Coscienza Anestetica, al Museo Sannitico le opere degli artisti eventualisti

Inaugurazione mostra. Da sinistra Sergio Lombardo, Miriam Mirolla, Tommaso Evangelista, Dionigi Mattia Gagliardi

MOSTRA D’ARTE CONTEMPORANEA “COSCIENZA ANESTETICA”, IPOTESI SOTTRATTIVA PER UN’ARTE RELAZIONALE.

Nel museo Sannitico di Campobasso, dal 22 giugno al 1 agosto, opere di Artisti Eventualisti e Molisani interagiscono con il pubblico in un contesto storico di rilievo.

Grande successo per la Collettiva d’Arte Contemporanea “ Coscienza Anestetica, ipotesi sottrattiva per un’arte relazionale”, che domenica 22 giugno ha aperto i battenti nello splendido palazzo Mazzarotta di Campobasso, sede del prestigioso Museo Sannitico Provinciale. La mostra, promossa  dal curatore e critico d’arte Tommaso Evangelista, presenterà  fino al 20 luglio, le opere di artisti eventualisti: Paola Ferraris, Dionigi Mattia Gagliardi, Roberto Galeotti, Claudio Greco, Giuliano Lombardo, Sergio Lombardo, Miriam Mirolla, Piero Mottola, Luigi Pagliarini e Carlo Santoro  e di giovani artisti molisani: Michele Boccamazzo, Giammaria De Lisio, Vincenzo Merola, Salvo Nostrato e Ivana Volpe di cui condividono i principi teorici. 

Tra di loro Sergio Lombardo rappresenta il fondatore del Movimento,   considerato da molti l’ultima vera Avanguardia in Italia. L’Eventualismo affonda le radici nella Pop Art Storica e nella Scuola Romana di Piazza Del Popolo dei primi anni 60 di cui Lombardo era membro e dalla quale si è progressivamente distinto  continuando la sua attività su di un piano più concettuale e scientifico. Nel 1979 ne traccia le basi teoriche  ponendo, a fondamento della ricerca teorica, l’evento , inteso come contenuto mentale o vissuto psicologico originale e spontaneo che scaturisce da stimoli opportunamente predisposti dall’artista. Così concepito, l’Eventualismo si pone in antitesi alla Società dello Spettacolo Globale figlia del Consumismo ed alimentata da interessi di  mercato;  vuole usare nell’arte il rigore e la sperimentazione e proporsi come stimolo atto ad indirizzare l’individuo  verso scelte sempre più consapevoli in grado di concepire ideali culturali nuovi, più complessi e raffinati. 

Progetto ambizioso perseguito per anni attraverso il Centro Studi Jartrakor che svolge attività di ricerca sperimentale sulla Psicologia dell’Arte e produce un’intensa attività editoriale, espositiva e di organizzazione anche internazionale di eventi artistici e scientifici. 

In tale prospettiva i giovani artisti molisani accolgono una pesante eredità ponendosi sulla scia di un’Avanguardia difficile che pone sfide nuove in tempi altrettanto difficili. Le loro opere, come quelle degli artisti che operano da anni in tale direzione, attraverso questa mostra, sembrano trarre linfa vitale dall’esposizione in spazi nuovi, le tre sale del Museo Sannitico sistemate e inaugurate per l’occasione in un contesto di notevole importanza storica, dimostrando, attraverso nuovi linguaggi e performance, che la ricerca estetica contemporanea non si esaurisce nel passato ma dal passato trae fondamento e validità. D’altra parte il titolo stesso della collettiva “Coscienza Anestetica“, ipotesi sottrattiva per un’arte relazionale, apre nuovi orizzonti a una ricerca estetica che si caratterizza in maniera sempre più interdisciplinare, superando le vecchie dicotomie tra arte e scienza e ponendo sempre più il fruitore al centro dell’opera laddove lo stimolo , determinato in maniera automatica ma strutturato con rigorose procedure scientifiche, diventa occasione d’interazione sociale.

Concetta Russo su Primo Piano Molise del 19 luglio 2014. (Foto Concetta Russo)

Segnalo anche questo reportage fotografico dal blog dell'artista Carlo Colli

Coscienza Anestetica - Sala eventualista

Carlo Colli e Vincenzo Merola

Sala eventualista

Gianmaria De Lisio

Cortile Museo Sannitico

Centro storico di Campobasso visto dal museo

Coscienza Anestetica. Ipotesi sottrattiva per un'arte relazionale

“COSCIENZA ANESTETICA”

Ipotesi sottrattiva per un’arte relazionale

Direzione regionale per i beni culturali e paesaggistici del Molise

Direzione generale Paesaggio Belle Arti Architettura e Arti Contemporanee

Soprintendenza per i beni archeologici del Molise

Presentano

Coscienza anestetica

Ipotesi sottrattiva per un’arte relazionale

A cura di Tommaso Evangelista

21 giugno – 20 luglio 2014

Museo Sannitico, Campobasso

Palazzo Mazzarotta, Via A. Chiarizia n. 10

Tutti i giorni 09:00-13:30, 14:00-17:30

Inaugurazione domenica 22 giugno ore 16.00

Artisti

Michele Boccamazzo, Carlo Colli, Gianmaria De Lisio, Paola Ferraris, Dionigi Mattia Gagliardi, Roberto Galeotti, Claudio Greco, Giuliano Lombardo, Sergio Lombardo, Salvo Nostrato, Vincenzo Merola, Miriam Mirolla, Piero Mottola, Luigi Pagliarini, Angelo Ricciardi, Gian Maria Tosatti, Carlo Santoro, Ivana Volpe

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Il Museo Provinciale Sannitico di Campobasso ospita la collettiva d’arte contemporanea dal titolo Coscienza anestetica. Ipotesi sottrattiva per un’arte relazionale. L’esposizione, curata dal critico Tommaso Evangelista, inaugurerà domenica 22 giugno nelle tre nuove sale del Museo sistemate ed inaugurate per l’occasione e segna per la Direzione regionale per i beni culturali e paesaggistici del Molise, dopo il restauro delle opere storiche del Premio Termoli, una significativa e rilevante apertura al contemporaneo con un progetto curatoriale dal preciso taglio teorico e sperimentale. Archeologia e ricerca sono pertanto chiamate a relazionarsi negli splendidi spazi di Palazzo Mazzarotta, sottolineando come un dialogo, anche per contrasto, possa essere attuato. Pertanto va dato merito alla Soprintendenza di aver voluto affrontare, con coraggio, un’esposizione complessa e ricca di implicazioni. Boccamazzo, Colli, De Lisio, Ferraris, Galeotti, Greco, G. Lombardo, S. Lombardo, Nostrato, Merola, Mirolla, Mottola, Pagliarini, Ricciardi, Tosatti, Santoro, Volpe gli artisti invitati. Tra di loro cinque, Michele Boccamazzo, Gianmaria De Lisio, Vincenzo Merola, Salvo Nostrato e Ivana Volpe, sono molisani con diverse significative esperienze fuori regione. Di particolare rilevanza la presenza di Sergio Lombardo con una Mappa di Heawood e due disegni di pavimenti stocastici. Psicologo e artista, Lombardo dirige dal 1977 il Centro Studi Jartrakor di Roma e dal 1979 la Rivista di Psicologia dell’Arte. Il suo percorso artistico ha avuto avvio nei primi anni Sessanta con l’esperienza della Nuova Scuola Romana di Piazza del Popolo, mentre alla fine degli anni Sessanta ha partecipato al gruppo che gravitava intorno alla galleria La Salita, dove ha esposto con Burri, Fontana e Manzoni. Nei primi anni Settanta ha fondato a Roma il Centro Studi Jatrakor, dando avvio al movimento artistico eventualista e dedicandosi per tutto il decennio a sperimentazioni nel campo della psicologia percettiva applicata all’arte. Dal 1980 lavora a una serie pittorica, incentrata su algoritmi matematici e programmi di randomizzazione, definita “pittura stocastica”. Una sala del percorso espositivo, quindi, sarà dedicata proprio all’esperienza del gruppo eventualista (attualmente formato da Paola Ferraris, Roberto Galeotti, Claudio Greco, Giuliano Lombardo, Sergio Lombardo, Miriam Mirolla, Piero Mottola, Luigi Pagliarini e Carlo Santoro), che per l’occasione presenterà un’unica installazione inedita di taglio documentario, con progetti, testi e fotografie, nella quale ogni artista ha sintetizzato, in due tavole, la propria personale ricerca nel solco della Teoria Eventualista. Carlo Colli, Angelo Ricciardi e Gian Maria Tosatti chiudono l’elenco degli artisti invitati con tre opere dalla forte carica relazionale e sperimentale. Dopo una preview per la stampa prevista per la mattina di venerdì 20 giugno, la collettiva inaugurerà domenica 22 giugno e sarà arricchita nel cortile del museo dall’installazione sonora di Ivana Volpe, la quale mapperà con dei registratori il centro storico di Campobasso, e dall’esperimento di Kinect Art di Salvo Nostrato, il quale analizzerà un preciso spazio del Museo Sannitico trasformandolo in un luogo praticabile e sonoro e presenterà, insieme all’installazione, una performance di danza contemporanea.

La condizione anestetica del titolo si configura come percorso praticabile, nel campo della sperimentazione sui nuovi linguaggi, per uscire dall’impasse del postmoderno, in cui la livellazione delle manifestazioni creative ha comportato lo sdoganamento e il riutilizzo, fino alla saturazione, di molte pratiche storiche desunte dalle avanguardie e accettate come meri formalismi. La dimensione aleatoria dell’opera d’arte “aperta” deve superare l’estetica del flusso: non deve cercare il caos della materia e delle sensazioni, né tantomeno deve porsi come liberazione degli istinti, bensì, proprio per il perenne rapporto/scambio con il fruitore, deve ricercare un’etica interna. Il rapporto con il pubblico pensato per la collettiva, quindi, non va inteso come commercio anarchico di sensazioni, ma va guidato attraverso determinati stimoli. L’importanza dello stimolo diventa fondamentale nella creazione di un’opera. I lavori presentati in mostra sono stati scelti per la loro portata teorica e narrativa, per lo studio e la ricerca, per la tendenza alla documentalità come atto linguistico e per il tentativo di affermazione di una visione costruttiva, quasi scientifica. Quella che emerge è una riflessione sull’interazione, nel senso più ampio e immateriale, tra le intenzioni dell’autore e le possibilità determinate dal pubblico e dagli eventi. Il racconto interno, interpretato come svolgimento strutturato di un orizzonte di senso, deve evitare la banalità della soglia per privilegiare l’analisi. Alla fantasia e al sublime si sostituisce, pertanto, un incontro con la specificità di ogni fenomeno. Il richiamo alla dimensione (an)estetica comporterà anche un’incursione nel solco provocatorio del rifiuto, riducendo al minimo l’invadenza della componente puramente visiva dell’opera per un recupero del segno e dello spazio, della vertigine della lista e del flusso dell’informazione.

Il concept della collettiva è sostanzialmente un dialogo generazionale tra gli artisti del gruppo eventualista, oggi l’ultima vera avanguardia in Italia, e giovani nel cui lavoro siano rintracciabili concetti estetici derivati dall’avanguardia storica e poi ripresi e sistematizzati in un’ottica che intende l’eventualismo come movimento operante e produttivo: minimalità, astinenza espressiva, strutturalità, spontaneità, interattività. Si cercherà di attivare una riflessione sulla crisi dei criteri estetici tradizionali in un luogo periferico, il territorio molisano, per segnare attraverso una forte impronta curatoriale lo spazio già fortemente storicizzato del Museo Sannitico.

Tommaso Evangelista

curatore

Carlo Colli

Gianmaria De Lisio

Ivana Volpe

Gian Maria Tosatti

Vincenzo Merola

Con Amore

Quello che resta dell'installazione di Gianmaria de Lisio dalla sua personale 18720 MIN. 48 Mq

all'Officina Solare

18720 MIN. 48 Mq - Personale di Gianmaria De Lisio

http://www.officinasolaregallery.com/?p=871

iGALLERY

Artisti partecipanti: Nino BARONE, Michele BOCCAMAZZO, Alberto BURGO, Fabio CANOSA, Angela CAPOSIENA, Gianmaria DE LISIO, Lucia DI MICELI, Vincenzo MEROLA, Antonio PALLOTTA, Luca POP

Luogo: Officina Solare Gallery Via Marconi, 2 Termoli (CB)

Data: 7/25 Gennaio 2012

Apertura: tutti i giorni compreso i festivi dalle ore 18:30 alle ore 20:00

A cura di: Tommaso Evangelista

Inaugurazione: sabato 7 gennaio 2011, ore 19:00

Info: 329.4217383

Collettiva d’arte partecipativa che si pone come linea guida quella dell’interazione del fruitore con le opere presentate. Partendo dall’idea, archetipica, del toccare (touch) ormai comune a molti strumenti tecnologici comunicativi si è cercato, evitando il virtuale, di proporre dei lavori “aperti” da completare con il coinvolgimento del pubblico inteso come una sorta di artista capace, con la sua azione, di dar nuova vitalità alle opere. Una mostra dove è vietato non toccare poiché il senso è in divenire. Gli artisti invitati hanno realizzato opere ed installazioni appositamente per l’evento che si pone come innovativa esperienza estetica e percettiva.

http://www.officinasolaregallery.com/?p=815

Perdita del centro - Gianmaria De Lisio all'Officina Solare

Perdita del centro, ovvero fuga dal labirinto.

“Ossessivamente sogno di un labirinto piccolo, pulito,

al cui centro c’è un’anfora che ho quasi toccato con le mani,

che ho visto con i miei occhi, ma le strade erano così contorte, così confuse,

che una cosa mi apparve chiara: sarei morto prima di arrivarci.”

(L’Aleph, J.L. Borges)

Per perdita di centro (titolo preso in prestito dal noto saggio di Hans Sedlmayr) s’intende quella rinuncia ai punti di riferimento fondamentali che per secoli hanno fatto da perno all’arte ed al pensiero in generale. La perdita è stata causata dalla volontà da parte degli artisti di esplorare nuove modalità di espressione mai sperimentate prima con conseguente liberazione dai canoni. La storia dell'arte documenta storicamente la perdita del "centro" come perdita di Dio prima, e dell'uomo poi, fino ad arrivare alla perdita di percezione della realtà sostituita da un’eccessiva invadenza del reale sottoforma di operazioni performative e relazionali, in una sorta di nichilismo gaio, senza angoscia. Tutto ciò è sintomo di una crisi profonda dell'uomo. L’uomo nella società dell’immagine e dello spettacolo vive stordito da una moltitudine di stimoli visuali; l’eclisse dell’opera d’arte avviene pertanto in un proliferare di forme e in questo caos visivo perdersi nell’eccesso non è cosa difficile. Lo smarrimento può avvenire sia per mancanza di immagini compiute e positive sia per sovrabbondanza di impulsi comunicativi. In questo clima di totale relativismo iconico solo ai segnali (stradali, di pericolo, di prescrizione) conferiamo autorevolezza in quanto trasmettono un’informazione, il più delle volte univoca, che accettiamo. L’opera d’arte non dovrebbe fungere da “dispositivo virale” che amplifica il senso delle cose, spesso alterandolo o sopprimendolo, bensì dovrebbe creare “avvisi” attraverso il trasferimento di informazioni. All’ultrasenso, causato dalla perdita del centro, dovrebbe sostituirsi il messaggio inserito ora in un labirinto plurisensoriale. Nell’opera di Gianmaria De Lisio assistiamo proprio a questo viaggio verso un punto mediano: se avanzare progressivamente verso il centro significa approdare ad un ordine delle cose, conquistare la chiarezza, il viaggio per giungerci diventa un lungo transito alla ricerca di indicazioni. Viaggio-odissea che diventa mitico e che produce, come scarti delle scelte, opere che si possono apprezzare solo osservandole in continuità ed esclusivamente come tracce o interferenze del percorso. Nel labirinto del mondo la facoltà di scelta è metafora quindi della libertà spirituale dell’artista mentre le sue preferenze diventano messaggi che rinviano all’immaginario individuale. Ma proprio perché questo immaginario personale è frutto dello spostamento nel reale, è frutto del “durante”, può diventare immaginario collettivo prospettando soluzioni e vie di uscita. Il corpo pensante immerso in un non-luogo globalizzato fatto di informazioni abbandona così il reale e ritorna all’archetipo, al messaggio minimale, alla forma chiusa. La perdita del centro non avviene poiché viviamo in una rete infinita, in un rizoma, bensì perché al frammento si è sostituita la volontà di rappresentare e ricostruire il tutto (Ricostruzione futuristica dell’universo, 1915) smarrendo qualsiasi valore. Ritornando a Sedlmayr infatti se “l’uomo ha perduto il suo centro, anche l’arte si allontana quindi dal centro.(…). L’arte diviene eccentrica in tutta l’estensione del termine. L’uomo vuole uscire dall’arte che per sua natura costituisce il centro fra lo spirito e i sensi. L’arte si sforza di uscire dalla stessa arte nella quale essa trova il medesimo scarso appagamento che l’uomo trova nell’uomo. Nel tendere verso una super arte essa precipita spesso in un genere sub –artistico. L’arte si allontana dall’uomo, dall’umanità e dalla giusta misura. Tutti questi sintomi sono l’espressione simbolica di analoghe tendenze che esistono, in genere, nell’uomo. E non è solo nell’arte che l’uomo vuole allontanarsi dal centro e dall’uomo stesso. I fenomeni dell’arte moderna illuminano e spiegano molto più di ogni altra manifestazione umana tali tendenze.(…). Nelle forme moderne della vita e dell’arte,” si riconosce allora “l’espressione di un profondo antiumanismo.”(Sedlmayr, 1967, pp.195-196). La perdita del centro è perdita della personalità, del cuore, della coscienza, delle informazioni vitali, dei messaggi, dell’etica. Ecco perché risulta interessante il percorso artistico di De Lisio il quale parte dal disorientamento per ricercare le radici. E se queste radici sono ormai distrutte e alterate non rimane che una loro traccia. I cartelli di pericolo e i bersagli, dai ripetitivi colori giallo-neri, indicano l’assurdo della nostra società che tende all’autodistruzione ma sono anche segni comunicativi che codificano un’informazione e che si sostituiscono ad un’arte ambientale e virale. Anche i dittici diventano così dei testi in quanto raccontano di un percorso e dell’esplorazione personale del mondo in ambienti che creano associazioni di immagini apparentemente oniriche. Ciò che si potrebbe associare al sogno, o ad una voglia di evasione dal reale, infatti, non è altro che rigorosa analisi esterna che produce oggetti (organi, pesci, spazi, forme biologiche) come rebus da decifrare. Ma questi rebus, in quanto potenzialmente decifrabili, non sono altro che stringhe di una Rete-labirinto che è non-luogo per eccellenza ma anche esperienza. Se, come asserisce Eco, “il labirinto è un modello astratto della congetturalità”(Eco, 1983, p. 21) allora il discorso può evolversi dalla vertigine dello smarrimento alla ricerca delle informazioni vitali utili per ritornare nel centro. E’ un percorso complesso, quasi certamente votato alla sconfitta in assenza di una legge morale esterna forte, ma ci pare positivo che qualcuno voglia compierlo e trasferirlo in forma artistica. Le angosce e le paure iniziali, determinate dal fatto di non conoscere la via, spariscono lentamente sostituite dalle informazioni recuperate nella ricerca e proprio le due piccole installazioni ci appaiono, alla fine, come piccole tracce di speranza. La prima Quando ho capito cos’è la lucidità è (parole dello stesso autore) “una riflessione sul rapporto tra sogno e realtà e su come spesso la realtà si vive come in un sogno” con questa coperta che cela una serie di oggetti (ritrovati?). La seconda, invece, dal titolo L’importanza delle relazioni, interessante in quanto riflessione sulla non affidabilità a volte delle informazioni, è una piramide di sabbia con un barattolo sopra; il barattolo è a testa in giù così che sembra che la sabbia venga tutta dal barattolo. In realtà la piramide è formata con la sabbia di due barattoli. In questa proposta teorica ed espositiva, quindi, trovano spazio anche le sculture di Massimo Traino in biblico tra astrazione e figurazione in quanto lavorano proprio sul confine della forma. L’angoscia della conformazione, la refrattarietà della materia, l’inquietudine dell’ispirazione, la ricerca di una poetica minimale e sospesa, la negazione dell’individualità che comporta l’emergere esclusivo della massa, sono tutte caratteristiche di questi lavori che legano la perdita del centro con la perdita della struttura in una dialettica tra interno ed esterno. E a riguardo vorrei concludere con questa frase di Haruki Marakami “Ciò che è fuori di te è una proiezione di ciò che è dentro di te, e ciò che è dentro di te è una proiezione del mondo esterno. Perciò spesso, quando ti addentri nel labirinto che sta fuori di te, finisci col penetrare anche nel tuo labirinto interiore”. 

Tommaso EVANGELISTA