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Tramontano - Il colore è una liberazione del tempo - Inaugurazione personale a Isernia

TRAMONTANO

Il colore è una liberazione del tempo

Galleria Cent8anta Isernia

Inaugurazione mercoledì 25 maggio 2016 ore 18

25 maggio / 7 giugno

La galleria Cent8anta di Isernia inaugura la personale di Antonio Tramontano a cura di Tommaso Evangelista. Dopo le personali di Dalip Kryeziu e Antonio Finelli, e dopo interessanti collettive, lo spazio gestito dall’associazione culturale Le Cose, che affianca le sue attività a quelle dello Spazio Arte Petrecca e che si è distinto, nell’ultimo periodo, tra i luoghi più attivi e dinamici del capoluogo pentro per qualità dell’offerta culturale, presenta la mostra dell’artista molisano Tramontano che torna ad esporre in una personale dopo circa otto anni.

L’utilizzo delle grandi campiture di colore segna una svolta nel percorso artistico del pittore il quale, dopo esser transitato per una fase di analisi dei volumi plastici e delle forme proto-rinascimentali, è approdato al dissolvimento della figura non per via di negazione, bensì per eccesso di indagine sulle dinamiche stesse della pittura nelle sue caratteristiche basilari: luce, colore, tocco e struttura. Lo studio di Tramontano privilegia ora il momento riflessivo, ovvero l’analisi sistematica delle emozioni e della pratica della pittura, rispetto a quello espressivo –il precedente- maggiormente radicato nella tradizione disciplinare e formale. È invero una rivelazione che colpisce per la maturità stilistica con la quale viene affrontata la superficie del quadro, modulata dal gioco di orizzontalità e verticalità su toni ora delicati ora accesi ma sempre capaci di effetti di trascendenza, ottenuti dalle contrazioni del colore che raggiunge, soprattutto nelle ultime realizzazioni, un’elevata raffinatezza tessile e una piena maturazione compositiva.

La purezza dei colori e delle campiture elementari determinano una pittura di superficie, solo apparentemente piatta e bidimensionale poiché, nel respiro immateriale delle velature e sul rapporto armonico tra limitate tonalità dello stesso colore, vengono fatti emergere effetti di puro lirismo con un senso di forte suggestione, anche emotiva, potenziato dall’impiego del grande formato e del lavoro per serie che cerca soprattutto un confronto ambientale. Il colore sembra pertanto transitare dalla tela per coinvolgere lo spazio circostante in un’onda cromatica che tutto assimila e influenza.

Dopo una lunga ricerca sul mezzo e sulla forma, l’arte di Tramontano, eliminando il disegno e l’idea stessa di costrizione e reticolo, arriva ad esaltare l’elemento cromatico puro in opere dall’indubbia aura evocativa, capaci di trasmettere energie nascoste e sottili impressioni elementari.

L’intera ricerca cromatica presentata in mostra è accompagnata dal catalogo edito da Terzo Millennio con un inedito testo critico di Tommaso Evangelista.

Durante il vernissage il maestro Nicola Graziano realizzerà interventi musicali ispirati dalle opere dell’artista in un riuscito gioco sinestetico di colori e note, mentre la scrittrice e musicologa Rosanna Carnevale parlerà del rapporto tra arte e musica.

ANTONIO TRAMONTANO, Pesche, 1965, dopo aver conseguito il Diploma di Maturità d'Arte Applicata presso l'Istituto d'Arte di Isernia si diploma presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli nel corso di Pittura del Prof. Raffaele Canoro, con una tesi sperimentale in design, relatore Prof. Vincenzo Bergamene, dal titolo "Palingenesi del Cervo". Docente di Arte e Immagine, svolge attività artistica presso il suo studio a Pesche in via Giovanni XXIII. In qualità di direttore artistico ha curato e cura diversi eventi nella provincia di residenza, mentre nel 2008 ha curato le attività espositive per il I centenario ISA, Istituto Statale d'Arte di Isernia. Da una fase figurativa di stampo plastico e con influenze proto-rinascimentali negli ultimi anni è giunto ad un’inedita ricerca sul colore e sul mezzo pittorico.

SCHEDA TECNICA

Titolo: TRAMONTANO

Il colore è una liberazione del tempo

A cura di: Tommaso Evangelista

Catalogo: Terzo Millennio

Luogo: Spazio Cent8anta, Corso Marcelli 180, Isernia (IS)

Vernissage: mercoledì 25 maggio ore 18.00

Apertura: 25 maggio – 7 giugno

Orari: dal martedì alla domenica dalle 17.00 alle 20.00

Lunedì chiuso e 2 giungo

Info: arte@lecose.org

Francesco Cito. I Misteri

È nato tutto da un invito. Lo scorso anno l’associazione Vivian Maier di Campobasso ha infatti chiesto a Francesco Cito di fotografare la cosiddetta Sagra dei Misteri, una delle più importanti manifestazioni della cultura popolare e religiosa molisana. Si tratta di una processione che, dalla metà del XVIII secolo, si ripete ogni anno nel giorno del Corpus Domini, offrendo al pubblico una suggestiva parata di veri e propri quadri viventi. Lungo le strade del centro storico di Campobasso sfilano infatti tredici Misteri che rievocano altrettante scene del Vecchio e Nuovo Testamento: bambini, anziani e adulti diventano così per un giorno angeli, santi e demoni in grado di aleggiare davvero sopra le teste della folla festante. Un'illusione suggestiva resa possibile grazie alle antiche strutture di acciaio e legno a cui sono invisibilmente ancorati, le cosiddette Macchine dei Misteri, create da Paolo Saverio Di Zinno nel lontano 1748.
Una festa, quella che circonda la Sagra dei Misteri, che racchiude quindi credenze e tradizioni antiche, e che il noto fotoreporter napoletano ha seguito in ogni suo istante. È nato così un lavoro, intitolato I Misteri, che verrà presentato per la prima volta sabato 21 maggio 2016 presso il Museo Ex Gil di Campobasso. L'esposizione, organizzata dal Centro per la Fotografia Vivian Maier in collaborazione con il Comune di Campobasso, verrà infatti inaugurata alle ore 18,00, per poi rimanere aperta al pubblico fino al 2 giugno. Inoltre, sabato 28 maggio, alle ore 17,30, Francesco Cito sarà nuovamente presente negli spazi del Museo per incontrare il pubblico, mostrare alcuni dei suoi lavori più importanti e raccontarne genesi e retroscena.

Francesco Cito. I Misteri
Museo Ex Gil (Palazzo Gil), via Gorizia, 1 - Campobasso
22 maggio – 2 giugno 2016

orario: da martedì a domenica, ore 10,00 - 13,00 e 17,00 - 20,00 | chiuso il lunedì
ingresso: libero
info: cfcvivianmaier@gmail.com

Die Hamletmaschine - Nicola Macolino e la casa circondariale di Larino

TEATRO

DIE HAMLETMASCHINE
Di Heiner Muller

Con i Detenuti del Carcere di Larino

Con Barbara Petti (Ofelia)
Regia, scene e costumi di Nicola Macolino

Venerdì 10 Giugno ore 21
Sabato 11 Giugno ore 21
Domenica 12 Giugno ore 21
(Eventuale replica lunedì 13 giugno ore 21)

Casa Circondariale e Reclusione di Larino (CB)
Contrada Monte Arcano, 2

[spettacoli a numero limitato, posti 80]

Info prenotazioni
338 3183197 Nicola Macolino
338 9771081 Petronilla Di Giacobbe
338 6014272 Rosamaria Ricciardi

Progetto Scuola/Teatro/Carcere

Regione Molise
Progetto Integrato Molise Arte e Cultura
Abraxas Lab
Associazione Muse

Coordinazione Progetto e Laboratorio
Petronilla Di Giacobbe, Angela Pietroniro, Rosamaria Ricciardi

Direttore Penitenziario
Rosa La Ginestra

Detenuti coinvolti nel progetto (attori)
Giovanni Accietto, Emanuele Argenti, Fabio Battinelli, Chotorno Ebraim, Francesco Dell’Andro, Maurizio Fasano, Alì Kaspi, Marcello Morganti, Pasquale Mostacciuolo, Vincenzo Presutto, Carmelo pugliara, Karim Mohamed Suleiman, Rubin Talaban, Silvester Uyi.
Loris Fabrizio, Angelo Giunta (falegnameria), Giuseppe Prussiano (fonica), Gianluca Saulino (sartoria)

Fisarmonicista Alessio Paradiso

Sartoria
Rosa Miniello, Rita Palladino, Giuseppina Pellegrino, Amalia Silveri, Suor Winni

Staff Abraxas Lab
Antonio D’Onofrio, Letizia Iammarino, Antonio Iantomasi, Renzo Iantomasi, Antonella Macolino, Michele Mariano.


APPUNTI DI REGIA
Nella mia rilettura dell’opera di Heiner Muller “Die HamletMaschine”, ho puntato al prosciugamento della storia da tutti gli orpelli e i simbolismi che echeggiano ambientazioni e contesti storici.
Penso che il carcere fisicamente e nella sua struttura fondante sia il luogo migliore dove indagare il concetto amletico di essere e non essere.
Gli attori sono i detenuti della casa circondariale e reclusione di Larino che incarnano perfettamente questa dicotomia.
Non recitano forse un ruolo all’interno del carcere e vivono quasi una dimensione di para-teatralità coi loro gesti e rituali quotidiani? Quanti Amleti e quante Ofelie sono presenti in quei corpi?
Penso comunque che i detenuti possano trovare solo nel teatro (in quella finzione che il teatro sa offrire) una nuova identità necessaria per superare questa scissione che vivono giornalmente.
I personaggi del dramma, quindi, sono inseriti in una dimensione atemporale e asettica, vagano confusi, tra rumori e suoni assordanti, nello spazio scenico, fatto di corridoi, celle e “aree passeggio” senza riconoscersi l’un l’altro, rinchiusi nelle proprie dimensioni solipsistiche e incomunicabili che non impediscono la possibilità che ognuno sia l’altro e viceversa.
Amleto e Ofelia sembrano tornare dal mondo dei morti o forse no, ma sicuramente si pongono le stesse domande dell’uomo contemporaneo che ha una qualche missione da compiere. Cercano le proprie identità, ricordano le proprie passioni umane, si scoprano fragili in questo continuo dilemma amletico.
Si presentano al pubblico goffamente, portano in scena valigie e oggetti/attrezzeria di scena, necessari per ri-vivere nelle loro fissazioni/ricordi.
Io sono Ofelia, quella che il fiume non ha voluto, dice Ofelia, un Ex-voto che entra in scena portando uno stendardo su cui è scritto H2O, un secchio d’acqua, una valigia con dei costumi (i cambi di scena) e una pompa irroratrice a spalla con cui cerca continuamente di annaffiare o benedire qualcuno o qualcosa, sempre in nome dell’acqua.
Amleto entra in scena, accompagnandosi con un passeggino riempito di cenere e terriccio, la sepoltura del padre, e con una valigia piena di croci. Sparge cenere a mucchi, ovunque si muove perché vuole marcare il territorio in modo da proteggersi.
Ho pensato sulla scena un coro, quasi greco nella prima parte dello spettacolo, che si presenta in tenuta da guerriglia mentre nella seconda parte si trasforma in una sorta di gruppo di replicanti di Amleto che diventano speakers e echi del Principe. Il coro si ritrova a essere quindi la ferita e il coltello, la polizia e i manifestanti, i rivoluzionari e i reazionari.
I detenuti così diventano corpi speciali di un esercito già pensato e in parte creato da Yukio Mishima.
La scena è meta-teatrale soprattutto nel terzo quadro, quando lo striptease di Ofelia unito alle danze grottesche delle “Ofelie morte” sono ambientati nel teatrino del carcere come se fossero un spettacolo di guerra per militari in missione.
L’idea di portare in un luogo prettamente “maschile” come un carcere, un testo dove la componente femminile ha un ruolo fondamentale e predominante se non conturbante, mi poneva la possibilità di creare una sorta di corto circuito.
Ho scelto quindi per la figura di Ofelia un’attrice esterna al carcere perché voglio rompere e irrompere in quel mondo codificato al maschile.
Ofelia disturba perché cerca la libertà e non sta più al gioco della sottomissione invita gli spettatori, sotto il nome di Elettra, a fare lo stesso, consapevole del fatto che il risveglio della coscienza deve passare attraverso la sofferenza e la conquista del proprio spazio, di tutto lo spazio, teatralmente e metaforicamente.
Ofelia è un punto interrogativo che mina le certezze.
Essendo il dramma attraversato esplicitamente dal concetto di travestimento (mistificazione di ruoli, dell’essere e dell’identità) ho pensato di condurre il pubblico in un percorso fisico e mentale interno al carcere dove l’essere si sgretola, travolto dal flusso d’acqua che caratterizza l’inizio del mio allestimento.
Vorrei che gli spettatori si abbandonassero e diventassero contemporaneamente fruitori curiosi ma anche attori delle vicende di Amleto e Ofelia, delle loro domande sulla vita, l’essere e l’identità. Divenendo così, spettatori privilegiati a distanza ravvicinata con gli attori e la scena, che seguono, assistono, giudicano, condannano, assolvono, si spaventano e partecipano attivamente contribuendo ad annullare completamente la quarta parete.

Trailer_Hamletmaschine from nicola macolino on Vimeo.

Nino Tricarico SPAZIO LUCE COLORE

Università degli Studi del Molise
Dipartimento di Scienze Umanistiche, Sociali e della Formazione
ARATRO
archivio delle arti elettroniche laboratorio per l’arte contemporanea


comunicato stampa mostra
NINO TRICARICO
SPAZIO_LUCE_COLORE

a cura di
Lorenzo Canova, Piernicola Maria Di Iorio, Giorgio Patrizi

Inaugurazione 4 maggio 2016 ore 17.30

Nino Tricarico presenta una selezione di opere pittoriche recenti, un gruppo di oli e acquerelli in cui esprime al meglio la sua serrata ricerca sul colore e sulla luce.
Tricarico, che ha avuto una formazione scientifica attraverso studi universitari di chimica, lavora infatti sul colore con il rigore di un ricercatore che lavora sulla percezione visiva, coniugandolo però con la leggerezza di una visione lirica che oltrepassa la materia creando un dialogo intenso tra la stesura cromatica e l’azione intellettuale di un pittore che dà vita ai suoi mondi attraverso un gesto capace di restare arcaico nella sua profonda contemporaneità.
Lo spazio di Tricarico si trasforma così in un territorio in cui la visione viene declinata oltre la ristretta dimensione oggettuale toccando i confini di una sublimazione che sembra voler purificare la realtà estraendone i codici sintetici di una nuova purezza formale.
L’astrazione di Tricarico conserva infatti ricordi della natura, frammenti del suo paesaggio ed echi delle sue terre, trasfigurati però da una vibrazione e da un flusso del colore che incanalano la luce nel quadro per ideare un nuovo spazio costruito attraverso la purezza di una pittura che trova nel segno e nelle raffinate campiture la sua poetica espressione definitiva.
La forza e la levità si uniscono in particolare nel gruppo dei recentissimi acquerelli realizzati da Tricarico appositamente per questa mostra, dove il pittore con una decisa energia compositiva traccia i suoi arcobaleni di luce, tendendoli come strutture architettoniche che tagliano il cielo, intrecciando i segni scuri ai bagliori colorati, componendo con maestria la partitura cromatica di universo sognato e ricomposto perennemente dal gesto del pittore.

NINO TRICARICO
Nato a Potenza, dove vive e lavora, si forma nascono nell'ambiente dell’avanguardia napoletana intorno agli anni Sessanta. La sua prima mostra personale è ospitata nel 1970 nella Galleria PalmsShore di New York. Tiene mostre e interventi in Germania, Olanda, Francia, Svizzera, Svezia e Finlandia. È con alcuni artisti, tra questi Gerardo Di Fiore, Errico Ruotolo, Gianni Sani, Franco Marrocco, Teo De Palma, Carlo Catuogno e con il critico Massimo Bignardi che, a partire dagli anni Ottanta, forma il gruppo del “Nuovo lirismo” che nel 1991 trova il suo primo riscontro con la mostra “The modernity of Lyrism”, tenuta dapprima alla Gummeson’s Gallery, e all’Istituto Italiano di Cultura di Stoccolma e poi al Joensuun Taidemuseo di Joensuu in Finlandia (1992). Tra le recenti mostre personali si segnalano: “Infinito Bianco”, Palazzo Lanfranchi, Matera, 2009 ; “La Barba e lo Specchio: pastelli”, Galleria Il Vaglio 2, Bari, 2011. Tra le rassegne: “Omaggio a un poeta dell’immagine: Ernesto Treccani”, Fondazione Corrente Museo Treccani, Milano; 54a Biennale di Venezia Padiglione italiano, Regione Basilicata, Galleria Civica di Palazzo Loffredo-Potenza; “Oleum. Tracce nei linguaggi del contemporaneo”, Museo FRAC – Baronissi, tutte del 2011; nel 2012 “Carte contemporanee: esperienze del disegno italiano dal 1943 agli anni Novanta”, Museo FRAC, Baronissi; 53° Premio internazionale Bice Bugatti Giovanni Segantini” Villa Vertua Masolo Nova Milanese, mentre nel 2013 è stato invitato al Premio Sulmona. Nello stesso anno la Galleria Comunale d’Arte Moderna di Potenza gli ha dedicato una ampia mostra antologica. Nel 2014 espone a Matera 23 dipinti dal titolo Orme di abissi e di rondini. L'evento, organizzato in collaborazione con la Fondazione “Le Monacelle”, è il primo di una serie, curato da Opera Arte e Arti, e finalizzato alla presentazione di progetti realizzati da artisti contemporanei, nel loro coinvolgimento con la città di Matera proposta come Città della Cultura Europea 2019. Nel 2014 e nel 2015 ha tenuto importanti mostre a Napoli, Castel Nuovo (Maschio Angioino) Sala Carlo, e al Museo FRAC di Baronissi.

ARATRO- archivio delle arti elettroniche - laboratorio per l’arte contemporanea
2° piano- 2° edificio polifunzionale, Università del Molise, via De Sanctis 86100 Campobasso
Info: + 39 3385912482; aratrounimol@gmail.com – Dal 4 al 25 maggio 2016
facebook: Aratro Università del Molise

Flâneur - Residenza d’artista presso la Fondazione Molise Cultura

Flâneur

residenza d’artista presso la Fondazione Molise Cultura

Palazzo ex GIL - Campobasso

2 - 23 maggio 2016

Flâneur è un progetto di residenza per artisti che nasce da una costola del più noto e consolidato Vis à Vis - artists in residence project, il programma ideato dall’associazione culturale Limiti inchiusi arte contemporanea di Campobasso.

A differenza di Vis à Vis che realizza le sue residenze nei piccoli paesi molisani, Flâneur si svolge negli spazi della Fondazione Molise Cultura (Palazzo ex GIL), attualmente l’unica istituzione culturale ufficiale della regione Molise.

Per questa prima edizione del progetto – che prevede almeno altre due annualità – gli ideatori hanno selezionato un artista internazionale, il giapponese Satoshi Hirose che risiederà a Campobasso dal 2 al 23 maggio 2016.

La residenza d’artista è un progetto culturale che prevede la permanenza fisica di un artista visivo in un determinato luogo con lo scopo di realizzare un’opera d’arte basata sull’analisi del contesto in cui è stata concepita; nel caso di Flâneur, Satoshi Hirose avrà a disposizione uno spazio all’interno della Fondazione Molise Cultura da utilizzare come studio, dove approfondirà la storia, gli usi e i costumi del Molise per realizzare, a termine della residenza, un’opera d’arte ispirata alla terra che lo ha ospitato.

Il lavoro ideato e realizzato dall’artista resterà di proprietà della Fondazione Molise Cultura e entrerà a far parte del patrimonio della stessa, trovando contestualmente una sua collocazione all’interno degli spazi del palazzo ex GIL.

Il progetto - ideato dall’associazione culturale Limiti inchiusi di Campobasso e sostenuto dalla Fondazione Molise Cultura – sarà curato da Silvia Valente e Matteo Innocenti.

L’idea di praticare una residenza all’interno di uno spazio istituzionale è un progetto ormai largamente consolidato a livello internazionale: musei di tutto il mondo, gallerie e fondazioni ospitano regolarmente gli artisti nei loro ambienti con lo scopo di condurre attività di ricerca e studio, una pratica imprescindibile per ogni struttura culturale che si rispetti.

Satoshi Hirose, giapponese ma italiano di “adozione”, ha sviluppato una ricerca artistica originale basata su differenti modalità espressive, dall'installazione alla scultura, dalla fotografia alla pittura, all'azione partecipata. Spesso adopera oggetti della vita quotidiana ma li ricombina dandogli nuova forma per stimolare il nostro modo di rapportarci ad essi. Ogni cosa è indice di infinite (ed impreviste) interrelazioni: la componente materiale e spirituale dell'uomo, l'apparente stabilità e la sostanziale “impermanenza” dei fenomeni, la complementare distanza e prossimità tra il naturale e l'artificiale, il rapporto di identità seppur a scala differente tra micro e macrocosmo. Con il termine “deterritorializzare” Hirose suggerisce uno sguardo alternativo che non consideri con fissità alcun limite o confine: da qui l'importanza del viaggio biografico dell’artista (sia immaginario che fisico) atto a soddisfazione di una tendenza al nomadismo. A emergere è un territorio di ambivalenza, rispettoso e propositivo delle differenze e dei punti di incontro (date le premesse, anche di quelli tra Oriente e Occidente) a significare la complessa ricchezza del nostro mondo e della nostra vita. «La banale dimensione quotidiana dell'esistenza, dove si ritiene non si dia mai nulla di nuovo, è in verità un mondo pieno di stimoli. Riproducendo e rimodulando i piccoli fatti della vita di ogni giorno, ci appare la ricchezza insospettata di questa dimensione dell'esistenza umana». (Satoshi Hirose).

Satoshi Hirose (Tokyo, 1963), attualmente lavora tra Milano e Tokyo. Laureato alla Tama Art University di Tokyo si specializza all'Accademia di Brera di Milano; nel corso degli anni, oltre a numerose personali e collettive in gallerie e altri spazi espositivi, è stato invitato da importanti istituzioni museali tra cui: Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Mambo (Museo d'Arte Moderna di Bologna), Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci (Prato), MCA (Museum of Contemporary Art Australia).