La vita che gratta - personale di Massimo Antonelli all'Officina Solare

"LA VITA CHE GRATTA"

Personale di

MASSIMO ANTONELLI

a cura di Tommaso Evangelista

26 ottobre / 6 novembre 2013

Inaugurazione sabato 26 ottobre 2013 ore 18.30

Apertura tutti i giorni 18.30/20.30

Ingresso libero

Officina Solare Gallery

Via Marconi, 2 Termoli

PRESENTAZIONE

Le sculture in creta di Massimo Antonelli sono estreme riflessioni materiche che partono da un oggetto ben preciso, una grattugia in questo caso, per mostrare una varietà di forme e configurazioni che annullano il punto di partenza della ricerca per aprire a indefinite sperimentazioni sulla forma. Come per le caffettiere di Riccardo Dalisi o le forchette di Bruno Munari assistiamo all’infinita trasfigurazione dell’utensile che da silenzioso strumento meccanico diventa struttura significante dotata di una propria aura. Proprio il conferimento dello status di opera comporta una percezione diversa, amplificata dall’apparente serialità dei lavori, e una visione analitica, quasi da microscopio, sulla struttura. Nell’ossessione del bene di consumo c’è sicuramente un clima “pop” (celebre la frase di Wahrol “Gli artisti producono cose inutili che alcuni apprezzano e sono disposti a comperare) anche se le impressioni possono essere eterogenee poiché il trattamento della superficie e la scarnificazione dei profili ci rimandano alle dinamiche dell’informale mentre i buchi e gli squarci alle tensioni spaziali di Fontana. Dall’esaltazione della ripetizione differenziata, col libero gioco dialettico tra riconoscibilità e assemblaggio-scavo, arriviamo così alla fine di Dio e ad un nichilismo di maniera nell’agitazione spaziale del collasso violato. Il modulo esaltato nelle sculture in metallo, e chiaramente in riferimento a forme architettoniche disumanizzanti e seriali, eccessivamente antinaturalistiche nella replica infinita, diventa ossessione dell’interno nei lavori in creta poiché i tagli e le ferite sono potente metafora di scavo interiore. Dalla rilettura della forma quasi divina, come fosse un’architettura sacra, della grattugia emerge una sensibilità che cerca nelle pieghe dell’oggetto insolito una critica ironica e spietata allo stesso tempo. Come ha riferito in diverse interviste, per l’artista i buchi delle grattugie sono le tensioni disumanizzanti dell’organico diventato numero: “Sono stato a New York e sono salito sull'Empire State Building: ho visto milioni di grattugie! Un vespaio che mette paura, che non ha rapporto con l'uomo. È la vita che ti gratta dentro; i buchi della grattugia sono tutti gli eventi tristi della vita: la solitudine, l'alienazione, la paranoia, la mia ulcera perforata. Se chiedi aiuto da una finestra di un grattacielo, non ti sente nessuno”. Le manipolazioni della creta diventano le dinamiche spietate della vita e sono gli occhi, inversi, dell’esistenza che guardano l’apparato umano dal profondo di una materia. La grande bellezza dell’estetica superficiale contemporanea, quindi, viene ad implodere e collassare nella monumentalità invisibile di un utensile letto come abitazione ma vissuto come corpo di confine, da manipolare fino all’eccesso del buco. Nel sistema che schiaccia l’individuo la refrattarietà della superficie della grattugia, graffiante appunto e capace di segnare, diventa il racconto di un mondo segnato fin nel profondo dai tagli e dal dolore. Una visione trasversale della vita che ha molto poco di dadaista, come potrebbe sembrare ad una prima lettura, e tanto di esistenziale poiché ogni segno, o stappo o fessura, è in fondo una mancanza e un’assenza non colmata dal desiderio ma solo da inutili paranoie.

Tommaso Evangelista

Vis a Vis - Fuoriluogo 16

VIS a VIS

fuoriluogo 16

Oratino, residenze d’artista

Patrocinio:

Provincia di Campobasso

Soggetto proponente e partner tecnico-scientifico:

Associazione culturale “Limiti inchiusi arte contemporanea”

Comune ospite delle residenze:

Oratino (CB)

Presentazione progetto e artisti

venerdi 25 ottobre 2013

Auditorium “L. Altobello”, Oratino (CB) – ore 10:30

Interverranno:

Rosario De Matteis – Presidente della Provincia di Campobasso

Nico Ioffredi – Consigliere Regionale con Delega alla Cultura

Domenico Di Nunzio – Consigliere Regionale con Delega al Turismo

Luca Fatica – Sindaco del Comune di Oratino

Fausto Colavecchia – Presidente dell’Associazione culturale Limiti inchiusi

Silvia Valente – Curatrice del progetto

Artisti selezionati:

Barbara Esposito (Italia) - Martin Elden (Sudafrica) - Morwenna Kearsley (Scozia)

“Vis a Vis – artists in residence project” è un programma di residenza per artisti che ha come obiettivo principale la promozione dell’arte contemporanea unitamente alla valorizzazione del contesto territoriale di riferimento. L’Associazione culturale Limiti inchiusi arte contemporanea – ideatrice del progetto e partner tecnico/scientifico – ha immaginato di fondere la decennale esperienza della mostra internazionale “Fuoriluogo” (appuntamento a cadenza annuale dal 1996) a “Via a Vis” giunto, quest’anno, alla sua seconda edizione, con l’intento di dare continuità e sviluppo a due importanti progetti di ricerca nell’ambito dei nuovi linguaggi del contemporaneo.

Il progetto avrà durata triennale e, per l’anno 2013, la location individuata per ospitare le residenze sarà il comune diOratino (CB), un vero e proprio “caso” nella geografia culturale molisana. In questi ultimi anni, infatti, la ricerca storico-artistica ha ricostruito un mosaico complesso e articolato di personalità che dalla fine del Cinquecento ai nostri giorni testimoniano una spiccata vocazione degli abitanti del piccolo borgo verso attività legate alla creatività, all’ingegno e alla fantasia. Nessun altro centro del Molise può vantare una simile schiera di professionisti nelle arti applicate.

La residenza d’artista è una pratica largamente consolidata e ha dimostrato di essere un efficace modus operandi specie se attuato in contesti territoriali di modeste dimensioni. L’artista ospitato dalla comunità è invitato allo studio e alla riflessione sul contesto di riferimento, analizzando aspetti di variegata natura attraverso un’azione diretta e partecipata, priva di filtri e caratterizzata da una reale presenza fisica sul territorio. Gli aspetti analizzati possono spaziare dal dato paesaggistico a quello storico, dallo studio delle tradizioni alla sfera del sociale. A seguito della residenza, l’artista dovrà realizzare un’opera d’arte che resterà di proprietà del comune ospitante ed essa sarà il risultato, la sintesi e la rielaborazione delle analisi condotte durante il periodo di permanenza sul territorio. L’arte contemporanea diventa, dunque, la chiave di accesso alla riscoperta del patrimonio locale, favorendo una continuità creativa in linea con la tradizione ma, al contempo, caratterizzata dai tratti propri del linguaggio contemporaneo. L’obiettivo è inserire l'artista contemporaneo e suoi lavori in un contesto organico, non autoreferenziale, ma capace di innescare una serie di sinergie con il territorio e i fruitori, auspicando alla costruzione, nel tempo, di una vera e propria “rete” di opere d’arte contemporanea collocate sul territorio.

Gli artisti selezionati per questa edizione sono la molisana Barbara Esposito la cui residenza avrà inizio il giorno 5 novembre, a seguire la scozzese Morwenna Kearsley e il sudafricano Martin Elden per la durata di un mese circa. A conclusione del periodo di residenza gli artisti presenteranno al pubblico i lavori prodotti che saranno realizzati con l’ausilio tecnico e strumentale (se richiesto dall’idea progettuale) di artigiani e imprese locali, al fine di incentivare relazioni sinergiche con il territorio. Durante la residenza saranno organizzati laboratori didattici d’arte contemporanea con le scuole, open studio, incontri, dibattiti e conferenze i cui contenuti saranno resi noti in una pubblicazione a conclusione del progetto.

Con Vis a Vis – Fuoriluogo 16 s’intende creare un collegamento tra i luoghi periferici interessati dal progetto e le realtà artistiche già evolute e operanti in tali contesti, oltre a determinare la possibilità di inserire questo comune nel circuito delle residenze d’arte contemporanea con l’opportunità di essere per questo visitato, dandogli una maggiore visibilità nel circuito artistico nazionale.

Il Museo Domestico

Con questa edizione del Fuoriluogo s’inaugura anche un progetto parallelo, quello del Museo Domestico, l’idea prevede l’acquisto di opere d’arte da destinare alle famiglie del comune di Oratino, i cittadini che si candideranno a custodire negli anni i lavori parteciperanno alla collezione permanente. Le abitazioni che ospiteranno i lavori saranno inserite in un itinerario percorribile in determinati periodi dell’anno o su appuntamento. Nasce, dunque, un nuovo modo di fare Museo, un contenitore partecipato e sollecitato dai cittadini fruitori a disposizione di chiunque voglia visitarlo.

Un contributo del critico Picariello per il Forum sulla Cultura

Si parla di Stati Generali della Cultura in Molise e mi sento di condividere questa riflessione

SPECIALE CULTURA, “lettera a Michele Mignogna”, per un contributo al Forum Regionale sulla Cultura

Caro Michele mi chiedi qualche cartella per parlare della cultura e del solito stancante ritornello che ogni anno, dal dopoguerra ad oggi, celebra nei luoghi accademici della politica, delle università delle scuole delle amministrazioni di ogni genere e grado, il rito melanconico quasi mitologico saturnale della mancata rinascita artistica e culturale del Molise. Ogni anno la fotocopia identica e sbiadita del precedente copione si rimette in mostra con facce diverse e forse diversi sinceri impegni, ma con il certo unico risultato da rendere la partecipazione, di solito polemica e conflittuale dei partecipanti istintivi ( nessuno si preoccupa di revisionare gli atti storici o leggere qualche libro di riferimento che pur esistono sulla storia dell’architettura, dell’arte, della musica del teatro della danza e della letteratura pascolata dal ‘900 ad oggi nei territori molisani e abruzzesi e compararle con altre culture, non dico straniere, ma regionali) come un atto stancante continuativo a guisa delle fatiche di Sisifo “pre-Camus”. Ogni generazione qui è condannata, se non riesce a occupare una poltrona politica, a subire la dominanza della classe di mezzo ( di solito burocrati di computisteria) che la furbizia della classe colta e preparata, pone come una mantella ruvida sullo strato arcaico-pop-o(n)lus (gli antichi contadini di una volta quelli tanto amati da Antonio Pettinicchi o da Segantini, Previati, i macchiaioli e il realismo russo oggi tutti infilati come icone dimenticate nel quarto stato del figlio di agricoltori Giuseppe Pellizza da Volpedo) che a lungo andare ha perso il senso della vita. Ha perso l’identità radicale che tu racconti nella rappresentazione di rito etnico antropologico e che ben definisce la conoscenza della ricerca seria distribuita in forma di donazione sociale da personaggi umanistici (qualità che va ad estinguersi) come Mauro Gioielli e Franco Valente che considero persone colte e preparate del Molise.“[…]Prendiamo ad esempio le bellissime feste Patronali che si tengono in Molise tra la primavera e l’estate, non è forse cultura pure quella? La festa del grano di Ielsi, i carri di San Pardo a Larino, le Carresi dei comuni albanesi e di San Martino in Pensilis, i Misteri di Campobasso, non sono forse l’espressione di quella cultura popolare che ci portiamo da presso e che ci ha fatto crescere e sviluppare una serie di conoscenze diffuse sul territorio, e mi scuso con quelle che non ho citato. Possibile che questi, che io chiamo eventi, dobbiamo conoscerli solo noi molisani e nessun’altro?[…]”. Ti sbagli caro Michele, non sono eventi, sono riti antropici conosciuti molto bene ovunque esiste ricerca e verità del sapere. Esiste oltre Oceano, nella preziosa memoria dei documenti umani emigrati dal 1911 e che oggi si ripropone nelle discendenze che appena maggiorenni scelgono la sorte dell’autoemigrazione intellettuale alla ricerca di chi sa bene avvantaggiarsi di un prezioso prodotto gratuito formato a caro prezzo dalle strutture scolastiche molisane e poi regalate (per sindrome di follia imprenditoriale di massa) allo sfruttamento di investitori seri che selezionano e manovrano il bestiame-intellettuale di razza che noi abbiamo allevato e istruito a perfezione. Forse è l’archetipo rito del Ver Sacrum che si ripete inconsciamente nello spirito sannitico e barbaro germanico longobardo e italo molisano di qui? Chi può saperlo come si genera questo incredibile fenomeno. Chi può saperlo…Qui caro Michele il ‘900 deve ancora arrivare e nel frattempo si gioca sull’archeologia rinnegando ci sia mai stato un “impressionismo- espressionismo, un romanticismo, un futurismo (cui riferire i monumenti di V. Puchetti e le architetture artistiche magnifiche cimiteriali, di cui prima o poi, se non lo fa Valente, qualcuno se ne dovrà pure occupare) una POP art un Concettualismo, un Post- Modernismo, fino ai nuovi movimenti che inneggiano al Nuovo Realismo e, per fortuna, agli anni Settanta. Mi chiedi cosa si può fare? Ti rispondo: valorizzare i linguaggi, valorizzare le traduzioni, valorizzare qualunque forma di editoria sia cartacea che informatica,valorizzare la fantasia giovanile con qualunque mezzo e a costo di qualunque impegno sacrificale, valorizzare il paesaggio nei suoi aspetti sublimi e di segreto agrario, valorizzare il viaggio come forma di conoscenza geografica e di formazione, uscire dalla gabbia del vecchiume che uccide per dare aria ai polmoni giovani che meglio di qualunque generazione ha incamerato l’istinto di difesa contro chi li vuole morti e inutili. Rimandare a scuola (non è mai troppo tardi) le classi decisionali perché apprendano che sapienza e bellezza formano lo spirito di un popolo e che le arti sono l’anima del mondo che gira continuamente in un universo ancora sconosciuto. Il denaro serve, ma solo per creare valori di vita, non per la bramosia di qualche vecchio taccagno che ha imparato l’odore delle casseforti bancarie e non riesce più a vedere la primavera. Questo so dirti. Altro non mi viene facile… Antonio Picariello

P.S. riprendere dalle biografie degli artisti 1 Gémito e R. Viviani così perché mi sono simpatici e poi passare ai molisani scomparsi per dare senso alle loro vite di santi creativi – e.saquella, l. mastropaolo, antonio giordano, scarano g. marotta per dare esempio alle nuove generazioni che il senso della vita ha un senso solo se si è capace di credere in dei valori che altri prima di noi hanno difeso e amato.

Il colore dei pensieri - Personale di Sara Iafigliola

IL COLORE DEI PENSIERI

Mostra personale di

Sara Iafigliola

a cura di Tommaso Evangelista

12/24 ottobre 2013

inaugurazione sabato 12 ottobre 2013 ore 18.30

Officina Solare Gallery

Via Marconi, 2 Termoli

Apertura tutti i giorni ore 18.30/20.30

Ingresso libero

Presentazione

Sono le cose più semplici a darmi delle idee

Joan Mirò

La vita delle forme è sempre stata un mistero per i critici, inadeguati a volte a leggere le intuizioni degli artisti, poiché indagare una poetica e un segno significa prima di tutto curare l’arte attraverso il filtro dell’intuizione (e di una solida preparazione storica). Il discorso dei legami tra segno, materia ed energia, tra l’altro, si complica nel momento della definizione poiché o si accetta l’opera come sensazione intuitiva oppure si procede a un’analisi delle leggi interne. Scrive Achille Pace «L’”essere” come espressione d’arte è il rapporto tra l’artista e il suo gesto, gesto come “segno”. Il gesto inteso come “segno” sostanziato dalla materia (segno-materia), da un punto di vista espressivo si arricchisce di una maggiore forza, una maggiore pregnanza. Esso esprime l’identità dell’artista»1. Con la fine dello “stile”, universale e assoluto, emerge la “poetica”, personale e irripetibile, e compito del critico è studiare le tante poetiche per ricavarne un discorso generale. Una delle più opportune riflessioni di sistema che si può fare circa l’arte contemporanea, infatti, è quella di distinguere tra un linguaggio che segue la sensazione personale e l’impressione del mondo, inserendosi in un processo iniziato dal Romanticismo, e una ricerca che sceglie le regole, le dinamiche tra gli oggetti, la teorizzazione e, sostanzialmente, il numero. Nella lavoro di Iafigliola sembrano legarsi entrambe le cose anche se il rigore di ciò che appare è solo una fossilizzazione di pensieri più immediati. Le sue opere si contraddistinguono per la riconoscibilità e la ripetizione di segni specifici che trovano sulle tele e le tavole dinamiche nascoste: le stecchette di legno, scelte per la semplicità e l’elementarità della forma, assumono disposizioni apparentemente casuali ma impostate su leggi interne specifiche, diventando elementi grammaticali di un linguaggio nascosto. L’artista, dopo aver studiato determinate strutture attraverso disegni, comincia a lavorare partendo da sinistra per aggiunta di segni-oggetti secondo numeri ricorrenti (24 e 7), gestiti di volta in volta in insiemi differenti. La ripartizione della superficie, pertanto, pur basandosi su logiche matematiche interne, nasce per intuizione momentanea, attraverso un libero gioco formale di segnali e colori: solo a conclusione viene ad assumere un titolo il quale poi altro non è che residuo poetico dell’azione. L’introduzione di forme dissimili, come nel caso dei dischetti di legno, successivamente argentati, di Era la luna conduce l’opera sulla soglia di un paesaggio apparentemente astratto e minimale ma estremamente evocativo nella collocazione degli elementi. Nel caso della serie Incontri il processo è sempre di addizione di segni anche se in questo caso all’aggiunta di un elemento tridimensionale l’artista preferisce la traccia, in virtù della fossilizzazione sul piano dell’impronta dello stesso stecchetto imbevuto di colore. Non più costruzione e disposizione regolare bensì sottrazione e sovrapposizione di segmenti minimali seguendo le compenetrazioni delle orme. Anche il colore, in tutto ciò, concorre a dare coerenza all’opera. I fondi sono quasi sempre neri opachi omogenei (raramente l’artista lavora su piani di colori accesi) mentre, per le tracce, le tinte principali sono il rosso, il nero lucido, il bianco e il grigio poiché l’importanza data alla forma deve essere esaltata dalla componente cromatica e pertanto solo con una combinazione di tali colori è possibile far percepire l’opera nel suo incontro di elementi. Il rosso attira lo sguardo, legato all’emozione e all’intensità, il bianco lascia immaginare una visione, il nero, in riferimento allo spazio infinito e alla contemplazione, attraverso la percezione di uno spazio infinito, pone tutte le materie su un piano di confine percepibile nelle sue sfumature dense o immateriali. Discorso a parte merita la serie con la sabbia, di impostazione maggiormente materica-concreta, a differenza del lirismo astratto-minimale, post concettuale, delle precedenti opere. In questo caso Iafigliola lavora sul ricordo, trasfigurato in chiave oggettuale ma legato sempre a una rievocazione sintetica del paesaggio, cercando di comunicare l’ambiente marino attraverso l’uso della sabbia colorata disposta sempre su un fondo nero omogeneo. Diversi tipi di sabbie, quella liscia dell’Adriatico o quella pietrosa del Tirreno, insieme ad altri oggetti trovati sulle spiagge (pezzi di legno, frammenti) concorrono poi alla creazione di palinsesti e riquadri che sintetizzano il ricordo nell’attimo dell’oggetto. Se le stecchette ci raccontano una storia, le sabbie pertanto ci descrivono un paesaggio fatto dell’essenzialità dei principi: polvere e idee. L’opera dell’artista, per quanto apparentemente ermetica e refrattaria alla contemplazione, in effetti nasce da un’intensa poesia interna, concettuale e personale ma estremamente sofisticata. Il raccontare solo attraverso brani di colore e segni minimi, cercando di trasmettere emozioni con forme essenziali che, in quanto minime, possono lasciare estrema libertà di visione fino ad una certa confusione, è una caratteristica che sicuramente esalta tali lavori nati in fin dei conti dalla semplicità dei sogni e dei pensieri. Del resto scriveva Prevert di Mirò: «Un innocente col sorriso sulle labbra che passeggia nel giardino dei suoi sogni».

Tommaso Evangelista

1

A. Pace, Alcuni appunti sul significato di “segno-materia”, in T. Evangelista, Autumn Contamination, Campobasso, 2011, p. 23.

100 x 100=900 a Termoli

In occasione della 9° Giornata del Contemporaneo promossa dall'AMACI (Associazione Musei d'Arte Contemporanea Italiani) Autumn Contamination presenta al pubblico il progetto di Magmart | video under volcano: 100x100=900 Project un progetto per celebrare i 50 anni della videoarte. E lo fa relazionandosi con la struttura, la quale ospita la prestigiosa collezione del Premio Termoli. La collezione termolese costituisce un caso forse unico in Italia per la documentazione di tutto quell'ambito di ricerca che va dal postinformale, all'astrattismo, alla nuova figurazione, all'arte cinetica e programmata. Attualmente la collezione è costituita da più di 470 opere d‘Arte Contemporanea, in gran parte dipinti su tela, ma anche opere scultoree, realizzate con varie tecniche e materiali. Tra le opere di maggior rilievo spiccano autori eccellenti come Carla Accardi, Luigi Boille, Antonio Calderara, Aldo Calò, Franco Cannilla, Cosimo Carlucci, Nicola Carrino, Edgardo Mannucci, Achille Pace, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo, Giulio Turcato, Giuseppe Uncini, Mario Schifano, Tano Festa, Franco Angeli, Luca Patella, Gino Marotta e molti altri. 

100x100=900 (100 videoartists to tell a century)

L’idea base del progetto è che per evolvere bisogna comprendere cosa del passato va archiviato definitivamente. In questo senso, chiamare 100 videoartisti ad interpretare ciascuno un anno del secolo scorso, oltre a costituire una vera e propria narrazione complessiva del ‘900, rappresenta un tentativo di elaborazione del passato, non a caso affidato ad artisti, e non a caso videoartisti - in quantol’immagine in movimento (cinema, televisione, web) è uno degli elementi

caratterizzanti del ‘900.

Mai forse come la videoarte, un’arte è stata così intimamente prossima ai linguaggi della contemporaneità, alla loro grammatica e sintassi. Ed il progressivo passaggio al digitale di ogni forma espressiva per immagini, rende sempre più sottile il diaframma che separa l’utilizzo artistico del medium da tutti gli altri usi.

In questo senso, la videoarte può ragionevolmente considerarsi come la forma d’arte più interna al XXI secolo, ed in ciò - quindi - dotata degli strumenti comunicativi più atti al confronto su questo crinale tra i primi due millenni. E per ciò stesso, è anche - potenzialmente - quella che in prospettiva può esercitare un più significativo influsso sulle forme della comunicazione.

Affrontare, attraverso uno sguardo artistico e plurale, la storia del ‘900, vuole quindi essere - ad un tempo - una narrazione corale e visionaria del secolo, la sua rilettura in chiave artistica, la sua interpretazione ed elaborazione. Rifuggendo da uno sguardo storiografico o politico, per sua natura di parte, e facendo invece ricorso allo sguardo degli artisti, soggettivo e parziale ma non di parte, il progetto vuole stimolare una riflessione collettiva sulle radici prossime del nostro presente.

E l’assoluta libertà di ciascun artista, il cui unico vincolo sarà di focalizzare il proprio lavoro su un determinato anno, porterà presumibilmente con sé una capacità di scompaginamento, ed al tempo stesso di ri-allineamento, della nostra visione del

secolo breve.

Network 

Il progetto prevede una prima presentazione ufficiale a Napoli, nel corso del Forum Universale delle Culture 2013, a cui farà poi seguito un tour internazionale, realizzato attraverso la partnership con altre organizzazioni, facenti parte del

summenzionato network o meno.

Un primo invito è stato quindi rivolto a quanti fanno parte di questa rete.

ACTIVA, AllArtNow, Art Video Exchange, Athens Videoart Festival, Cairo Video

Festival, Conflito Estetico, Crosstalk Video Art festival, danubeVIDEOARTfestival,

elmur.net, Experimenta India, FIVA Festival, Fonlad, Gaza’s International Festival for

Video Art, InstantsVideo, Kurye Video Festival, La Tostadora, Loop Barcelona, Miden

festival, Optica Festival, Orebro Art Video Screening, Oslo Screen Festival, OK Video

Festival, Saisonvideo, Simultan Video Festival, Videoarte en Movimiento, Video Art &

Experimental Film Festival, Videobrasil, VideoFormes, Videoholica.

Ulteriori contatti saranno successivamente avviati con altre organizzazioni e

con singoli curatori, per assicurare la più ampia presentazione possibile del progetto,

nei cinque continenti e nell’arco del 2013.

Sul sito del progetto, alla pagina www.9hundred.org/partners.php è possibile

visionare in tempo reale l’elenco degli organismi che hanno già aderito 

Il progetto 100 x 100=900 sarà presentato sabato 5 ottobre nella formula preview per anticipare la mostra, prevista in Molise. Successivamente vi forniremo dettagli in merito. 

Settis e Montanari a Venafro

L'8 ottobre alle ore 16, presso il Museo Nazionale del Molise in Castello Pandone a Venafro, lo storico dell'arte Tomaso Montanari presenterà il suo ultimo libro "Le pietre e il popolo"; ci saranno anche Salvatore Settis e Giuseppe Severini per presentare "Costituzione incompiuta. Arte, paesaggio, ambiente". Un incontro da non perdere per sentire due tra gli storici dell'arte italiani maggiormente attivi nella difesa dei beni culturali.

Pietre Popolo Costituzione

I cittadini e il diritto alla cultura al tempo delle crisi

Venafro, Museo Nazionale del Molise in Castello Pandone

8 Ottobre 2013, ore 16

Incontro pubblico con Tomaso Montanari, Salvatore Settis, Giuseppe 

Severini e Gino Famiglietti per discutere del patrimonio culturale e del diritto 

dei cittadini a usufruirne. L’iniziativa prende spunto dai recenti libri di cui sono autori 

alcuni dei partecipanti alla discussione: Le pietre e il popolo. Restituire ai cittadini l’arte e 

la storia delle città italiane, di Tomaso Montanari (minimum fax), e Costituzione 

incompiuta. Arte Paesaggio Ambiente, di Alice Leone, Paolo Maddalena, Tomaso 

Montanari, Salvatore Settis (Einaudi). 

L’incontro si svolgerà in un contesto particolare: il neonato Museo Nazionale del 

Molise nel Castello Pandone di Venafro (www.castellopandone.beniculturali.it), che, 

insieme al recupero di altri importanti monumenti della città molisana (l’antico anfiteatro 

e il Museo Archeologico di Santa Chiara), costituisce una risposta efficace alle gravi 

esigenze del patrimonio artistico e allo sfruttamento del territorio ai danni del paesaggio. 

In tempi di crisi, morale e di risorse, la nascita del Museo Nazionale del Molise è 

frutto della collaborazione tra le Soprintendenze e le associazioni di volontariato e 

costituisce uno strumento per ricostruire tra i cittadini quel senso di identità, individuale e 

collettiva, che non può che essere nutrito dalla conoscenza della storia della propria città o 

paese, della propria regione e nazione. 

Dalla collaborazione tra la Direzione regionale per i beni culturali e paesaggistici e 

l’Università del Molise è scaturita una innovativa forma di cooperazione per garantire ai 

cittadini, in particolare a quelli di età scolare, servizi qualificati inerenti la didattica e la 

divulgazione della conoscenza: le visite guidate gratuite, insieme ai laboratori, alle 

pubblicazioni e alle diverse iniziative culturali, sono a cura dei giovani laureati di una 

società di spin off dell’ateneo molisano.