum). Il flash mob organizzato a Isernia ha visto la Fontana fraterna, simbolo della città, venire letteralmente impacchettata (vedi Christo) e resa, per tanto, non utilizzabile.

Il suicidio del caciocavallo - parte II

2011-06-10T05:03:00.000-07:00

Il Molise che non c'è, ma c'è

2011-05-30T04:00:00.000-07:00

Bellissimo libro fotografico sul Molise. Dall'autore: "Ironicamente, il sottotitolo fa riferimento a chi non sa dov’è il Molise, a chi dice che non esiste (diverse pagine su facebook), a chi nel meteo descrive una “...perturbazione che interesserà Marche, Abruzzo e Puglia...” (questa l’ho sentita più volte)...non è un libro sul Molise, ma un libro di immagini pensate e lì realizzate, foto che si possono realizzare in Molise, ma che, poi, finiscono col darne una visione, forse inusuale".

Il testo completo visualizzabile da questo link

Il suicidio del caciocavallo

2011-05-29T03:53:00.000-07:00

Sabato 4 giugno alle ore 21.00 presso Palazzo Orlando di Isernia Elio Franceschelli presenta l'opera con la quale parteciperà al prestigioso avvenimento artistico internazionale Padiglione Italia - Molise LA BIENNALE DI VENEZIA. 54

IL SUICIDIO DEL CACIOCAVALLO

gli è stato fatale il culatello!

La presentazione avverrà in occasione della chiusura della retrospettiva : MINIMALANIMAL.

L'opera nasce dalla conferenza stampa di presentazione, di Vittorio Sgarbi, del 5 maggio. Come scrive però l'artista "quando il caciocavallo ha sentito le parole di sgarbi sul culatello (la migliore opera mai esposta in tutte le biennali, ha pensato : vuoi vedere che un posticino nella storia dell'arte...magari ... oh! io ci provo! e poi ,come si dice, suicidandomi lo SPIAZZO!! a sto cazzo di culatello!!!"